Palavras ao vento

Implorando seu perdão... Love is in the air (o injustiçado!)...

2011-04-13T18:34:00.001-07:00

Fiona & Grant: O real sentido da palavra amar. Amar é perdoar, é proteger e é querer, mais do que tudo, o melhor do outro, nem que para isso tenhamos que abdicar dele.

Love is in the air (the last)...

2011-04-13T18:33:00.002-07:00

Wall-E & Eve: O casal mais cute cute de todos os tempos. Um adeus à solidão, às diferenças, às mazelas e vamos celebrar o amor!

Satine & Christian: A linda e grandiosa estória de amor entre um jovem escritor e a principal cortesã de Paris embalada por canções famosas que ganharam um maior charme nas vozes dos amantes.

Gigi & Alex: Ela é uma romântica incorrigível, beirando o masoquismo. Ele é pragmático demais, beirando o cinismo. Ele tenta ajudá-la a perceber quando os homens não estão a fim dela e suas perspectivas em relação a relacionamentos. Os laços se estreitam. É ela que se confunde ou é porque a ficha dele ainda não caiu? Muito cute cute!!! "You're my exception".

Pocahontas & John Smith vs Rebecca (Pocahontas) & John Rolfe: Livremente inspirado na história da índia Pocahontas, Mallick consegue atuações tão densas dos seus atores que torna difícil a escolha entre os Johns. Uma reflexão do que é o amor e como ele se constrói.

Fanny & Edmund: Convenções sociais, preconceitos, amizade sincera posta em risco com a chegada de prováveis pretendentes e percepção do que vai além da amizade.

Jane & Kevin: Apesar dos clichês sucessivos, a química deles é tão incrível que me pegou no ponto fraco. Adoro quando eles concordam que a parte mais bonita da cerimônia do casamento é quando enquanto todos olham a entrada triunfal da noiva, eles se focam no olhar do noivo para sua amada. Perfect!

Tony & Adriana: Lembrei-me de Eduardo e Mônica do Legião Urbana, apesar do final não ser feliz como a canção. O porquê do término de um relacionamento, a reprimida dor da perda, um balanço bem humorado de suas vidas e caminhos que antes pareciam um só, agora seguem aleatoriamente.

Jack Skellington & Sally: Um amor incondicional!

Willie & Marty: Os politicamente corretos que me perdoem, mas eu amo esse quase casal e fiquei um pouco frustrada pela não concretização desse romance. Ele é um músico, na faixa dos 30 anos, que volta à sua cidade natal para repensar seu relacionamento com a namorada. Ela é sua nova vizinha de 13 anos. Juntos travam diálogos inspirados, especulam com muito bom humor as dificuldades de um improvável relacionamento e seguram a atração iminente.

PS: Todos os filmes e casais citados partiram do meu ponto de vista e talvez eu tenha deixado casais bem queridos por muitos ou até os tenha esquecido, mas tentei citar os presentes na minha memória afetiva.

Love is in the air (6)...

2011-04-13T18:33:00.001-07:00

Bob & Charlotte: A incomunicabilidade nos relacionamentos. Ele é um astro de cinema que vive tanto no pessoal como profissionalmente no controle remoto... Ela é uma recém-casada que é formada em Filosofia... Diploma apenas teórico... Seu marido está trabalhando no Japão como fotógrafo... Ausência... Charlotte passa seu tempo vagueando pela cidade... Hipnotizada por aquela cidade claustrofóbica e ofuscante... Estranha no ninho... Conhece Bob... Sintonia... Sentimento... Parafraseando Rainer Maria Rilke: "Amor são duas solidões protegendo-se uma à outra"... Mesmo que por um breve instante... Sussurros... Selo de despedida... Ou de reencontro? Sozinha permanente ou temporariamente? Não importa... Agora tudo soa diferente...

Elizabeth & Sr. Darcy: Belos, geniosos, inteligentes e perspicazes, mas meio lentos para descobrirem o que se esconde por detrás de tanta irritabilidade.

Ann & Lee: Viver e o despertar!

Superman (Clark Kent) & Lois Lane: Ok, o meu lado racional admite que o primeiro filme é o melhor, mas meu lado emocional ama mais o segundo, já que nele vemos Superman mais Clark, de peito aberto, mais frágil, entregando-se e compartilhando o amor com a Lois. Obviamente não posso esquecer a clássica cena da dor da perda do primeiro filme, infinitamente superior a muitos beijos que vemos por aí.

Edward & Kim : A inocência do primeiro e verdadeiro amor.

Juno & Bleeker: Uma gravidez indesejada, situações inusitadas, separação, união e a vida que segue.

Emma & Sr. Knightley: Conselheira sentimental, mas que não olha para o próprio umbigo. Bem, até um certo alguém chegar!

Abbé Coulmier e Madeleine: Não é o enredo principal do filme, mas a estória do amor impossível e o desejo reprimido entre um padre e uma lavadeira do asilo onde trabalham me pegou de jeito!

Oliver & Jenny: O amor proibido e muitas vezes contado entre classes sociais diferentes ganha um charme especial e um tom melancólico através desse casal proibido para diabéticos.

Love is in the air (5)...

2011-04-13T18:32:00.001-07:00

Bridget Jones & Mark Darcy: "Wait a minute... nice boys don't kiss like that... Oh, yes, they fucking do". Balzaquiana? Nas proximidades? A pressão da sociedade aumenta cada vez mais... Perguntinhas irritantes... Tem namorado, noivo, marido? Vai ficar para titia? Olhamos ao redor... Conhecemos cada detalhe desse lugar... Os móveis, os papéis, panelas a lavar, a tv sempre ligada, som fossa na rádio, uma absurda carência... Quem nunca foi Bridget Jones? Quem nunca cantarolou uma música melancólica? E pensamentos bizarros? Quem nunca se apaixonou pelo cara errado e nem deu atenção ao que estava do lado? Quem nunca se embriagou tanto para esquecer a solidão dos dias? Quem nunca tentou uma dieta, uma crendice qualquer para sair do grupo das solitárias? Onde está o príncipe? Será que ele nunca vem? Ou simplesmente não existe? Ou pior, é um sapo? Não devemos perder o humor, assim como ela nunca perdeu... Há esperanças... Vamos fazer uma longa investigação... Descobrir o paradeiro de alguém... Onde está você, Mark Darcy? Ééééé... Bridget é um pouco ou muito de todas nós...

Amélie & Nino: Um moderno conto de fadas... Assim é O fabuloso destino de Amélie Poulain. A história nos conta sobre uma garota que toma para si a responsabilidade da felicidade de todos ao seu redor, entretanto para sua própria vida prefere o conforto e a segurança da solidão. Tornou-se cupido, de uma solidariedade exemplar, sempre tentando ajudar os outros, nem que sejam aquelas figuras pitorescas. Contudo, ao carregar essa bandeira do altruísmo, ela também começa a se descobrir e aprende a amar.

Lucy & Jude: Músicas dos Beatles cantadas pelos próprios personagens embalam as idas e vindas dessa linda estória de amor.

Alison & Ben: Eles não tinham nada a ver, mas formaram um belo, divertido e inusitado casal. Agradeçam à cachaça e ao filhote!

Elizabeth & Jeremy: Ao amargar a fossa comendo (hummm!) torta de mirtilo, ela reencontra o amor. Não tem como não babar por esse beijo!

Sophie & Hauru: Cheio de metáforas, essa obra-prima da animação japonesa é literalmente sobre corações. Um coração envelhecido de uma jovem de 18 anos que se apaixona por um coração frívolo de um jovem feiticeiro escondido nas chamas de um demônio.

Andrew & Sam: Ao voltar para casa, revive e encara os traumas do passado, refaz laços afetivos e ganha um grande amor.

Jin & Mei: Belas imagens e uma trilha avassaladora nos apresentam a esse casal que ultrapassa suas convicções e seus ideais em busca do amor.

Alice & David: She's finally got it!

Frankie & Johnny: O recomeçar!

Hawkeye & Cora: Épico em todos os seus elementos.

Love is in the air (4)...

2011-04-13T18:31:00.000-07:00

Chow Mo-Wan & Li-Zhen Xu: Um amor nunca concretizado, mas que exala em cada plano do filme, tanto no gesto, no olhar e no sussurrar.

Allie & Noah: Poderia ser uma sucessão de clichês gastos, mas aqui eles caem como uma luva nessa linda e comovente estória de amor.

Fiona & Shrek: The one and only, o casal 20 das animações!

Ennis & Jack: Nunca uma estória de amor entre duas pessoas do mesmo sexo foi contada com tanta beleza, delicadeza e perfeição. Heath, que saudades!

Patrick & Kat: Nessa divertida adaptação moderninha de "A Megera Domada" descobri Heath e me apaixonei.

Andie & Ben: Tornam-se presas fáceis dos seus próprios planos e tramóias. Chick flick deliciosa!

Anna Scott & William: Um casal divertido e apaixonante. Filme da categoria "saia do cinema com um sorriso bem grande no rosto".

Jack & Rose: O naufrágio do Titanic é apenas pano de fundo para nos contar a bela estória de amor entre uma jovem aristocrata e um desenhista de origem humilde. "You jump, I jump" (Chorei horrores!).

Sarah & Maurice: Um romance intenso e proibido interrompido abruptamente. Por quê? Até onde chegar perante o angustiante e obsessivo caminho das respostas?

Jerry Maguire & Dorothy: Fidelidade e companheirismo, peças chaves de uma união.

Romeo & Juliet: Uma versão mais pop do clássico de Shakespeare com o mesmo encanto e que nos deu de presente aquela linda cena do aquário.

Cecilia & Robbie: Um amor destruído por uma mentira que modificaria totalmente suas vidas.

Love is in the air (3)...

2011-04-13T18:30:00.002-07:00

A Bela & A Fera: Uma das histórias românticas mais populares ganhou uma versão da Disney que a respeita e vai muito além através desse lindo casal que nos encantou imensamente.

Lucy & Jack: Ela nutre um amor platônico por aquele que vê passar todos os dias na sua cabine. Ele sofre um acidente, ela salva sua vida e ao visitá-lo no hospital é confundida pela família dele como sua noiva. Porém um romance inesperado surge entre ela e o irmão do seu fictício noivo. Um romance à moda antiga, delicioso de se ver e com um casal super carismático (ai, Bullock, saudade de você!).

Robbie & Julia: Uma ode aos anos 80: muito humor, bizarrices e um amor meigo e pueril.

Robert & Francesca: Uma vida pacata e estagnada e a guinada com a chegada de um desconhecido. Romance adulto e um amor em silêncio.

Annie & Sam: Uma chamada para o amor e uma reverência aos belos clássicos românticos.

Charlie & Carrie: Encontros casuais fazem um solteirão bem britânico com dificuldade de se relacionar afetivamente e uma americana já comprometida se apaixonarem.

The Lady & The Tramp: O casal mais "cute cute" e o beijo mais singelo do cinema.

Sam & Molly: Um amor verdadeiro nunca é efêmero (guilty pleasure total).

Baby & Johnny: Casal pé de valsa (guilty pleasure também!).

Capitão Etienne Navarre & Isabeau Dante: Nem a natureza muito menos as maldições conseguiram desuni-los.

Lloyd & Diane: Eles não tinham nada a ver: momentos diferentes, ambições diferentes, vidas completamente diferentes, mas simplesmente se apaixonaram.

Love is in the air (2)...

2011-04-13T18:30:00.001-07:00

Harry & Sally: Encontros casuais, antipatia inicial, amizade natural e um romance nada circunstancial.

Edward & Vivian: Um conto de fadas inusitado, mas com o clássico final feliz.

Westley & Buttercup: Casal que protagonizou a versão cinematográfica daqueles contos de fada ternos e emocionantes que ouvíamos e sonhávamos por dias.

Annie Hall & Alvyn Singer: O enamorar, o conviver, o aceitar e o recusar. Convergências e divergências sob o ponto de vista único do mestre Woody Allen. Uma tentativa de dissecar sua vida amorosa através da análise da história de um namoro acabado. "Eu acho que um relacionamento é como um tubarão. Ele tem que seguir em frente constantemente, ou senão morre. Acho que o que temos em nossas mãos é um tubarão morto". O resultado é agridoce. Assim como o amor, muitas vezes, é na vida real.

Leia & Han Solo: Empatia, carisma, humor e muito amor para dar.

Danny & Sandy: O casal mais pop e alto-astral do cinema.

Richard & Elise: Um amor que foge às regras do tempo.

Maria & Tony: Uma nova versão de Romeu e Julieta em forma de musical e simplesmente a melhor de todas!

Maria & Capitão Von Trapp: Lembranças deliciosas da minha infância e de um casal e sua família inesquecível.

Yuri Zhivago & Lara: Amor em tempos de guerra real e pessoal.

Terry & Nick: O destino e suas faces.

Love is in the air (1)...

2011-04-13T18:26:00.000-07:00

Continuando a saga dos casais no cinema, depois de já explanarmos em posts prévios sobre Celine & Jesse e Clementine & Joel (imagens acima), citarei, em breves palavras, outros casais que queremos colocar no colo e levar para casa.

Peter & Ellie: Não importa ter sido o primeiro filme a ganhar o Oscar nas 5 principais categorias, já que a direção magistral de Frank Capra e o roteiro de Robert Riskin, baseado em estória de Samuel Hopkins Adams, nos apresentou a um casal inesquecível: uma garota rica e mimada em fuga até de si mesma e um jornalista desempregado que vê ali a oportunidade ouro de uma grande matéria, mas fatos subsequentes os aproximam e o que é realmente certo é que se amam. Aconteceu naquela noite é o genitor das comédias românticas e o seu melhor exemplar. Dosa humor, drama e romance na medida certa e em diálogos sensacionais, é delicioso de se ver e indubitavelmente atemporal.

O Vagabundo & a Garota cega: Drama e comédia. Humor e melancolia em um dos romances mais tocantes do cinema.

Romeo & Juliet: Uma história tantas vezes contada, mas que ganhou um casal perfeito, lindo e harmônico na mão do Zeffirelli.

Scarlett & Rhett: Personagens fortes, encontros e desencontros, alegrias e tristezas, amores de conveniência e o desabrochar do amadurecimento e do amor pleno.

Princess Ann & Joe Bradley: Tédio, oportunidade, passeios, um inesperado romance e redescoberta deles mesmos em Roma.

Antoine Doinel & Christine: A linda e divertida saga do surgimento e término de um romance.

Jim & Judy: Amores plenos, vidas conturbadas!

Holly & Paul: Uma fábula da realidade, o acaso e doces amores.

Ela ("Nevers") & Ele ("Hiroshima"): Perdidos e achados na eternidade de um pleno e único dia.

Rick & Ilsa: Nós sempre teremos Casablanca!

Bonnie & Clyde: "Nós roubamos bancos", mas mesmo assim os adoramos!

Joel & Clementine

2011-04-13T18:23:00.000-07:00

Voltando a falar de filmes e seus respectivos casais que me tocaram bastante, vamos ao meu TOP 1 empatados com a Celine e o Jesse que citei no post anterior. Ainda estou devendo um post novinho em folha, mas já tinha escrito este texto abaixo em agosto de 2004.

"Brilho eterno de uma mente sem lembranças

“Abençoados os que esquecem, porque aproveitam até mesmo seus equívocos (Nietzsche)”... "Feliz é o destino da inocente vestal/ Esquecida pelo mundo que ela esqueceu/ Brilho eterno da mente sem lembrança! (Eloisa to Abelard, Alexander Pope)...”

Difícil falar desse filme depois de ler a crítica do Krivochein, será que ele seqüestrou meus pensamentos mais íntimos? Como ele mesmo disse: “Brilho eterno...é um triunfo de direção e de estilo. Vai da direção de arte, passa pela fotografia (que estiliza um refletor acoplado a câmera!), pela trilha sonora (a cover de "Everybody's gotta learn sometimes" do Corgis, cantada pelo Beck, é uma facada no coração), um amálgama de escolhas ousadas, porém conscientes. Com o maior respeito ao que está querendo ser transmitido. A sensação passada por Brilho eterno é a de alguém que, para consolá-lo, simplesmente colocou a cabeça sobre seu ombro, sem ter que dizer nada. Não é aquele filme que te faz se acabar de chorar dentro do cinema; ele te acompanha até em casa, dorme contigo e ainda te leva café na cama a semana inteira. Um filme tanto para se admirar quanto se apaixonar. Assista ou sua vida terá sido uma experiência incompleta.”

Como falar depois desse texto? As palavras fogem e quando voltam, saem como cópia... Dirigido por Michel Gondry já conhecido da geração MTV por seus clipes geniais e escrito pelo garoto de ouro do momento de Hollywood Charlie Kaufman (um verdadeiro gênio, sempre se reinventando!!), Brilho eterno é um romance de legítima categoria, ele é como um tapa na nossa cara, nos mostra que por mais que fujamos dos relacionamentos, eles sempre estão ali na nossa frente e uma hora vamos entrar nesse jogo, por mais que não queiramos. O filme tem início com o circunspecto Joel Barish, personagem do Jim Carrey (estupendo!!), acordando deprimido e fugindo do trabalho. E ele, como todos nós, adoramos curtir uma boa fossa, um estado melancólico de ser e nada mais ilustrativo que aquela praia coberta de neve. Todavia algo aquece aquele ambiente gélido, a presença da excêntrica Clementine (Kate Winslet, excelente) que muda de visual como muda de humor e seguimos com o início de um relacionamento entre os dois. Vale ressaltar a bela cena quando estão deitados no gelo e olham pro céu, não é preciso palavras, beijos e abraços pra ter uma cena tão romântica.

Depois de uma passagem de tempo, vemos o Joel arrasado pelo término do seu relacionamento com Clementine e ao descobrir que ela apagou literalmente suas memórias relacionadas a ele em uma clínica chamada Lacuna, fica revoltado e resolve fazer o mesmo porque suportar o seu desprezo e a sua ausência são dolorosos demais. Só que ao iniciar o processo de apagar Clementine da sua vida, ele percebe que precisa até dos maus momentos pra seguir feliz, mesmo que não haja futuro, ele quer guardá-la na memória e aí entra a direção genial do Gondry ao mostrar o Joel percorrendo por áreas esquecidas das suas lembranças, como sua infância, na tentativa de fugir da sua futura amnésia.

Muitos chamam o Kaufman de estranho, surreal, mas esse é seu filme mais palpável, apesar de ser inverossímil o fato de alguém deletar uma pessoa da sua memória, isso só serve de pano de fundo pra nos mostrar como é doloroso o fim de um relacionamento e mesmo apesar desse sofrimento quase que natural para todos nós, nunca desistimos de ter alguém mesmo que ainda soframos no final só pra que em um determinado momento nos sintamos amados. Não adianta o tempo, a distância, as diferenças, máquinas que apagam nossas mentes, quando tem que ser, é. Por mais voltas que dermos, o amor verdadeiro está acima de tudo e sobrevive.

Clementine não suporta as diferenças, as brigas e apaga Joel. Quantas vezes não queremos acabar um relacionamento quando as discussões se tornam intermináveis? Foi aí que parei pra refletir sobre meu último namorado, aí fiquei pensando, será que fui como a Clementine e desisti fácil? Boas recordações não criam cicatrizes... Por que é tão comum esquecermos as boas lembranças? Para isso nem máquinas são necessárias e depois de minutos de reflexão, cheguei à conclusão que eu tentei e o sentimento estagnou-se, mas todos temos um pouco do silêncio e daquele olhar vago do Joel e também da carência escondida dentro daquela verborragia da Clementine.

Destaque para atuação dos outros atores (Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson e Kirsten Dunst (que cita umas das melhores frases do filme)) que conseguem ter presença mesmo com as atuações e a química extraordinária dos protagonistas.

Brilho Eterno nos torna crianças apreensivas na frente do padre confessando seus pecados... Faz-nos pensar em sentimentos bastante íntimos, tão sigilosos quanto o silêncio. Nunca tinha sofrido pelo término de uma relação, sempre amei unilateralmente e meu sofrimento era por não conseguir o objeto do meu desejo. O final dos meus relacionamentos era como uma garrafa de champagne aberta na virada do ano, mas isso foi até início do ano passado, quando fui dispensada sem aviso prévio. Que dor... Só queria chorar, meu peito queimava e tinha tanto ódio, estava tão amarga que não conseguia enxergar que aquela pessoa que me destruiu por dentro também foi muito legal, que tivemos momentos ímpares, que foi o mais especial de todos que passaram pela minha vida, entretanto queria me fixar na dor da perda, vangloriava minha auto-comiseração. Saí dessa situação menos romântica e mais cética, já que abortaram a menina que sonhava com um príncipe encantado, mas conseguiram brotar um pouco da mulher que sou hoje. Ainda não sei se estou no meio da estrada ou se cheguei ao fim, mas indubitavelmente não quero voltar ao início, ao complexo de Cinderela.

Brilho eterno é assim, desenterra sentimentos que nos perturbam, faz com que reflitamos nossos atos e nos mostra que vale a pena amar e que não podemos ser facilmente manipulados pelos maus momentos. Como diz aquela música do Beck nos créditos finais “Change your heart/ Look around you/ Change your heart/ It will astound you/ I need your lovin'/ Like the sunshine/ Everybody's gotta learn sometime… Aprender é amadurecer, ver Brilho Eterno não é só ver um belo romance e se emocionar, é também uma sessão de análise e das boas... "

Por fim, uma das cenas mais belas do filme, se é possível citar apenas uma do primeiro ao último frame.

Au revoir!

Jesse and Celine

2011-04-13T18:21:00.002-07:00

Gostaria de falar sobre dois filmes que realmente amo. Não sou muito fã de continuações (ok, há excelentes exceções), mas nunca fiquei confabulando tanto o que aconteceu depois da despedida deles em Viena e o Linklater nos agraciou com duas OPs (obra-primas): Antes do amanhecer (Before sunrise) e Antes do Pôr do Sol (Before sunset). Como já tinha escrito algo sobre os dois após ver o segundo filme, resolvi trazer do meu antigo blog este texto abaixo datado em 25 de novembro de 2004.

HOLA!

O que seriam dos romances sem a química do casal, sua sintonia, cumplicidade e claro seus beijos, seus gestos de carinhos, seus olhares, ciuminho bobo, briguinhas, lágrimas, diálogos inspirados... Antes de começar o meu texto, resolvi fazer uma homenagem aos beijos que encantaram multidões nos cinemas.

Como adoramos torcer por casais apaixonados... Não importa sua opção sexual, o importante é amar e ser amado. Lembro-me de que até torci por um romance nada convencional entre a Natalie Portman e o Timothy Hutton no bacaninha Beautiful Girls, infelizmente não vingou, já que o saudoso Ted Demme foi mais moralista que eu.

Vocês sabiam que o primeiro filme que teve uma cena de beijo se chama, de forma nada criativa, The Kiss e foi realizado em 1896? Sabiam também que a Vivian Leigh detestava beijar o Clark Gable em E o vento levou devido a seu mau hálito insuportável?

Sabiam que o beijo mais longo do cinema foi dado pelo casal Jane Wyman e Regis Toomey no filme You're in the Army Now (1941) e durou três minutos e cinco segundos? Sabiam que fizeram um ranking para os melhores beijos da história do cinema e quem ganhou foi o singelo beijo da animação A Bela Adormecida? Sabiam também que o recorde de beijos em um só filme pertence ao ator americano John Barrymore que "lascou" 127 beijinhos nas atrizes Mary Astor e Estelle Taylor em 1927 no filme Don Juan (Difícil saber quem era seu personagem, não é?). Como diz a canção clássica de Casablanca "A kiss is still a kiss/(...) The fundamental things apply as time goes by..."

Eu tentei, juro que tentei, desvincular de uma forma direta (indireta é impossível!) esse blog da minha pessoa. Eu sei que se alguém me conhece um pouco melhor vai encontrar inseridos nos textos um pouco de Karinne ali, um pouco de mim acolá. E é justamente agora que quero comentar sobre o belíssimo filme ANTES DO PÔR-DO-SOL, é quase que impossível escrever algo sem que confidencie algo mais íntimo e pessoal. Aquela cena lembra um certo namorado, aqueles diálogos tão conhecidos, certas neuroses peculiares a uma certa garota...

Em um ano fraco para o cinema (pelo menos até o exato momento), onde a maioria das exceções foi exibida antes da cerimônia do Oscar, é salutar percebermos uma guinada maravilhosa em um gênero fadado a ser contra-indicado para diabéticos.

Se você está entre 12 e 16 anos e se é uma garota, indubitavelmente se lhe perguntarem qual seu estilo de filme predileto, dirá sem titubear: R-O-M-A-N-C-E.

Entretanto nunca fui uma adolescente padronizada. Enquanto as garotas eram vidradas no Tom Cruise (não que não fosse rss), C. Thomas Howell, Rob Lowe e outros galãs oitentistas, preferia o olhar enigmático do Yul Brynner e os olhos azuis e o sorriso estonteante (ai, esse é meu ponto fraco, arrebenta-me...) do Paul Newman, que segundo meu ponto de vista, é o homem mais belo que já vi!!

Enquanto as meninas da minha geração veneravam o romance entre John Travolta e Olivia Newton-John em Grease, encantava-me mais com Humphrey Bogart e Ingrid Bergman no inesquecível e atemporal Casablanca. Sempre fui diferente, não encaixava na regra geral, era rotulada de excêntrica, com gostos duvidosos, pseudo-intelectualóide...

Sou do partido GOSTO DE FILMES BONS, uma vez que não escolho por gêneros, mas pela qualidade da história que nos é contada. O romance ultrapassa as barreiras dos gêneros, está inserido tanto na comédia, no drama, na ficção científica, no western, ou seja, faz parte de todas as histórias de nossas vidas. O que seríamos sem amores para viver e contar?

Esse ano nos encantamos com o intimista Encontros e Desencontros, surpreendi-me com o belo Diário de uma paixão e declarei meu amor a Brilho eterno de uma mente sem lembranças. Até Kill Bill é, no fundo, uma história de amor. E no início deste mês percebi que algumas continuações podem nos tocar até mais do que imaginamos ou mais que o filme que lhe deu origem.

Há alguns anos, tive o prazer de vasculhar a prateleira da minha locadora e pegar um filme totalmente desconhecido, entretanto ao ler a sinopse, encantei-me imediatamente. Se a premissa já era interessante, durante a projeção vi que não era um filme qualquer, um romancezinho corriqueiro e banal, não se baseava em ação com adrenalina mesclada com tensão sexual, muito menos com jovens fúteis e estúpidos e a figura folclórica do garoto(a) tímido(a) que vive um amor não correspondido e que depois de idas e voltas, finalmente consegue seu lugar ao sol. Adversamente, Antes do Amanhecer era sensível, mostrava que podemos nos apaixonar apenas ao conversar, sem efeitos especiais ou fantoches perfeitinhos por detrás.

Uma das cenas que mais me fez chorar foi a última visão dos lugares que Jesse e Celine passaram durante aquela noite em Viena. Que saudade absurda... Não queria me separar daqueles que se tornaram tão próximos de mim, vivenciei a química absurda descoberta ocasionalmente em um trem, a aceitação impulsiva e meio louca da proposta de passar uma noite a esmo em Viena, a admiração mútua, a sintonia, o amor e a paixão nascidos e o sofrimento iminente da despedida. Cada hora vivenciada juntos é esfuziante, contanto dilacerante pelo tempo que mingua..

Quando vi o filme pela primeira vez, era ridicularmente romântica. Idealizava amores, mantinha a mesma mania de amar unilateralmente (sou fiel aos meus conceitos rss) e sofria tanto com um olhar desviado... E aquele conto de fadas acertou em cheio um coração tão facilmente manipulável.

Como é delicioso o processo de enamorar, como todas as coisas ao redor se tornam mais belas, mais saborosas, os problemas mais facilmente contornados, sorrisos estampados nas faces... Celine tentando desviar o olhar de Jesse enquanto ouvem uma música em uma cabine, a súbita timidez que empera nos amantes. Os dialógos são tão fortes e tão próximos do nosso cotidiano, são tantos memoráveis que citar um ou outro seria terrivelmente injusto.

Lembram do conceito dado por Jesse sobre almas gêmeas: de que somos parte de uma mesma pessoa do passado. Será? E ela que se sente uma velha contrapondo-se a ele e que no momento que se beijaram no carrossel era uma velha de 83 anos beijando um garoto... As idealizações amorosas, o porquê das imperfeições humanas, o amigo imaginário, o poema, o diálogo no telefone, na cabine, são tantos...

Em especial, há um diálogo já perto da despedida que me tocou bastante. Ela está deitada no colo dele e diz que seria sim capaz de amanhecer todos os dias com ele, de ouvir as mesmas conversas, de descobrir a roupa que ele iria vestir, e que no dia que tivesse isso com alguém, saberia que aquilo é amor.

E aquelas paisagens belíssimas? Acompanhamo-nos pelas ruas, becos e vielas de Viena e o filme discorda de Celine quando ela afirma que nos quadros os ambientes são mais importantes que as pessoas que aparecem desfocadas, aqui quando vemos os lugares que eles passaram sem ambos, a tristeza e melancolia são pungentes. Estava a partir daí orfã...

No final, divagamos o que teria acontecido com o casal... Voltaram a se reencontrar seis meses depois? Será que o americano Jesse e a francesa Celine ultrapassaram todos os empecilhos e finalmente ficaram juntos? Naquela despedida agoniante, sobrenomes não foram ditos, não trocaram telefones, somente o pacto de voltar a se verem após seis meses em Viena. É isso e muito mais que ANTES DO PÔR-DO-SOL tenta nos responder.

Nove anos se passaram tanto para eles como para nós. Não possuem mais o frescor da juventude e isso não só é perceptível pelo processo natural de envelhecimento físico (impressionante como estão raquíticos e não tão mais belos), mas também pelo amadurecimento de seus personagens. Jesse agora é um escritor famoso fazendo a divulgação de seu livro em Paris. Enquanto tenta se desvencilhar das indagações dos jornalistas a respeito do seu livro ser ou não autobiográfico, ele vislumbra a imagem que tanto queria ver seis meses depois que partiu de Viena. Celine sabia de sua passagem em Paris e resolveu vê-lo. É nesse reencontro que novamente percebemos a interação natural entre os atores, será que eles não se amam na vida real? Ambos não conseguem conter a emoção apenas com o olhar.

De forma oposta a Antes do amanhecer, aqui somos apresentados inicialmente a todas belas paisagens parisienses em que Jesse e Celine irão passar, dando-nos uma sensação de expectativa e ansiedade. Novamente o amor luta contra o tempo, além da perda da cumplicidade. A separação novamente é iminente. Como recuperar em poucas horas a intimidade perdida? As conversas evoluem, mas o constrangimento é notório quando ele a coloca no colo, percebemos que o contato físico os perturba.

Enquanto no primeiro filme, somos apresentados a um Jesse mais cético, retraído, aqui o vemos desapontado, mas que não mede esforços em se expor, colocando literamente seu coração nas mãos de Celine. Já ela encontra-se retraída, insegura, reticente, já que suas relações foram todas frustrantes e apáticas. Ademais está temerosa por imaginar que Jesse esteja feliz e realizado com o casamento e o filho. Seu comportamento está explícito quando ela fala que a memória é uma coisa boa quando não temos que lidar com o passado.

Realizado em longos planos, em tempo real, Richard Linklater acerta novamente não só na sua direção primorosa e segura como no roteiro cheio de simbolismos, com diálogos inspirados, inteligentes que variam de frivolidades até assuntos mais sérios como política, profissão, diferenças culturais, além de versar sobre frustrações, lamentações, conquistas, amores e desamores e obviamente sobre aquela noite em Viena.

Os filmes do Linklater já vêm com selo de alta qualidade, deliciosos de se assistir. Escola de rock, Waking life e os dois filmes em questão são inteligentes, sabem entreter com qualidade, sem ofender nossos neurônios e nos faz pensar, refletir, sorrir, chorar... E o que torna esta película ainda mais verossímil é o fato dos próprios protagonistas, Ethan Hawke e Julie Delpy, serem co-roteiristas dessa inesquecível história de amor.

A cada minuto que se esvai, aquela sensação de despedida nos aflige novamente. A nossa identificação é imediata: somos Jesse, somos Celine, eles são um pouco de cada um de nós.

Interessante é perceber que pela ótica do amor até conseguimos ver beleza em locais comuns, como os olhamos de forma diferente tal como a cena do barco. E continuamos loucos para que o maldito tempo páre, dê uma trégua para que eles se acertem, mas a agonia é cada vez maior, o temor da despedida e a falta de perspectiva de um novo encontro fazem as máscaras caírem.

Jesse mantém uma vida cômoda e enfadonha e fez o livro numa medida desesperada de reencontrar Celine. Ela finalmente expõe seus sentimentos ao mostrar sua revolta após ler o livro, por constatar que não consegue amar, por viver uma vida de comparações, porque eles continuam a amar a idealização de ambos naquela noite em Viena e o que resta é decepcionante.

O reencontro entre os dois representa uma viagem de volta à juventude quando acreditavam no amor, nas pessoas, na felicidade. Juntos sentem-se vivos novamente. Não é apenas um filme para românticos, mas também para os céticos que, alguma vez em suas vidas, já amaram.

A cena em que ela tenta tocá-lo no carro e o momento em que eles sobem, silenciosamente, as escadas valem mais que muitas cenas de beijo ou de sexo que infestam o gênero, uma vez que é de uma sensibilidade singular, de uma tensão emocional absurda e fez com que eu entremeasse risos e lágrimas compulsivamente durante a sessão.

Mais lágrimas foram jorradas quando Celine toca sua valsinha, A Waltz for a night, umas das mais belas declarações de amor proferidas no cinema. E o final em aberto não poderia ser melhor, nada convencional, é tão real que cabe a nós imaginar o que acontecerá. O momento da despedida é tantas vezes adiado que para nós pode ser para sempre... Ao som de Nina Simone, o último diálogo... "Celine: Baby, you're gonna miss that plane. Jesse: I know". Uma coisa é certa: eu também perderia aquele voo...

Esse filme me fez repensar sobre certas atitudes e opiniões atuais, o filme pôs em cheque toda a minha ladainha incansável e irritante, já que a conexão entre Jesse e Celine desafia o tempo, o espaço, as diferenças. Lembrei-me da Karinne ridicularmente romântica de anos atrás, as marcas do tempo não eram só físicas... Agora estou a fim de voar, sair da defensiva, porque amar pode nos fazer sofrer e que nem sempre o sentimento será recíproco... Mas que nunca, nunca mesmo, podemos desistir de tentar.

Música do dia:

A Waltz For a Night
(Julie Delpy)

Let me sing you a waltz
Out of nowhere, out of my thoughts
Let me sing you a waltz
About this one night stand

You were for me that night
Everything I always dreamt of in life
But now you're gone
You are far gone
All the way to your island of rain

It was for you just a one night thing
But you were much more to me
Just so you know

I hear rumors about you
About all the bad things you do
But when we were together alone
You didn't seem like a player at all

I don't care what they say
I know what you meant for me that day
I just wanted another try
I just wanted another night
Even if it doesn't seem quite right
You meant for me much more
Than anyone I've met before

One single night with you little Jesse
Is worth a thousand with anybody

I have no bitterness, my sweet
I'll never forget this one night thing
Even tomorrow, another arms
My heart will stay yours until I die

Let me sing you a waltz
Out of nowhere, out of my blues
Let me sing you a waltz
About this lovely one night stand

HASTA!

Chick Flick

2011-04-13T18:21:00.001-07:00

Passei o Dia dos Namorados vendo filme de mulherzinha no Telecine, já que meu noivo estava de plantão no SAMU. Na verdade, revi os filmes e inclusive tenho dois deles.

Sou cinéfila, amo cinema! Não tenho gênero preferido e odeio rótulos. Adoro maratonas cinematográficas, é uma delícia ver filmes na salas de cinema madrugada adentro (perdi a de ontem!). Geralmente gosto dos filmes que o público em geral odeia e desgosto das bobagens que a maioria dos meus amigos curtem. Definitivamente não é pra fazer "tipinho", é simples coincidência mesmo. Contudo, tenho minha "guilty-pleasure": as chick flicks.

Chick flick é uma gíria para designar filmes com apelo forte para o público feminino. Segundo a Wikipedia o termo foi usado pela primeira vez nos anos 80, entretanto seu primeiro filme data da década de 30. Marrocos (Morocco) é estrelado pelo charmosíssimo Gary Cooper e a diva Marlene Dietrich que vivem um romance conturbado em plena guerra contra os marroquinos (mais sobre o filme, clique aqui).

As chick flicks versam sobre mulheres e as várias nuances dos seus relacionamentos entre lágrimas e/ou boas risadas, revelando-nos o universo feminino de forma açucarada e nos faz sair da sessão com aquele sorriso enorme e bobo. Contudo também vemos protagonistas do sexo masculino, mas sempre com um olhar feminino. O grande problema foi a generalização desse tipo de filme. Deram certo? Produção em massa de genéricos insípidos e saturados de clichês. Ademais, rotularam tanto como filmes destinados exclusivamente a mulheres que os homens fogem na velocidade do som quando ouvem: "Bem, vamos ver um filme bem romântico?" É óbvio que há muitos filmes ruins e bem ruins mesmo, mas isso não ocorre apenas nesse filão, já que no próprio mundo dos socos e pontapés - filmes de ação - nós temos bons e maus exemplos. O cinema também é um retrato da constante e progressiva mediocridade do público que o frequenta.

Alguém lembra do Brat Pack? Eu os citei certa vez no meu antigo blog Palavras ao vento. O nome era uma referência aos Rat Pack, uma turma de atores (Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford) que fazia filmes sempre juntos. Os Brat Packers foram jovens atores que estouraram nos anos 80 em filmes que se tornaram clássicos para o público jovem tais como O clube dos cinco, O primeiro ano do resto das nossas vidas, Gatinhas e gatões, A garota de rosa-schocking etc. E viva a Molly Ringwald, ícone supremo dessa turma deliciosa. Quantas vezes grudei na Globo só pra ver a sessão da tarde repleta de seus filmes. Boa época!

Pra não deixar esse post muito prolongado (mais?), vou citar alguns filmes chick flick que indico (em ordem aleatória) e outros pra ver só por masoquismo mesmo. Tentarei nos próximos dias falar de alguns filmes do gênero que amo.

Pra ver com muita pipoca e com as amigas ou o respectivo (prometa a ele ver Star Trek depois!).

Aconteceu naquela noite (é uma screwbaw comedy também), Brilho eterno de uma mente sem lembranças, Before sunrise e Before Sunset, The Wedding Singer, When Harry met Sally, Love actually, Notting Hill, Uma linda mulher, Nunca fui beijada, Sintonia de Amor, Tarde demais para esquecer, Moulin Rouge, Diário de uma paixão, Garden State, Vestida para casar, Eu te amo, cara!, Ele não está tão a fim de você, O fabuloso destino de Amélie Poulain, 10 coisas que odeio em você, Ligeiramente grávidos, Juno, Lost in translation, Beijos roubados, O casamento do meu melhor amigo, Breakfast at Tiffany's, O diário de Bridget Jones, Quatro casamentos e um funeral, Sabrina (com a Audrey, obviamente!), Marty, Como se fosse a primeira vez, My fair lady, Adoráveis mulheres, West Side Story, The graduate, Across the universe, Apenas uma vez, Wall-E, O castelo animado, Encantada, Beijando Jessica Stein, Um grande garoto, O casamento de Muriel, A noviça rebelde, Luzes da Cidade (sempre Chaplin!), Razão e sensibilidade, Annie Hall, Vicky Cristina Barcelona, Quero ser grande, O virgem de 40 anos, Procura-se Susan desesperadamente, Diga o que quiserem (onde me apaixonei pelo John Cusack), Minha vida sem mim, Edward, mãos de tesoura, Alta fidelidade, Caindo na real, Enquanto você dormia (depois dele, a Bullock perdeu a mão), Os guarda-chuvas do amor, P.S. Eu te amo, Mansfield Park, Clueless, Pride and Prejudice, Singles, Como perder um homem em 10 dias, o made in Brazil Houve uma vez dois verões e muitos outros.

Um parágrafo só pra falar de Dirty Dancing. Esse filme foi revisto por mim há 04 anos e revi uns trechos há uns dias e nessa redescoberta o achei muito fraco. Continuo a adorar as danças, a admirar a beleza do Patrick Swayze e seu rebolado, mas as atuações são canastríssimas e a história bem sem graça. Porém, como ele marcou minha adolescência, meus 12 anos, quando tentava entrar na sessão com censura de 14 anos e era sempre barrada, enquanto minhas amigas, meses mais novas, entravam e me deixavam "all by myself". Sabia todas as danças do filme, mesmo sem ter vê-lo e quando consegui uma fita pirata, contando com a ajuda de uma amiga que cedeu sua casa para vermos, ela esqueceu levar a chave quando foi pegar o filme e ao voltarmos não tinha ninguém em casa e tivemos que pular o muro. Eu, na minha habilidade notável e equilibrista nata, fiquei presa nas lanças do muro e detonei minha roupitcha linda e nova da Giovanna Baby. Chorei horrores, desisti do filme e só fui ver meses depois e para superar a revolta, peguei-o inacreditáveis 35 vezes na locadora. Portanto, tem sua nostalgia e pelo apelo pessoal, coloco-o na coluna do meio.

Go to hell

Kate e Leopold (mas Meg Ryan, what f* happened?), todos os filmes da Mandy Moore (inclusive "a solução para a seca do Nordeste" Um amor para recordar - o que é que viram nesse filme, além de lágrimas? É um liquidificador ambulante de clichês. Da filmografia da atriz, pra não ser injusta, excetua-se o bom Saved (e a péssima tradução A Galera do Mal)). Também temos Alguém como você (ninguém merece aquela história das vacas, apesar do charme descomunal do Hugh Jackman), todos os filmes protagonizados pelo Freddie Prinze Jr (o pior galã teen de todos os tempos, tanto que sumiu do mapa) e incluindo na lista as pseudo-cantoras e pseudo-atrizes Jennifer Lopes, Britney Spears, Lindsay Lohan (exceto Mean Girls) e Hilary Duff, além da Amanda Bynes. Indubitavelmente incluo todos os filmes de cheerleaders. Outras películas: Um show de vizinha, Noivas em Guerra, Outono em Nova York (Winona, logo você?), Doce Novembro (cansada de filmes em que a doença é estopim de e para tudo), Bridget Jones - no limite da razão (minha querida Bridget virou paródia de si mesma), De repente 30 (não que o filme seja ruim, mas é um genérico do ótimo Bigger), Outra vez 17 (esse não passou ainda, portanto não vi, mas já não gostei - mais um genérico), Armações do amor, Hope Floats, Recém Casados, Mamma Mia, Jogo de amor em Las Vegas, What Women Want, Uptown Girls, Todas Contra John, A agenda secreta do meu namorado, O Amor não tira férias (apesar do charme indefectível do Jude Law e se apenas focasse a Kate Winslet, talvez estivesse na categoria dos que indico, mas a canastrice da Cameron Diaz com suas caras e bocas, ninguém merece! Vale a pena pela presença do maravilhoso Eli Wallach, o eterno Tuco do excelente Três Homens em Conflito), Dizem por aí, Tudo em família, Um amor de tesouro, Coyote Ugly, Forças da natureza, Dr. T e as Mulheres e muitos outros.

Por fim, achei interessante terminar esse post com o vídeo abaixo onde o trio masculino do filme Ele não está tão a fim de você comenta, com muito bom humor, 10 clichês mais frequentes nas chick flicks.

Hasta luego!

Adventureland e (500) Days of Summer

2011-04-13T18:15:00.000-07:00

Dois exemplos de entretenimento com sensibilidade e inteligência. Deliciosamente gostosos de se ver. Fazem parte da lista de filmes que grudam na nossa memória afetiva e nos fazem um afago a cada esquina. O primeiro levemente melancólico, ambientado nos anos 80, bem "hugheano". O segundo me tombou sem piedade. Chorei, ri... Ri, chorei... Estiloso ao extremo, sincero ao extremo. O que falar daquela split screen? Ambos têm uma trilha sonora altamente inebriante. Em tempos de estresse pré-nupcial, deram-me uma tranquilidade inesperada. Quero mais filmes assim! Eu amo cinema! Eu amo cinema! Eu amo cinema!

PS: Eu amooooo The Smiths!!!

"Don't you forget about me... Don't , don't, don't you forget about me...."

2009-09-06T20:12:00.000-07:00

Quem me conhece, sabe como sou fã do John Hughes. Fiquei abalada com a notícia da sua morte há 1 mês, na véspera do meu aniversário. Não fez obras que marcaram a história do cinema, nenhum clássico ou cult. Era um autor de estórias simples, do cotidiano de jovens e seus dilemas, amores, frustrações e alegrias. Jovens certinhos, desajustados, irônicos e ingênuos, todos habitavam os corredores das escolas, das festas e participavam do seu restrito clubinho.

Seus filmes traduziram uma época e uma camada da sociedade que os filmes costumeiramente não focavam: os adolescentes. E estes que antes lotavam as salas de cinema para delirar por um sabre de luz se viram do outro lado da tela reais e sem efeitos especiais. Deu notoriedade ao cinema pop, tornou-se referência e criou genéricos. Moldou o banal, fê-lo belo, divertido e singelo. Ademais rimos, choramos e nos apaixonamos pelos seus personagens e atores, alguns eternos no nosso imaginário como Ferris e sua musa-mor Molly Ringwald.

Ao ver hoje o so cute filme Adventureland, que se passa nos anos 80, cheio de personagens interessantes e com uma trilha grudenta de boa, bateu uma tremenda saudade daqueles filmes que povoaram minha infância e de comer pipoca e coca-cola sem aquele peso na consciência e nas "cartucheiras".

Porém não sinto saudade de Hughes a partir de agora, ela já vem desde a década de 90 quando se dedicou mais a carreira de roteirista e deixou de lado a direção. Acertou a mão em uns, mas fracassos como Flubber nos deixou sem a alegria dos filmes de outrora. Quem sabe depois de sua morte precoce não lançam um box com seus melhores filmes? Para matar qualquer saudosista de vez não?

PS: Quer mais sobre Hughes, Rat Pack, teen movies etc? Clique aqui!

HASTA!

Magic with sand!

2009-08-16T14:21:00.001-07:00

HOLA!

I'll be back...

HASTA!

Depois de anos esquecido no rascunho... SAUDADE DOS 80 (epílogo)

2009-08-16T14:17:00.000-07:00

HOLA!

Por fim, acho que me estendi demais nessa minha nostalgia, admito a prolixidade em quase todos os textos, mas foi muito prazeroso, pelo menos, para mim (tirando a chatice de catar as fotos, montar e procurar nomes de ator, diretor, personagem, ano do filme etc...). Não se preocupem, não vou voltar a postar sobre "anos 80" nos próximos e longínquos posts e vou procurar fazer posts mais curtos, mas antes para não perder o costume :P...

Um não tão breve sumário do que aconteceu nesse blog nos últimos 3 meses:

Fatos que marcaram os anos 80: tudo bem, o Brasil ainda continua o país da corrupção, das injustiças sociais, da violência urbana cada vez mais crescente e os anos 80 contribuiu com isso. Mas ainda tivemos as Diretas Já que, queira ou não, foi o marco para o processo de democratização por nós perdida. Ainda não sabemos votar, contudo, ao menos, eu prefiro que os erros sejam meus a de outrem. Mundialmente tivemos que tolerar a prepotência de duas nações durante a Guerra Fria e aplaudir a queda do Muro de Berlim em 1989. Muitas lembranças: Challenger, Chernobyl, Halley, Césio, o time quase perfeito de futebol que perdeu em 1982, além de outros esportes que se destacaram como o basquete, vôlei, atletismo e muito mais...

Bons vícios dos anos 80: lollo, surpresa, galak, dip n'lik, danoninho (ou chambinho), yakult, chicletes mini, geléia Mocotó, pirocóptero, ploc, taí, fanta, coca em miniatura, álbuns de figurinhas, papéis de carta, borrachas cheirosas, Coleção Vaga-Lumes, Vivi Pimenta, A marca de uma lágrima, Homem-Aranha, Turma da Mônica, diários de perguntas e respostas, elástico, bafo, stop (ou adedonha), Caloi, Barbie, genius, war, cara a cara, jogo da vida, banco imobiliário, Turma da Moranguinho, geleca, playmobil, ferrorama, autorama, luxo, pula-pirata, aquaplay, detetive, perfil, atari, master system, pac man, enduro, pitfall, river raid, caderno Companheiro, papel pautado, caneta de 4 cores, caneta kilométrica, Barsa, pastas Company, Capricho, Veja, SET, Manchete, BIZZ, Scooby Doo, Olho Vivo e Faro Fino, Manda Chuva, Zé Colméia, A Guerra das Galáxias, Pepe Legal e Babalu, Frajola e Piu Piu, Capitão Caverna, Superamigos, Coelho Ricochete, Dick Vigarista, Penélope Charmosa, Mutley, Gargamel, Smurfs, Thundercats, He-man, She-ha, Silverhawks, Johnny Quest, Herculóides, Defensores da Terra, Turma da pesada, Cavalo de Fogo, Caverna do dragão, Os caça-fantasmas, Jem, Jetsons, Flintstones, Super-mouse, Corrida Maluca, Jaspion, Chageman, Sítio do Picapau Amarelo, Bambalalão, Balão Mágico, Plunct Plact Zuuum, Daniel Azulay, Armação Ilimitada, TV Pirata, Chacrinha, novelas, relógios champion, polainas, gel nos cabelos, leggings, franjas punk, bijouterias, calças baggy e semi-baggy, cós alto, stretch, ombreiras, Princesa Diana, vhs, fitas K7, walkman, Anos dourados, Anarquistas graças a Deus, Grande Sertão Veredas, Que Rei Sou Eu?, Vale Tudo, sessão da tarde, seriados americanos (Ilha da Fantasia, Profissão Perigo, Manimal, Dallas, Hulk, As Panteras, Miami Vice, Anjos da Lei, O Super Herói Americano, A gata e o rato etc), aeróbica, videoclipes etc.

Música anos 80 : Rock na veia!!! U2, R.E.M., Queen, The Smiths, Madonna, Cyndi Lauper, A-HA, The Cure, Michael Jackson, Tears for fears, Echo & The Bunnymen, Duran Duran, Tina Turner, Simple Red, Simple Minds, Whitesnake, New Order, Marillion, Oingo Boingo, The Pretenders, Information Society, Erasure, Eurythmics, Depeche Mode, Dire Straits, Prince, Boy George, B-52, Guns, Blondie, Pet Shop Boys, Legião, Paralamas, Lulu Santos, R.P.M., Capital Inicial, IRA, Barão Vermelho, Cazuza, Kid Abelha, Plebe Rude, Nenhum de Nós, Lobão, Metrô, Marina, Ritchie, Léo Jaime, Blitz, Magazine, Grafite, Ultraje a rigor, Zero, Engenheiros etc.

Eu sou anos 80: Garotinha Nhac Nhac da Claybom, Fernandinho da USTOP, homenzinho azul dos contonetes da Johnson & Johnson, a ninfeta do primeiro sutiã da Valisére, TV Mulher, Brooke Shields em A Lagoa Azul, Tom Cruise tanto em Top Gun como em Negócio Arriscado, Brat Pack, John Hughes, E.T., Indiana Jones, Goonies, De volta pata o futuro, Garotos Perdidos, Conta Comigo, Sociedade dos Poetas Mortos, Exterminador do Futuro, Caça-Fantasmas, Blade Runner, Poltergeist, Star Wars, Roger Rabbit, Molly Ringwald, Ferris, filmes de terror, Odete Roitman, Xuxa, Bozo, Chacrinha, Radical Chic, Anne Ramsey (Mama Fratelli), Miéle, Araken etc

Deixaram saudades nos 80: Garrincha, Elis Regina, Lauro Corona, Raul Seixas, Nara Leão, Clara Nunes, Henfil, Yara Amaral, Janete Clair, Dina Sfat, Hélio Pellegrino, Leon Eliachar, Tancredo Neves (resolvido o mistério: não era diverticulite nem mesmo as especulações geradas na época e sim um leiomioma infectado de mais de um ano que se agravou com obstrução intestinal e posteriormente com SIRS (Síndrome da resposta inflamátoria sistêmica) que era desconhecida na época), Vinícius de Morais, Gilberto Freyre, Sérgio e Aurélio Buarque de Hollanda, Drummond, Glauber Rocha, Truffaut, Hitchcock, Cary Grant, Fred Astaire, Henry Fonda, Ingrid Bergman, John Belushi, John Matuszak (o Sloth de Os Gonnies), Laurence Olivier, Orson Welles, Rita Hayworth, Richard Burton, Steven McQueen, Yul Brynner, Akira Kurosawa, Bob Fosse, Franklin J. Schaffner (diretor de Patton e o original O Planeta dos Macacos), John Huston, Lewis Milestone (diretor de O Grande Motim e o original Onze homens e um segredo), Luis Buñuel, Otto Preminger, Sergio Leone, Lucille Ball (do seriado I love Lucy), Vincente Minnelli, William Wyler, Grace Kelly, Heather O'Rourke, Dominique Dunne, Tex Avery (o pai das animações da Warner), Bob Marley, William Holden, Philip K. Dick, Romy Schneider, Karen Carpenter, David Niven, Andy Kaufman, John Lennon, Mae West, Natalie Wood, Jean Paul-Sartre, Jean Piaget, Peter Sellers, Rock Hudson, Anne Baxter, Ray Milland, James Cagney, Andy Warhol, Randolph Scott (famoso ator de westerns), Geraldine Page, Hermione Gingold, Lee Marvin, John Cassavetes, Elizabeth Hartman, Bette Davis, Samuel Beckett, Guy Williams, Irving Berlin, Lee Van Cleef, Hal Ashby, Anne Ramsey, Roy Orbison, Jon Erik-Hexum (belísssimo ator do seriado Voyagers), Marvin Gaye, Johnny Weissmuller, Michel Foucault, Indira Gandhi, Peter Lawford, Sam Peckinpah, Ruth Gordon, Simone Signoret, Dennis Wilson (Beach Boy), Robert Aldrich (diretor de What ever happened to Baby Jane?), Buster Crabble, Gloria Swanson etc.

THE 80'S MOVIES

BOX-OFFICE TOP TEN FILMS OF THE 1980s:

E.T.: The Extra-Terrestrial (1982)
Return of the Jedi (1983)
The Empire Strikes Back (1980)
Indiana Jones and the Last Crusade (1989)
Rain Man (1988)
Raiders of the Lost Ark (1981)
Batman (1989)
Back to the Future (1985)
Who Framed Roger Rabbit (1988)
Top Gun (1986)

Filmes que me esqueci de falar ou que falei e nem lembro mais: Casualities of War (De Palma); Faça a coisa certa (Spike Lee); The Fabulous Baker Boys (com Michelle Pfeiffer e os irmãos Bridges); Tempos de glória (dirigido por Edward Zwick e estrelado por Denzel Washington (que levou o Oscar de ator coadjuvante) e Matthew Broderick); Henrique V; Meu pé esquerdo; Baby, It's You; The Big Chill (Lawrence Kasdan); The dresser; El Norte; Ishtar; Beaches (Gary Marshall); Local hero; Bull Durham; A Cry in the Dark; Ligações Perigosas (Stephen Frears); Dead Ringers (Cronenberg); Gorillas in the Mist; High Hopes (Mike Leigh); Married to the Mob (Jonathan Demme); Midnight Run; The Unbearable Lightness of Being (Philip Kaufman); National Lampoon's Vacation (Harold Ramis); The Right Stuff (Philip Kaufman); Silkwood (Mike Nichols); Sudden Impact (com Clintão!); Tender Mercies; O ano em que vivemos em perigo (Peter Weir); Yentl; The used cars (Zemeckis); The Big Easy; The Dead; Esperança e glória (belo filme!); Moonstruck (Norman Jewison); Near Dark; No way out; Nuts; Roxanne; The Stepfather; Arizona nunca mais (acho que eu falei dele...); Três solteirões e um bebê; Tin Men (Barry Levinson); Wall Street (dirigido por Oliver Stone e Oscar de melhor ator para Michael Douglas pela sua perfomance); The Stunt Man; Stir Crazy (dirigida pelo ator Sidney Poitier); The Return of the Secaucus Seven; Melvin and Howard; The Long Riders; The Long Good Friday; Heaven's Gate; Gregory's girl; Coal Miner's Daughter; The Big Red One; Atlantic City (Louis Malle); Arthur; Excalibur; Gallipoli (Peter Weir); My Dinner with Andre (Louis Malle); On Golden Pond; Ragtime (Milos Forman); Reds (Warren Beatty); Children of a Lesser God; Diner (Barry Levinson); Eating Raoul; Moonlighting; An Officer and a Gentleman; The road warrior; The Verdict (Sidney Lumet); The World According to Garp (George Roy Hill); The Hitcher; Manhunter (Michael Mann); Mona Lisa (Neil Jordan); My Beautiful Launderette (Stephen Frears); A Room with a View (James Ivory); Ruthless People (o trio parada dura Jim Abrahams, David Zucker, and Jerry Zucker); Something wild (Jonathan Demme); The Bounty; Choose me; A Passage to India (David Lean); Places in the Heart; A Soldier's Story (Norman Jewison); This is Spinal Tap (Rob Reiner); The Emerald Forest; Pee-Wee's Big Adventure (Tim Burton); A honra do poderoso Prizzi (John Huston); The Trip to Bountiful; Witness (Peter Weir) etc.

Acabei de me lembrar do lapso de memória que tive ao deixar de comentar no post sobre cinema nacional in 80's sobre o filme Gaijin - Caminhos da Liberdade (1980), dirigido por Tizuka Yamasaki. Um belo e sensível filme sobre uma família de imigrantes japoneses que vieram para o Brasil para serem lavradores, buscando a tal prosperidade. Todavia, encontram sofrimento e penúria. Uma das cenas que mais me marcou - spoiler!- foi o suicídio de uma das personagens que não agüentava mais viver longe do Japão. Essa personagem vestiu seu melhor quimono e se enforcou dizendo que via novamente o Mar do Japão. Pena que a Tizuka errou, de forma copiosa, a mão depois desse ótimo filme, mas ainda aguardo Gaijin 2.

PS 1: Post originalmente escrito em 23 de fevereiro de 2005.

PS 2: Gaijin 2 é ruim de doer!

HASTA!

"Lost in translation"

2006-08-20T05:11:00.000-07:00

Carlos

Ao fixar os olhos naquele quadro de um tal Edward Hopper, reverenciado por todos e também chamado de “o pintor da solidão”, logo pensara: “O que faço aqui vendo quadros sem graça no meu único dia de folga?”

Rebeca

O que faço aqui nesse vernissage repleto de hipócritas pseudo-intelectuais e viciados como eu? Viemos agradecer a Edward Hopper a dar falsos motivos que nos ludibriam.

E o que faz aquele patético suburbano ali? Nem sabe que arte é para se ver e não para cheirar!

Carlos

Mais da metade do salário nessa bobagem existencial. O que deu em mim? Lembro ter visto o cartaz sobre essa amostra de quadros tão famosos. Repentinamente deu uma vontade insensata de fazer algo que realmente não pertencia ao meu cotidiano.

Rebeca

Como gasto meu dinheiro para trazer cultura para um país de anencéfalos? País onde a cultura está veiculada a um “plim plim” e olhem que há atrocidades piores. Não têm um background para assimilar a arte.

Carlos

Esses quadros lembram um livro que recebi de um amigo homossexual. Péssimo é ser caridoso com a qualidade da obra. Para que existem os críticos? São sempre alheios aos nossos gostos e admiram obras ditas abstratas, eufemismo para a falta de noção e incoerência.

Qual era mesmo o nome do livro? Hummm... Madame Bovary. Era insosso, apático igual a sua personagem principal.

Rebeca

O nervosismo era explícito. Já deveriam ter percebido que alguns maços de cigarro já haviam sido gastos. Em um certo momento, olhara para aquelas marcas indeléveis, uma súbita sensação de inquietude, inadequação e incompreensão... Madame Bovary.

Carlos

Já era tarde. Meus pensamentos contradizem a verdadeira razão de estar aqui. Amanhã cedo a mediocridade me espera. Algo tirei do dia de hoje: a mediocridade não só me pertence.

Rebeca

Até que não foi um fracasso de público. Mas queria perguntar a cada um que aqui estava se conseguira captar a mensagem deixada por Hopper. Indubitavelmente entraram conforme saíram. Qual o prazer então? Circular? Preciso novamente me esconder...

Carlos

Os velhos companheiros de sempre. O teto e o chão. Parecem tocar uma mesma canção fria e grave, mas que recriam um ambiente tão familiar.

Rebeca

As batidas desenfreadas do DJ contrapõem-se com a bradicardia fúnebre dos meus pensamentos. Nem estimulantes exógenos me libertam de mim mesma. Sou teto e chão.

Carlos

O sol nasce, todos ainda dormem. Mais uma noite em claro em busca de respostas, numa procura incessante e ineficaz de mim mesmo.

O que é mais estimulante? Bater o mesmo ponto todos os dias ou o meu próprio trabalho? O eterno empate técnico!

Rebeca

O sol nasce, todos ainda dormem. Mais uma noite em claro escondendo-me de mim mesma. O que é mais estimulante? A noite iluminada pelas drogas ou o sol que escurece minha pseudo alegria?

Tentativas frustras de dormir. Uma vontade súbita de ir a um lugar que tanto freqüentara e venerava na infância.

Carlos

Mais um dia de trabalho. Vai e volta... Volta e vai... Hoje será melhor, muito melhor...

Rebeca

Que direção tomar? Olhando por um aspecto que antes nunca notara, percebi que a mediocridade não só me pertence, espalha-se como uma moléstia grave.

Prestem atenção nos motoristas de metrô. Nem conseguimos visualizar seus rostos. São espectros de nós mesmos. Vão e vêm... Vêm e vão... O caminho sabem de cor, isolados, sem emoção. Um eterno inverno...

Carlos

Tentei lembrar como cheguei até aqui. Tudo tão distante, tão vago... Subitamente Hopper adentrou meus pensamentos. Uma claridade súbita surgiu. Eu sou mais um personagem do grande pintor da solidão.

Rebeca

Tentei lembrar como cheguei até esse poço de desilusões e devaneios. Pouquíssimas pessoas circulavam pela estação, os vagões estavam iluminados e vazios, numa dualidade tão inerente a mim. Repentinamente, deu uma vontade insensata de conhecer aquele que nos guiava.

Carlos

Alguém batia incessante e violentamente a porta. Sempre a primeira viagem é quase vazia, exceto pelos companheiros alcoólatras inofensivos. Já estava tão perto...

Rebeca

Uma das paradas mais bonitas por mim tão esquecida. Como posso trabalhar lá quase todos os dias e nunca vir por aqui? Maldito dinheiro! Quando era criança, meus olhos marejavam de lágrimas alegres ao ver a entrada do museu por aquela estação. Sonhos adormecidos... Queria ser uma grande artista. Sou uma marchand.

Carlos

Alheio às súplicas para que abrisse a porta, refletia sobre minha vida. Nada poderia estragar o clímax de uma vida inútil.

Queria ser cineasta. Entrei na faculdade, empolguei-me, mas no meu primeiro curta fui tão massacrado por colegas e mestres que nem mais assistia aos filmes, muito menos diploma obtive. A única ligação com cinema que tinha era o travelling do meu cotidiano, mas é irrefutável que não daria um bom plano.

Rebeca

O que faria se ele abrisse a porta? Quem seria ele? Ou será que há ela? Como seria sua vida? Uma vontade de me esconder, mas vim sem munições. Seria bom viver como aquele futuro que Huxley imaginou em Admirável Mundo Novo?

Carlos

Sou um ípsilon. Um estorvo, escória, esterco... Nem soma tenho direito!

Luísa, Ana, Gisele, Fernanda... Apenas vultos que caminharam pela minha estrada. Paralelas, nunca próximas.

Rebeca

Cocaína, canabis, ecstasy, LSD... Namorados fixos, fiéis. O resto são rostos que vêm e vão, mas que nunca marcaram território.

Carlos

O que ela faz aqui? Lembro-me de como ela me fitava lá no museu. Olhar zombador e crítico. Mais uma na imensidão de olhares.

Rebeca

Ele? O mesmo olhar triste e vago. Somos um só!

No olhar, procuraram respostas. Sentiam uma inesperada comunicação entre eles. Mundos distantes, universos tão próximos. As lágrimas escorriam. Um afago de compreeensão. De repente, um interrompe o silêncio.

Carlos

- Saia!

Rebeca

- Por quê?

Carlos

- Edward Hopper.

Rebeca

- Sim, claro! Posso ficar?

Carlos

- Por quê?

Rebeca

- Hopper!

O início do fim dos dias. Abençoados os que são agraciados pela felicidade, já que não percorrem as trevas da solidão infinita, a incompreensão alheia e de si mesmo, a embriaguez da desilusão, o inverno de sentimentos. E para aqueles como nós: “descansem em paz!”.

Reabrindo as portas...

2006-07-25T19:44:00.000-07:00

HOLA!

Será, caro leitor, que todo artista sofre de bloqueio criativo? A maldita falta de inspiração e imaginação. Vários filmes já dissecaram escritores e suas mentes em estado letárgico. Entretanto, será que os grandes - Tolstói, Dostoievski, Huxley, Mann, Proust - também sofreram de tal temível mazela? Ou ela é restrita a nós medíocres ou pseudo-artesãos, moldadores de palavras fugazes, vazias e inócuas.

Sou do partido do eco do vazio. Quer se associar? Aceitamos oligofrênicos, lulistas, modelos e naturalistas. Sou um painel de textos diversos. Próprio, não autoral. Chamam-me por um eufemismo da mediocridade: sou pseudo-intelectualóide.

Inaptidão, lassidão, solidão
Vagueio numa viagem em busca da comunhão do meu "eu",
trôpega, sem direção.
Inaptidão, apatia, prostração
Até quando perambularei pela escuridão dos meus passos?
Onde estão os vaga-lumes?
Sonhos inóspitos, inverossímeis,
contudo intrísecos a uma alma aflita,
insatisfeita, incapaz
que às vezes parece esvaecer,
mas que se sustenta miraculosamente em galhos finos e secos.
E nesse malabarismo da vida

até quando a mediocridade irá sobreviver?
Primeiro morrem-se os textos...

"O pranto reprimido pela inépcia
Inerte, vegetal
Fácies cadavérica em um coração descompassado
Que não compreende as vicissitudes da alma
Errante, desolada, ingrata
Que tergiversa a vida
E sucumbe ao infinito particular
Ululante a todos nós"
(kmos)

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 39)

2005-03-28T11:52:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"Making a film is like a stagecoach ride in the old west. When you start, you are hoping for a pleasant trip. By the halfway point, you just hope to survive" (Director Ferrand (Truffaut) em A Noite Americana)

Martin Scorsese nasceu em 17 de novembro de 1942 em Nova York. Sua paixão pela cidade é perceptível nas telas, mas ele nunca romantizou NY, sempre a mostrou na sua forma mais crua. Descendente de italianos, graduou-se em Cinema pela Universidade de Nova York aos 22 anos. Durante a faculdade, fez vários curtas que foram bastante elogiados. Durante esta época, um jovem crítico chamado Roger Ebert fez rasgados elogios ao filme Who’s That Knocking at My Door? (1969) e este era apenas o primeiro filme de Scorsese.

Fez tanto sucesso que recebeu o convite de um renomado produtor para dirigir Sexy e Marginal (1972). Começava aí os primeiros passos de um dos maiores cineastas da história que redefiniria o cinema americano moderno. Um excelente contador de histórias e dotado de uma virtuosidade extrema na direção. Aborda em seus filmes temas diversos, mas sempre profundos tais como a violência urbana, a máfia, a massificação da TV e seus personagens são complexos e perturbadores.

Seu primeiro grande sucesso foi Caminhos Perigosos (Mean Streets, de 1973) e é um dos seus filmes mais geniais. Scorsese também mostra ser um diretor versátil como podemos perceber na escolha de seus filmes. Nos anos 70, fez desde filme noir até musical. Nos anos 80, há desde dramas até comédias de humor negro. Nos anos 90, abordou temas sobre a Máfia, falou a favor do povo tibetano em Kundun e até abordou um romance impossível durante o século XIX em A época da inocência. Nos últimos anos, voltou a relatar o caos social atemporal, seja como um paramédico no final da década de 90 que vagueia dentro de uma ambulância em NY prestes a um colapso nervoso ou a jornada de um jovem em busca de vingança numa luta sangrenta entre gangues em uma Nova York do século XIX.

No recente Aviador, Scorsese aflora a sua genialidade na arte da direção. Sua capacidade de extrair ótimas atuações do seu elenco é bem evidenciada neste filme que, como disse o Krivo, reinventou o Di Caprio.

Durante os anos 70 e 80, seu alter-ego chamava-se pelo nome Robert De Niro. Pelo andar da carruagem, será que Di Caprio é seu novo alter-ego?

Bem que ele poderia se aventurar na arte de atuar. Suas participações em Taxi Driver e na animação Espanta Tubarões revelam um ator que consegue dar um tom sarcástico fascinante e meio neurótico em seus personagens.

Scorsese é um perfeccionista no sentindo mais amplo da palavra. Seu esmero é extremo em traduzir, em detalhes, os cenários e os figurinos da época em que cada filme está inserido.

Também vale destacar a parceria de Scorsese com o roteirista (e também diretor) Paul Schrader cujos frutos foram Taxi Driver, Touro Indomável, A última tentação de Cristo e a mais atual Vivendo no limite.

Como estou falando dos anos 80, citarei sua filmografia durante esta década.

A cor do dinheiro (1986): alguém pode fazer ótimas e acrobáticas tomadas de um simples jogo de sinuca (nunca sei a diferença entre bilhar e sinuca) e o tornar excitante? Eis Scorsese. Aqui um ex-campeão (Paul Newman, estupendo) conhece um jovem (Tom Cruise) bastante talentoso e decide ensinar-lhe tudo que sabe. Porém à medida que aperfeiçoa o jogo do jovem, lhe ensinando todos os truques, redescobre sua paixão pelo jogo. Questões como conflito de gerações e o vício pelo jogo poderiam ser abordados melhor, mas não chega a prejudicar o bom padrão do filme.

Touro Indomável (1980): nesse genial filme cuja fotografia é impecável, encontramos De Niro numa atuação incrivelmente absurda ao viver o pugilista peso-médio Jake LaMotta, O Touro do Bronx, que teve uma carreira meteórica de sucesso no boxe, à medida que sua vida pessoal se dregadava, devido ao seu caráter auto-destrutivo, com seu temperamento difícil e agressivo, além do seu ciúme doentio pela esposa. Scorsese faz a gente babar nas cenas de luta, entremeando um slow motion em sua câmera com panorâmicas velozes. A violência do filme não é só gráfica, é psicológica, é emocional. A montagem excepcional de Thelma Shoonmaker, a atuação monstruosa já citada de De Niro, a profundidade do seu personagem, a melancolia explícita naquela cena final corroboram para sua excelência. Em suma, Touro Indomável é para os cinéfilos, além de obra-prima, uma declaração de amor ao cinema nos seus mais diversos níveis, para os que trabalham ou querem trabalhar na área, é uma aula das boas.

Depois de horas (1985): Imaginem... Você é um solitário convicto, odeia a mesmice do seu trabalho e da sua vida e, ao acaso, encontra a garota da sua vida. No mínimo vai pular de alegria, não? Imaginem se ela lhe der o telefone? Nossa, bom demais pra ser verdade, não? Aqui a tal garota dá o telefone de uma amiga, o carinha solitário liga e marcam um novo encontro. Maravilhoso, não? Só que Paul, o personagem de Griffin Dune, vai ralar muito até chegar lá nessa ótima comédia de humor negro. Pensem numa pessoa em que a Lei de Murphy se encaixa em gênero, número e grau... Paul deixa voar seus únicos dólares pela janela do táxi, é confundido com um bandido e passa a ser perseguido por uma gangue. E as figuras pitorescas que cruzam no seu caminho? Garçonetes solitárias, artistas boêmios, vendedores, homossexuais enrustidos, garçons... O filme tem um humor refinado, com diálogos inteligentes e uma fotografia sensacional que realça bem as cores fortes mesmo em locais mal-iluminados. Alguns criticam a edição do filme ora muito rápida ora muito lenta e há uma lenda que Scorsese demorou pra finalizar a cena final porque não sabia como terminar aquela noite louca na vida de Paul. Que bom que ele decidiu por aquele ótimo final...

O rei da comédia (1983): "É melhor ser rei por uma noite do que panaca a vida inteira". Essa frase dita por um comediante em início de carreira (De Niro) revela um pouco desse ótimo filme. De Niro é um candidato a humorista que se acha O CARA. Sua auto-confiança é tão grande que ele não tem vergonha de entrar no carro de um famoso humorista (Jerry Lewis, em uma das suas melhores atuações) e pedir na cara dura para trabalhar no seu programa. Ele é tão egocêntrico que vive num universo particular onde é o centro das atenções e os mais diversos artistas babam nos seus pés. O grande problema é quando ele confunde fantasia com realidade a ponto de construir situações na sua mente e realmente achá-las verdadeiras.

Há uma patologia na Medicina chamada de Mentira Compulsiva onde a pessoa mente sem objetivo claro, mas é evidente que é uma forma de não saber lidar com seu verdadeiro "eu", querendo ser outra pessoa para que os outros a admirem e essa avalanche de mentiras a absorve de tal maneira que acaba tornando aquele universo real. O mintômano não se controla e o grande perigo é quando ele deixa de distinguir o que é real do fictício e chega até a confundir suas próprias memórias.

Envolvido na sua loucura e disposto a tudo pela fama, Pupkin (De Niro) seqüestra o grande humorista e o obriga a participar de seu programa. Apesar do tom humorado, a melancolia é presente em cada fotograma desta película. Pupkin ao confundir realidade com ficção mostra uma velada decepção com seu mundo assim como o solitário Langford (Lewis) cuja vida real é um marasmo só.

Quando era mais nova, babava as cozinheiras dos restaurantes e lanchonetes. Ficava a pensar que me tornaria um Moby Dick se estivesse no lugar delas. Até quando uma cozinheira me disse que não agüentava nem sentir o cheiro da sua própria comida, muito menos experimentá-la. Meu ideal de Tia Nastácia caía ao chão. Vocês já viram o Chico Anysio sendo ele mesmo? Seu mau-humor é notório. Como já afirmei em posts anteriores, eu não consigo achar muita graça nos palhaços. Acho aquela alegria tão artificial, mas é seu trabalho, é seu fardo, assim como é para Langford.

Scorsese nos põe a refletir sobre aqueles personagens reais ou fictícios, mas completamente verossímeis e nos arranca atuações soberbas tanto de De Niro como de Jerry Lewis.

A última tentação de Cristo (1988): católicos fanáticos de plantão nem devem ter chegado perto desse filme "indecoroso" e "execrável" e nem imaginam que o próprio Scorsese é um católico praticante e que quase vestiu uma batina. Enquanto Mel Gibson veio com seu "espetáculo" visual no ano passado, Scorsese já havia apresentado o melhor filme sobre Cristo. Mudou alguns fatos, mas manteve a essência da vida de Jesus e o humanizou de tal maneira como nunca foi feito na história do cinema.

Vamos imaginar uma situação: você é surdo-mudo (putzz!) ou não sabe reconhecer bem a voz de uma pessoa e vai ao cinema ver a animação Formiguinhaz. Começa o desenho e vemos uma formiguinha deitada numa folha (seu divã) falando pelos cotovelos sobre suas crises existenciais para o analista. Só por essa cena e pelas expressões faciais da formiga percebemos que atrás dela está o grande ator e cineasta Woody Allen. Nascido como Allan Stewart Konigsberg em dezembro de 1935 no Brooklyn, em Nova York, a história pessoal desse baixinho apaixonado por jazz poderia bem virar um dos seus inúmeros filmes geniais. Em cada película, mostra uma faceta da sua personalidade. Podem ser obras de ficção, mas cada personagem tem um pouco desse homem criativo, circunspecto e deliciosamente neurótico.

Aos 15 anos, já usando o nome Woody Allen, começou a escrever para colunas de jornais e posteriormente para programas de rádio. Apesar de ter freqüentado a Universidade de Nova York, não chegou a se formar. Inicia, na década de 60, sua carreira de comediante em casas noturnas. E vocês sabiam que ele ganhou um Grammy em 1964 por um disco chamado Woody Allen, contendo as gravações de seus shows? Em um desses shows, chamou atenção de um produtor que o contratou para escrever e estrelar o filme "O que é que há, gatinha?" (1965), seu primeiro passo para uma carreira irretocável.

Participou também do popular programa The Tonight Show. Escreveu peças, gravou discos, publicou livros. O início da sua carreira cinematográfica se caracteriza por comédias rasgadas tais como Bananas, Um assaltante bem trabalhão e Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo e tinha medo de perguntar.

Nas décadas seguintes, partiu para dramas familiares, conflitos amorosos, encontros e desencontros, mas sem deixar de lado seu humor peculiar. Criou um personagem que entrou para a mitologia cinematográfica: um homem de óculos, franzino, desajeitado e tímido, que socialmente se revelava um intelectual e que encantava as mulheres. Contudo era criar um pouco de intimidade, que a verborragia reprimida se revelava.

Também se revela um grande homenageador do cinema, já que em suas obras há grandes referências temáticas a Bergman, Groucho Marx, Fellini, Eisenstein e até ao grande músico Cole Porter. Retrata com tanta paixão o universo dos seus personagens dentro de Nova York, sua cidade natal, que é considerado o mais nova-iorquino dos diretores.

PS: Eu estou doida pra ver Melinda e Melinda!

Já que é pra falar dos anos 80, eis sua vasta filmografia da década. Fiz questão de incluir Manhattan e Annie Hall porque muitos o viram nos anos 80.

Antes, imaginem um diálogo meio non-sense entre alguns personagens dos filmes de Allen... Hilário seria pouco... E se fosse tipo uma conversa de bar com todos destilando suas neuroses?

Sandy Bates: You can't control life. It doesn't wind up perfectly. Only-only art you can control. Art and masturbation. Two areas in which I am an absolute expert.

Isaac Davis: Hey, how many times a night can you, how, how often can you make love in an evening?

Cliff Stern: Last time I was inside a woman was when I visited the Statue of Liberty.

Andrew: Sex alleviates tension and love causes it.

Elliot: God, she's beautiful... She's got the prettiest eyes, and she looks so sexy in that sweater. I just want to be alone with her and hold her and kiss her... and tell her how much I love her and take care of her. Stop it, you idiot. She's your wife's sister. But I can't help it.

Andrew: I wonder if geniuses have problems with their sex lives.

Leonard Zelig: I worked with Freud in Vienna. We broke over the concept of penis envy. Freud felt that it should be limited to women.

Isaac Davis: My ex-wife left me for another woman.

Party Guest: I finally had an orgasm, and my doctor said it was the wrong kind.

Danny Rose: I need a valium the size of a hockey puck.

Mickey: A week ago I bought a rifle, I went to the store - I bought a rifle! I was gonna, you know, if they told me I had a tumor, I was gonna kill myself. The only thing that might-ve stopped me - MIGHT'VE - is that my parents would be devastated. I would have to shoot them also, first. And then I have an aunt and uncle - you know - it would've been a blood bath.

Noivo neurótico, Noiva nervosa (Annie Hall, 1977): "Só há pouco descobri que meu grande problema é um desejo intenso de retornar ao útero. Qualquer útero." Essa frase é proferida por Alvyn Singer (Allen) nesse excelente filme vencedor de 4 Oscars. Neste filme, Allen revela as neuroses urbanas, escancara e satiriza as nossas dificuldades afetivas. Singer é um comediante judeu, que apesar do sucesso, vive fazendo análise por causa das suas neuroses e manias. Um certo dia, conhece a cantora Annie Hall (Diane Keaton, fabulosa) e se apaixonam. E sabem aquela ligação de enzima e substrato da Biologia? Annie também é complicada e eles se encaixam perfeitamente. Começam a morar juntos, mas a insegurança de Singer prejudica o relacionamento causando várias crises conjugais. Annie o larga e parte pra Los Angeles onde conhece um novo amor, entretanto Singer não vai desistir tão fácil e irá atrás dela.

Em Annie Hall, Allen é mais Allen do que nunca: as sátiras, as tiradas irônicas ("Não fale mal da masturbação // É sexo com quem eu amo!" ), o ponto de vista peculiar sobre as pessoas e seus relacionamentos, a paixão por Nova York (seu útero). Mas, ao mesmo tempo, é o mais "cinematográfico" dos seus filmes: vários recursos de edição (voice over, flashbacks, cartoon, sem contar o uso originalíssimo de legendas em uma determinada cena) brilhantemente encaixados que fazem a narrativa correr fluida e ainda original nos nossos dias.

Mas também é um história sobre amor e não de amor: Annie Hall é uma tentativa de Alvy Singer de chegar a um closure em sua relação já inexistente com Annie Hall. Somos avisados pelo próprio Alvy no início do filme ("Annie e eu nos separamos") e o que veremos a seguir é uma tentativa de dissecar sua vida amorosa através da análise da história de um namoro acabado. "Eu acho que um relacionamento é como um tubarão. Ele tem que seguir em frente constantemente, ou senão morre. Acho que o que temos em nossas mãos é um tubarão morto". O resultado é agridoce. Assim como o amor o é na vida real.

Memórias (1980): baseado em 8 ½ de Fellini e com uma notória homenagem aos irmãos Marx (em uma cena ao fundo vê-se uma foto deles), Allen vive o cineasta Sandy Bates que está prestes a receber uma homenagem pelo seu trabalho em um festival. Durante o percurso, ele tem a chance de relembrar seu passado, meditar sobre o presente e sobre o curso de sua obra assim como o da sua própria vida pessoal. O filme é completamente autobiográfico, já que Allen vivenciou essa fase da sua carreira, quando deixou de lado as comédias que fazia para partir para filmes ditos mais sérios como seus dramas existenciais. A abertura do filme é belíssima, na qual vemos Allen e os personagens à sua volta demonstrando suas emoções através de gestos. O elenco é formidável, destacando-se a belíssima Charlotte Rampling. Também vale destacar a fotografia primorosa e a trilha sonora que tem o melhor do jazz: Louis Armstrong, Glenn Miller, Duke Ellington dentre outros.

Manhattan (1979): Allen aqui é Isaac Davis, um escritor divorciado (sua mulher o largou para ficar com uma "amiga") que se vê numa situação, no mínimo, constragedora já que sua ex-esposa está escrevendo um livro sobre a vida íntima deles. Enquanto isso, ele namora uma adolescente de 17 anos, mas se vê apaixonado pela amante do seu melhor amigo. A fotografia em preto-e-branco é belíssima. O filme não fala sobre Manhattan, mas versa sobre homens que absorvem o espírito dessa cidade solitária, sua busca incessante e egoísta por alguém para fugir da solidão e sentir-se amado. É como diz o personagem de Jude Law no ótimo Closer: "Sou egoísta, acho que vou ser mais feliz com ela".

A era do rádio (1987): Allen aqui é o narrador dessa história, durante o início da Segunda Guerra, sobre uma família judia que sempre se reunia ao redor do rádio para ouvir seus programas favoritos e os sonhos que nasciam a partir desses programas. Compartilhamos os sonhos e os destinos de cada personagem. Pra variar, uma fotografia belíssima, uma ótima trilha sonora (Cole Porter, Sinatra e até Carmem Miranda) e um elenco primoroso. Uma verdadeira declaração de amor ao rádio.

A rosa púrpura do Cairo (1985): um dos meus filmes favoritos onde Allen faz uso da metalinguagem para mostrar a dura realidade do seu país contrapondo-se com a magia utópica do cinema. Eu até fico meio boba ao falar da história da garçonete Cecilia (Mia Farrow) que tolera sua vida de casada com um bêbado desempregado e violento e pra fugir da sua realidade, tenta se divertir nas sessões de cinema. Vidrada pelo filme A Rosa Púrpura do Cairo, é apaixonada pelo mocinho da história e se surpreende, ao assistir ao filme pela quinta vez, com o protagonista interagindo com ela e, em seguinte, ele sai da tela e declara seu amor por ela. Só que isso causa maior confusão com os outros personagens do filme que ficam reclamando da ausência do herói da história a ponto de fazer com o que o próprio ator que faz o personagem ir atrás da sua criatura com medo do fracasso na sua carreira. Mas ao conhecer Cecilia também se apaixona e ela terá que decidir entre a realidade e o sonho. Mia Farrow dá a Cecilia uma sensibilidade e ingenuidade que nos faz solidarizar com todos seus infortúnios e anseios. Jeff Daniels também brilha no seu duplo papel (o ingênuo e deslocado mocinho do filme e o próprio ator em pessoa). A edição do filme é primorosa e a trilha cheia do mais puro swing jazz é sempre eficiente. Esta película também analisa a relação do ator com o seu personagem e os limites entre um e outro. E aborda a nossa relação com o cinema e nos pergunta: qual a função do cinema? Somos inertes a tudo que se passa? Muitas vezes torna-se uma válvula de escape; outras vezes, um recanto para reflexão. Arranca-nos lágrimas e sorrisos. Faz-nos tão amigos, confidentes ou mesmo inimigos daqueles personagens que a vontade de ultrapassar a tela e interagir é iminente.

Crimes e pecados (1989): duas histórias paralelas são contadas aqui. Em uma delas, conhecemos um renomado oftalmologista (Martin Landau) que vê sua carreira e sua vida de casado desmoronar quando sua amante (Anjelica Huston) resolve abrir o jogo pra todo mundo. Na outra história, é relatada a história de um cineasta Cliff Stern (Allen) que, apesar de ser casado, ama outra mulher (é impressionante como ele é uma pessoa constantemente insatisfeita com seus relacionamentos. Oh ser volúvel e volátil! Mas quem nunca foi?). Nesse filme percebemos muito do universo "bergmaniano", principalmente o sofrimento físico e moral das irmãs no ótimo Gritos e Sussuros. Ademais, após o personagem principal pedir ao seu irmão para matar sua amante, deparamos com a discussão moral, os conflitos internos e sentimento de culpa semelhantes ao de Raskolnikov no clássico "Crime e Castigo" de Dostoievski. Um filme sobre escolhas e a conseqüência destas em nossas vidas.

Broadway Danny Rose (1984): "Em plenos anos 50, um agente teatral de segunda categoria tenta alavancar a carreira de um cantor alcoólatra, mas acaba se envolvendo com a ex-namorada de um gângster e é perseguido por mafiosos".

Comentando: Mia Farrow faz aqui um papel bem diferente dos outros filmes de Allen e a película tem uma atmosfera ora poeticamente saudosista, ora assumidamente expressionista. É singelo e divertido. Há uma frase no filme que resume bem o universo de Allen: "Minha filosofia de vida é a de que é importante brincar um pouco; mas também é necessário sofrer; do contrário, passa-se ao largo do essencial".

A outra (1988): Gena Rowlands (ótima, pra variar) é uma professora de Filosofia que aluga um quarto pra relaxar e só assim ter inspiração para escrever seu livro. Entretanto o quarto ao lado do seu é um consultório de psicanálise e ela começa a bisbilhotar as conversas do profissional com suas pacientes, principalmente as confissões de uma jovem grávida (Mia Farrow). A Outra é um dos mais "bergmanianos" filmes de Allen e apesar de remeter, várias vezes, a Morangos Silvestres, é uma película muito original. Na verdade, é um filme sobre solidão. Concluímos aqui que ter alguém é um mal necessário. Marion (Rowlands) se enconde atrás de diversas máscaras, coloca uma barreira, um escudo nas suas relações pessoais e ao ouvir as sessões daqueles pacientes começa a refletir sobre sua vida, sobre si mesma. Vale destacar o ótimo elenco e a ótima trilha sempre escolhida a dedo por Allen.

Sonhos eróticos numa noite de verão (1982): "Três casais se reúnem em uma casa de campo, onde debatem sexo e amor e permitem que seus sentimentos venham à tona".

Comentando: Uma moderna visão pessoal e humorada do clássico de Shakespeare. Os cenários são belíssimos e os dialógos, fantásticos.

Zelig (1983): "Um pseudo-documentário sobre a vida de Leonard Zelig (Woody Allen), o homem-camaleão, que tinha o dom de modificar a aparência para agradar as outras pessoas".

Comentando: um dos roteiros mais originais e geniais que já vi. Aqui Allen usa a metalinguagem para fazer uma análise do ser humano, do american way of life, da Alemanha que se erguia para a Guerra, das mazelas da sociedade atual e não seria Zelig uma anomalia das doenças da modernidade, onde as pessoas correm com grande intensidade para cumprir com suas rotinas de vida e tem que se adaptar constantemente a novos ambientes, situações e pessoas? O que existe de Zelig dentro de cada um de nós? Em relação ao gênero cinematográfico, quais os limites entre a ficção e o documentário? Como diz o crítico Eron Fagundes: "Zelig é a materialização da tese de que o documentário e a ficção estão mais próximos do que se pensa".

Setembro (1987): "É agosto. Numa casa de campo em Vermont, seis pessoas passam o útimo dia de verão. Um cenário ideal para Woody Allen costruir um tocante drama sobre o amor, a amizade e a família ao seu modo inconfundível de fazer cinema. Numa ciranda de paixões, Lane (Mia Farrow), a dona da casa, ama um publicitário, Peter (Sam Waterston), que alugou sua casa de hóspedes. Mas, Peter ama Stephanie (Dianne Wiest), que se sente vazia com o fracasso de seu casamento. Há ainda Diane (Elaine Strich), a mãe de Lane, e o vizinho Howard (Denholm Elliot) que ama Lane, para fechar o círculo. Nesse mundo fechado da casa de verão, os personagens compõem um painel de aspirações e obsessões, que Woody Allen explora como niguém". (Point Video)

Comentando: mais um filme "bergmaniano". E mais uma vez ele disseca com maestria o ser humano e suas conturbadas relações.

Hannah e suas irmãs (1986): "O coração é um órgão muito elástico". Essa frase dita por Mickey (Allen) na cena final sintetiza muito bem esse soberbo filme sobre relacionamentos que adapta o universo do grande cineasta Eric Rohmer ao mundo americano. O patriarca da família vive reclamando da sua esposa que sempre flerta com qualquer um, Holly (Dianne Wiest, magnífica) acabou de se livrar do vício das drogas e não tem idéia do que fazer da vida, abre um serviço de buffet com uma amiga (Carrie Fisher), mas ambas se apaixonam pelo mesmo cara e quando o arquiteto escolhe sua colega, acaba-se o negócio e a amizade. Lee (Barbara Hershey) vive uma vida acomodada com Frederick (Max von Sydow), um homem culto, pintor, arrogante que recusa o casamento e que é mais um pai, um tutor para ela que um amante. Não sabe Lee que é o centro do universo do seu cunhado Elliot (Michael Caine, excelente), segundo marido da sua irmã mais velha Hannah (Mia Farrow). Hannah é um atriz que voltou a fazer sucesso e segura as pontas de toda família e ainda tem que agüentar as neuroses do ex-marido Mickey (Woody Allen), um produtor de tv altamente hipocondríaco e paranóico que após quase ter o diagnóstico de um tumor no cérebro, começa a procurar um sentido na vida e até passa a procurar uma religião em que apóie sua vida.

Nesse ritual de encontros e desencontros, notamos a frivolidade das relações e percebemos que em alguns relacionamentos há uma questão muito mais de posse que amor propriamente dito. Elliot sempre quis Lee, mas quando isso se torna concreto, mesmo após Lee largar Frederick, a magia é perdida e devido as tentativas frustras de dar um fim no seu casamento, Lee desiste de Elliot e parte pra outra.

Enquanto ainda estava no mundo "encantado" das drogas, Holly, por intermédio de Hannah, sai com Mickey. Mas um não tolera o outro como é bem percebido no seguinte trecho: "Holly: Don't you just love songs about extra-terrestrial life? Mickey: Not when they're sung by extra-terrestrial life". E podem até me bater pelo que vou falar agora: Hannah pode ser adorável, meiga, prestativa, mas por trás daquela máscara, encontra-se uma mulher manipuladora e centralizadora. Perceberam quando Holly fez um roteiro baseado nela, ela teve uma crise histérica? Hannah se disfarça de mulher amável, filha querida, irmã camarada, mãe zelosa (e não que ela não seja), mas ela reprime seus sentimentos, não se revela em nenhum momento, é uma esfinge, tem aquele jeito passive-agressive que é muito mais evidente em outro personagem de Mia Farrow no filme Maridos e Esposas. Um filme divertido, reflexivo, melancólico... Em suma: genial!

Tanto Allen quanto Scorsese juntamente com Francis Ford Coppola participaram do filme Contos de Nova York que já citei em um post anterior.

Nascido em dezembro de 1947, esse norte-americano de Ohio, é um dos diretores mais influentes do cinema mundial. Amado por uns que o chamam de gênio (eu, inclusive) e odiado por outros que o chamam de responsável pelo processo de infantilização no cinema, Spielberg mostra sua versatilidade em filmes nitidamente blockbusters que abusam dos ótimos efeitos especiais (Jurassic Park, Indiana Jones, Tubarão) como também consegue dar um outro prisma em filmes superficialmente considerados pipocas como E.T., Minority Report, A.I. e Contatos Imediatos, onde há uma mensagem subliminar bastante reflexiva. E ainda nos presenteou com a obra-prima A lista de Schindler. Guerra dos Mundos vem aí!!!

Império do Sol (1987): "Jim Graham (Christian Bale) é um garoto de 11 anos de uma família inglesa que vive no Oriente. Jim tem um padrão de vida alto, mas de repente é separado de seus pais em virtude da China ser invadida pelo Japão. Isto o força a se defender e o obriga a crescer, tornando-se então um sobrevivente em um campo de concentração com rígidas regras".

Comentando: Alguns acusam esse filme de exemplo nítido do sentimentalismo e maniqueísmo de Spielberg, mas é um belíssimo filme que relata o valor da amizade e o processo de amadurecimento diante das mazelas da guerra. O filme tem um ótimo elenco encabeçado pelo garoto Christian B.B. Bale (B.B.= Bateman Batman) e cenas lindas (o rastro de luz não é uma bomba, o gosto comum de raças diferentes que cria uma improvável amizade e que sobrepõe a guerra, o olhar melancólico e vago de Jim no reencontro com os pais etc)que ficam mais marcantes e sublimes na presença da bela trilha de John Williams.... a Em Império do Sol, Spielberg filma a tensão de Jim (Bale) entre a realidade e o sonho. Cinematograficamente, vence o sonho. As melhores cenas são justamente aquelas que mostram algum encanto, como aquela em que Jim toca pela primeira vez suas minúsculas mãos num avião e em seguida bate continência para três oficiais japoneses. Neste rápido instante, Spielberg aparece inteiro, deixando claro que o universo da fantasia é seu verdadeiro império do sol.

Além da eternidade (1989): "Peter Sandich (Richard Dreyfuss) é um aviador que combate incêndios florestais e morre em um acidente. Ao chegar no Paraíso é apresentado a um anjo, que estimula o espírito de Peter a voltar para passar seu know-how para seu jovem sucessor, Ted Baker (Brad Johnson) e para ajudar Dorinda Durston (Holly Hunter), uma orientadora de vôo, a esquecê-lo. Após voltar como uma aparição invisível, Sandich acaba descobrindo que Ted está apaixonado por Dorinda".

Comentando: um bela aventura romântica com atuações marcantes, uma excepcional fotografia e cenas aéreas de cair o queixo. E ainda tem uma participação especial da minha diva Audrey Hepburn.

A cor púrpura (1985): "Georgia, 1909. Em uma pequena cidade Celie (Whoopi Goldberg), uma jovem com apenas 14 anos que foi violentada pelo pai, se torna mãe de duas crianças. Além de perder a capacidade de procriar, Celie imediatamente é separada dos filhos e da única pessoa no mundo que a ama, sua irmã, e é doada a "Mister" (Danny Glover), que a trata simultaneamente como escrava e companheira. Grande parte da brutalidade de Mister provêm por alimentar uma forte paixão por Shug Avery (Margaret Avery), uma sensual cantora de blues. Celie fica muito solitária e compartilha sua tristeza em cartas (a única forma de manter a sanidade em um mundo onde poucos a ouvem), primeiramente com Deus e depois com a irmã Nettie (Akosua Busia), missionária na África. Mas quando Shug, aliada à forte Sofia (Oprah Winfrey), esposa de Harpo (Willard E. Pugh), filho de Mister, entram na sua vida, Celie revela seu espírito brilhante, ganhando consciência do seu valor e das possibilidades que o mundo lhe oferece".

Comentando: um épico melodramático, com atuações magistrais, principalmente de Whoopi Goldberg, belíssima fotografia e uma trilha arrebatadora. Um filme que realmente faz chorar...

Na década de 80, Spielberg também dirigiu E.T. (1982), Poltergeist (1982), No limite da realidade (1983, Twilight Zone: The Movie) e a trilogia Indiana Jones (1981, 1984 e 1989).

PS: Devido a minha preguiça em certos momentos, pedi ajuda ao site Adoro Cinema. Valeu pelas sinopses gentilmente roubadas!

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 38)

2005-03-25T08:30:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

We are the middle children of history, with no purpose or place. Our generation has had no Great Depression, no Great War. Our war is spiritual. Our depression is our lives. (Tyler Durden, "Fight Club")

Brazil (1985): Brazil é um filme extremamente caótico, mas de profundo significado ideológico! Mostra uma sociedade no futuro, supostamente avançada, mas com um visual extremamente retro-tecnológico, onde tudo deveria funcionar com mais praticidade, entretanto, na verdade, a vida acaba sendo dificultada por máquinas que não funcionam, engenhocas problemáticas que constantemente estão causando caos na vida das pessoas. Uma sociedade que busca a perfeição, mas que, no fundo, é totalitarista e lembra muito os regimes fascistas e, curiosamente, os regimes militares, incluindo o nosso na época da ditadura. Mas o significado de Brazil no filme é a terra idealizada, perfeita, sem prédios grotescos, sem um governo repressor, onde o protagonista interpretado por Jonathan Pryce busca refúgio em seus sonhos, único local onde encontra a tão desconhecida liberdade. O próprio co-roteirista do filme, Tom Stoppard, definiu Brazil como "A mente livre numa sociedade não-livre." O diretor Terry Gilliam define o âmago da sociedade criada em Brazil como um sistema digestivo que acaba levando mais merda do que informação em seus canais.

Como disse, Brazil lembra muito o próprio Brasil na época do regime militar onde os soldados invadiam nossas casas e levavam nossos parentes sem uma explicação, onde pessoas desapareciam sem justificativa nas mãos do governo, onde todas as mentes livres eram caladas. Não sei se Gilliam tinha isso em mente, provavelmente não. Ele idealiza o Brasil da década de 20 ou 30, onde Carmem Miranda era musa, onde aqui era realmente o paraíso dos estrangeiros, a terra do romance (alguns filmes antigos como Notorious de Hitchcock mostram muito bem esse esteriótipo), acentuando ainda mais o clima retrô do filme.

Carruagens de fogo (1981): "Os melhores atletas da Inglaterra iniciam sua busca da glória nos jogos olimpicos de 1924. O sucesso honra sua pátria. Para dois corredores, a honra em questão é pessoal... e o desafio vem de dentro de cada um deles. Vencedor de 4 Oscar® em 1981, incluindo melhor filme, "Carruagens de Fogo" é a cativante história real de Harold Abrams, Eric Liddell e da equipe que trouxe para a Grã-Betanha uma de suas maiores vitórias no esporte. Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Nicholas Farrell e Alice Krige atuaram muito bem em seus primeiros papéis num filme de primeira linha sob a direção de Hugh Hudson. O produtor David Puttnam combinou esses talentos para criar um filme de impacto único e duradouro. Com suas inigualáveis tomadas da competição e sua trilha sonora vencedora de um Oscar® assinada por Vangelis, este filme marcou definitivamente seu lugar no coração daqueles que amam o cinema em qualquer parte do mundo" (2001 Vídeo).

Comentando: um filme belíssimo, emocionante e com uma das melhores trilhas sonoras da história do cinema.

Cocoon (1985): "Extra-terrestres vem a Terra com a missão de recuperar casulos com seres de outro planeta, sendo que enquanto os casulos vão sendo recuperados eles são colocados em uma piscina, energizada pelos alienígenas. Mas os extraterrenos ignoram o fato desta piscina ser utilizada por três idosos moradores de um asilo, que logo passam a ter uma disposição fantástica. Porém, quando descobrem a origem da sua juventude um dilema surge na vida deles".

Comentando: apesar de ser divertido e capaz de emocionar, o filme que vale mais pelas atuações. A continuação Cocoon 2 - O Regresso em 1988 é bem fraquinha, por mais esforço que faça o ótimo elenco.

A festa de Babette (1987): "Na desolada costa da Dinamarca vivem Martina e Philippa, as belas filhas de um devoto pastor protestante que prega a salvação através da renúncia. As irmãs sacrificam suas paixões da juventude em nome da fé e das obrigações, e mesmo muitos anos depois da morte do pai, elas mantém vivos seus ensinamentos entre os habitantes da cidade. Mas com a chegada de Babette, uma misteriosa refugiada da guerra civil na França, a vida para as irmãs e seu pequeno povoado começa a mudar. Logo Babette as convence a tentar algo realmente ousado - um banquete francês! Sua festa, é claro, escandaliza os mais velhos do lugar. Quem é esta surpreendentemente talentosa Babette, que tem apavorado os moradores desta devota cidade com a perspectiva deles perderem suas almas por deleitarem-se com prazeres terrenos?"

Comentando: uma drama existencial narrado com lirismo, espiritualidade e uma bela fotografia. Uma metáfora das nossas vidas através da arte da culinária.

Gandhi (1982): a história verídica do líder pacifista indiano, Mahatma Gandhi, assassinado em 1948.

Comentando: uma das mais perfeitas atuações da história do cinema, Ben Kingsley é Gandhi ou Gandhi é Ben Kingsley?

Coração Satânico (1987): "Nova York, 1955. Harry Angel (Mickey Rourke), um detetive particular, é contratado por Louis Cyphre (Robert De Niro), um misterioso cliente para encontrar um cantor. Entretanto, quanto mais ele se aprofunda na investigação, mais distante fica da verdade. Envolve-se com figuras estranhas, que morrem violentamente e penetra em um mundo místico, que não entende".

Comentando: Alan Parker nos presenteia com uma história densa, intrigante, surpreendente, com tons místicos, cheia de simbolismos e metáforas. Parte técnica irrepreensível assim como seu elenco.

Erik, o viking (1989): "Uma das poucas coisas que se conhece da mitologia nórdica é que existe um Deus chamado Thor, cujo martelo desfere raios poderosos. Assistir "Erik o Viking" é uma boa maneira de corrigir o erro e entrar em contato com lendas, superstições e histórias de rara beleza dos antigos povos escandinavos que habitavam países hoje conhecidos como Dinamarca, Noruega, Suécia e Islândia.Também é um convite à muitas risadas, já que o filme foi dirigido por um ex-integrante do irreverente grupo inglês Monty Python.

Tudo começa quando Erik, um viking de bom coração, acidentalmente mata uma aldeã numa tentativa de salvá-la de seus coléricos companheiros. Reflexivo, dado a devaneios, Erik questiona se a origem da maldade desmedida de seus companheiros não se deveria à falta de sol, pois em seus territórios os vikings nada mais viam que céu cinzento e escuridão. Reunindo um grupo de bravos, amalucados e irreverentes exploradores que pensam parecido, ou mesmo que desejam apenas novas aventuras, Erik comanda uma insólita expedição em busca do sol e de Asgard, morada dos deuses, dos quais espera respostas sobre o verdadeiro significado da vida. Em Niffleheim, morada dos mortos, Erik espera também reaver a mulher a quem matou sem querer, e pedir o seu perdão. Na jornada, repleta de desafios, Erik deve alcançar a ponte Bifrost, feita de arco-íris, único acesso à morada dos deuses Asgard que consiste em palácios de ouro e prata. O Valhala é o mais belo deles, sendo moradia do deus Odin, senhor de todos os deuses, a quem se atribui a invenção dos caracteres rúnicos. Passando maus bocados, mas sempre animado pela busca da verdade, Erik e seus companheiros logram vencer a temível serpente Nidgard e a descrença e rebeldia dos próprios companheiros para chegar até à presença dos deuses em busca de explicações. Este encontro é surpreendente, sendo um dos pontos altos do filme. Trata-se de um grande filme estranhamente ignorado pelos cinemas e pela crítica".

Comentando: depois desse texto aí em cima, melhor calar minha boquinha. Tudo bem, os anos 80 (Ao vivo no Hollywood Bowl (1982), Monty Python e o sentido da vida (1983)) pode não ter sido os melhores pra trupe do Monty Python que, em anos anteriores, nos presenteou com clássicos do seu humor peculiar tais como E agora para algo completamente diferente (1972), Monty Python em busca do cálice sagrado (1975), A vida de Brian (1979), O Incrível Exército de Brancaleone (1966) etc, mas que todos seus filmes são acima da média se compararmos com as comédias que nos fazem engolir goela abaixo, isso é inegável.

O selvagem da motocicleta (1983): "Em uma pequena cidade industrial que está morrendo, o líder de uma pequena gangue, Rusty James (Matt Dillon), vive na sombra de seu ausente irmão mais velho, "O Motoqueiro" (Mickey Rourke). A mãe dele partiu, o pai dele bebe, escola não tem nenhum significado para ele e suas relações são superficiais. Rusty é levado em participar de mais uma briga de gangues e os eventos que se seguem começam a mudar sua vida".

Comentando: mais uma ótima parceria entre o diretor Francis Ford Coppola e a escritora Susan E. Hinton que gosta de abordar os "outsiders" da sociedade. A fotografia do filme em preto e branco é muito bonita e é uma homenagem clara de Coppola ao expressionismo alemão. Rumble Fish literalmente significa peixe de isca, mas a autora do livro que serve de roteiro para esse conto dolorido de Coppola foi buscar a inspiração em uma espécie toda particular de peixe, do tipo ornamental, o Peixe de Briga, cuja característica principal é ser um peixe que só de ver o próprio reflexo no vidro começa brigar consigo mesmo, uma auto-violência que se torna cruel e doentia.

Achei uma resenha bem interessante em um site (ai, perdi o link!) que resume muito bem essa metáfora do peixe em relação aos personagens do filmes.

"Com a persona toda trabalhada em cima dessa imagem, o garoto da motocicleta (Mickey Rourke, irrepreensível, inspirado em Camus e Napoleão) é tudo, menos selvagem. Ele é o herói, idolatrado. Briguento na adolescência, virou uma lenda. Seu fã número 1 é o irmão mais novo, Rusty James (Matt Dillon, perfeito), caso comum quando se tem apenas a família como espelho. O herói é aquele que pode tudo mas que na verdade não quer nada. Essa contradição é o emblema do filme. Em busca de respostas para perguntas que talvez nem saiba, o garoto vai de moto à Califórnia. Na sua ausência, o irmão mais novo faz tudo aquilo que fez do mais velho uma lenda: briga, arranja confusões, é expulso da escola, afinal, o que um garoto pobre pode fazer num bairro perdido de uma cidade esquecida, a não ser brigar de gangues?

Quando o garoto da motocicleta retorna, percebe-se que algo mudou. Há como fugir de uma persona? Cansado de ser o mito, desmontará com sua indiferença desiludida o irmão, mas não a polícia. E qual é o destino de um herói? Coppola domina a tela. O filme é em preto e branco de absoluto sonho porque nosso herói é daltônico, e quase surdo como uma tv preto e branco com volume baixo, explica. Vê apenas vislumbres de cores. E vê que viver não é e nunca será fácil. O selvagem da motocicleta é forte e perturbador porque fala da juventude, para a juventude. Um perfeito cult-movie, talvez o melhor."

A mulher do tenente francês (1981): dirigido por Karel Reisz, o filme aborda duas relações amorosas paralelas. Mike e Anna (Jeremy Irons e Merly Streep) são os protagonistas de um filme que se passa tanto em Londres como no interior da Inglaterra. Mike interpreta o paleontologista Charles que é noivo de uma garota que mora na cidade litorânea onde estuda. Todavia apaixona-se por Sarah (Anna (Merly Streep)), uma mulher marginalizada por sua reputação manchada já que teve um caso amoroso com um tenente francês que chocou toda a sociedade. Enquanto a história fictícia evolui, os atores também passam a viver um amor proibido tal como seus personagens. Um belo filme que ganhou o Cesar de melhor filme estrangeiro e foi indicado a vários outros prêmios.

Adeus, meninos (1987): Louis Malle é o responsável pela direção desse belíssimo e sensível filme sobre a ocupação nazista na França. Julien é um garoto super estudioso em uma escola católica até a chegada de Jean Bonnett. Inicialmente mantêm uma relação de hostilidade, mas com o tempo tornam-se grandes amigos. Durante a Guerra, os próprios professores escondem Julien e outras crianças por serem judeus. Todavia a Gestapo invade o colégio e prende muitos dos que se escondiam lá. Um relato comovente sobre as atrocidades da guerra e o valor da amizade. Tudo é visto através da inocência da infância, uma condição que vai sendo perdida enquanto se avoluma a tragédia da guerra. Essa inocência pode ser resumida no diálogo de uma cena, quando um menino não-judeu pergunta ao irmão mais velho de que os judeus estão sendo acusados e este responde: "De serem mais inteligentes do que nós e de terem crucificado Jesus".

Contos De Nova York (New York Stories,1989): "Na primeira história, "Lições de Vida" (Life Lessons), dirigida por Martin Scorsese, Lionel Dobie (Nick Nolte), um famoso artista plástico, fica arrasado quando Paulette (Rosanna Arquette), sua namorada e assistente, planeja abandoná-lo. Na segunda, "A Vida Sem Zoe" (Life Without Zoe), dirigida por Francis Ford Coppola, Zoe (Heather McComb), uma menina, vive esquecida em um hotel de luxo enquanto seus famosos pais viajam o mundo. Na terceira, "Édipo Arrasado" (Oedipus Wrecks), dirigida por Woody Allen, Sheldon Mills (Woody Allen) é um advogado que não consegue se libertar da mãe dominadora".

Comentando:

Segmento "Lições de Vida" (Life Lessons) - Direção: Martin Scorsese Roteiro: Richard Price

Esse filme já me arrepia até o último fio de cabelo só com aquela música maravilhosa de Procol Harum, A Whiter Shade Of Pale, que dá o clima do filme até o seu final. Nick Nolte e Rosana Arquette estão perfeitos e a química entre eles é excelente. Vale a pena mentir por um amor? Ou você é da turma do filme Closer?

Segmento "Life Without Zoe" - Direção: Francis Ford Coppola Roteiro: Francis Ford Coppola e Sophia Coppola

Mesmo sendo o mais fraco dos três contos, é um filme gracioso, bem no estilo da Sophia Coppola. Até achei que o filme tem um quê de autobiográfico: garotinha rica, pai talentoso que vive viajando... Ela vive em hotéis, tem amigos riquíssimos... Apaixonada pelo pai, mas solitária...

Segmento "Édipo Arrasado" (Oedipus Wrecks) - Direção: Woody Allen Roteiro: Woody Allen

Conto engraçadíssimo de Allen, onde ele mostra um pouco do seu complexo edipiano. Mia Farrow é a "passive-agressive" louca por filhos e Woody Allen nunca consegue aturá-la até o final do filme!

Conan, o Bárbaro (1982): guerreiro nórdico (Schwarzenegger) ainda pequeno é aprisionado como escravo após a morte de sua família em um massacre comandado por um poderoso local (James Earl Jones, a voz por trás de Darth Vader). Após se libertar, jura vingança e só confia na sua espada. No segundo filme, Conan, o Destruidor (1984), ele juntamente com alguns guerreiros e uma princesa, vão atrás de um feiticeiro em um castelo de vidro em busca de um cristal. Ótimas lutas coreografadas e a trilha de Basil Poledouris são os pontos altos do filme juntamente com o carisma de Schwarzenegger.

Gosto de Sangue (1984): primeiro filme dos irmãos Coen e já num clima bem noir. Mulher (Francis McDormand) tem um caso amoroso com um funcionário do marido e o corno enciumado contrata um assassino para matá-los que acaba por matá-lo e fica com a grana. Essa é apenas a premissa de um filme inteligente, cheio de reviravoltas, com suspense e muito humor negro.

Digníssimos de nota: Louca Obsessão (1989), Arizona nunca mais (1987, os irmãos Coen rules!), Amigas para sempre(1988), Peggy Sue (1987), Questão de Classe (1983), Somos todos católicos (1985), Bom Dia, Vietnã (1987), Gêmeos - Mórbida Semelhança (1988), O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante (1989), Meu pé esquerdo (1989), O segredo do abismo (1989, excelente!), O fundo do coração (1982), os dois últimos ambos de Coppola. Apesar de serem da década de 70, tanto Taxi Driver (1976) como Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977) foram vistos e venerados por mim nos anos 80.

PS: Agradeço ao site Adoro Cinema pelas sinopses "ctrl+c" e "ctrl+v".

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 37)

2005-03-23T03:00:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"I see dead people"

Alien, o oitavo passageiro (1979): Ridley Scott aqui esconde o inimigo até o último momento, criando um clima claustrofóbico e de tensão freqüentes nessa ótima mescla de suspense e ficção científica. Sigourney Weaver é a Tenente Ripley, uma dos setes tripulantes de uma nave que está voltando para a Terra. Um dos tripulantes é atacado por uma criatura. Outro tripulante para ajudar o companheiro, quebra as regras deixando algo proibido entrar na nave. Assim tudo começa a dar errado e agora o alien está à solta dentro da nave.

Aliens, o resgate (1986): o segundo filme da franquia foi dirigido por James Cameron e deixa de lado o suspense e se torna um filme de ação de primeira. Ripley (Weaver), depois de 57 anos de sono, resolve salvar várias famílias depois que descobre que o antigo local onde tudo ocorreu com sua nave foi colonizado.

As bruxas de Eastwick (1987): dirigido pelo mesmo diretor de Mad Max (George Miller), que aqui faz uma deliciosa comédia de humor negro que conta a história de três solteironas solitárias (as beldades Michelle Pfeiffer, Cher e Susan Sarandon - Só em filme mesmo!). Entediadas com suas vidas, reúnem-se para tomar todas e para conversar sobre suas frustrações e anseios, além de pedir aos céus um homem ideal. Coincidência ou não (será que elas têm poderes e evocaram aquele homem?), surge o ricaço misterioso e sedutor Daryl Van Horne (Jack Nicholson) que se envolve com as três, satisfazendo todos seus desejos mais íntimos, o que causará um conflito entre elas. Um filme sarcástico e com ótimas atuações.

A marca da pantera (1982): Malcom McDowell aqui é irmão da Nastassja Kinski que descobre que pertence a uma raça diferente. Sua verdadeira origem é uma mistura entre o ser humano e a pantera, já que seus antepassados participavam de rituais de sacrifício tribais enquanto copulavam com panteras. Para procriarem, só poderiam ter relações entre irmãos. Para se transformarem em panteras, precisavam estar com tesão e terem relações sexuais. Para voltarem à forma humana era necessário matar alguém. Dirigido por Paul Schrader (colaborador dos melhores filmes de Scorsese), o filme pode até parecer macabro ou meio tosco, mas é um filme bem bacaninha. Schrader também dirigiu Gigolô Americano (1980) que alçou ao sucesso a carreira de Richard Gere.

Veludo azul (1986): segundo Lynch esse filme é, na verdade, uma grande história de amor. Falar sobre as obras mais pessoais de Lynch é complicado. São tantas nuances, detalhes, simbolismos que é necessário eu revisitar sua obra várias vezes. Kyle MacLachlan é um detevive iniciante que investiga traficantes de drogas (lembram-se da orelha?) e se envolve com uma misteriosa cantora de cabaré sadomasoquista (Isabela Rosselini). Todos os elementos "lynchinianos" estão presentes: visual sombrio, personagens bizarros e à beira da sociedade, tramas inquietantes, misteriosos e complexos, com várias camadas de interpretação. Uma sintonia perfeita entre direção, roteiro, elenco e trilha sonora (Angelo Badalamenti).

Homem Elefante (1980): inspirado em fatos reais, Lynch aqui conta a história de um jovem acometido pela Síndrome de Proteus que, segundo o filme, foi causada após sua mãe ser atacada por elefantes furiosos (na verdade, é uma doença hereditária caracterizada por múltiplas lesões nas glândulas linfáticas, crescimento anormal de um dos lados do corpo (hemi-hipertrofia), cabeça grande (macrocefalia) e gigantismo parcial dos pés). Largado pela família, passa a trabalhar em um circo de aberrações cujo dono o trata como um animal. Segundo a mitologia romana (tive que catar isso :P), Proteus é um deus marinho, filho de Netuno e Tétis, que tem o dom da profecia, mas para isso precisa ser acorrentado enquanto dorme, caso contrário, pode se metamorfosear em vários animais. Um médico interpretado por Antonhy Hopkins o tira do circo, começa a ajudá-lo e o coloca na sociedade. Por ser muito inteligente, sensível e educado, apesar da sua deformidade física, as pessoas se aproximam dele pra tirar proveito, para fazer auto-promoção. Uma cena muito legal do filme se passa entre Merrick (o próprio Homem Elefante) e uma atriz de teatro de quem se tornou muito amigo: "Mr. Merrick, you are not an Elephant Man at all. You're Romeo" Um filme triste, sensível, com uma fotografia em preto-e-branco perfeita e dirigido de forma impecável por David Lynch.

Dublê de corpo (1984): De Palma homenageia o mestre Hitchcock nesse filme onde um ator de filmes trash perde o emprego e é largado pela mulher e passa a morar na casa de um amigo. Começa a bisbilhotar os vizinhos através de um telescópio e acaba envolvido em um assassinato. Uma visão sobre voyerismo e a sexualidade.

Fome de viver (1983): Tony Scott dirige esse filme sobre um vampiro convertido (David Bowie), ou seja, não naturalmente vampiro e sim transformado em um, que percebe que, contrariamente ao universalmente conhecido, está envelhecendo. Preocupado, ele vai atrás de uma médica (Susan Sarandon). O filme se tornou polêmico na época por que Miriam (Deneuve) tenta seduzir a personagem de Sarandon para salvar o marido e engata um romance com a médica.

O iluminado (1980): Kubrick é foda! Um dos maiores cineastas da história do cinema. Genial, versátil, perfeccionista. Fez um clássico que nos fez refletir sobre a evolução humana e as conseqüências da tecnologia nas nossas vidas. Disseca o comportamento humano e faz uma crítica à sociedade e questiona a violência e suas razões. Por acaso sempre é necessário tê-la? Critica a guerra em Nascido para Matar, mostra a trajetória de altos e baixos de um homem em Barry Lyndon, os limites do desejo e da paixão em Lolita e outros filmes excelentes como Glória feita de sangue, Spartacus, Doutor Fantástico dentre outros. Em O Iluminado, Kubrick usa como pano de fundo uma história de fantasmas para questionarmos novamente sobre o comportamento humano e os limites da sanidade. Genética? Ou produto do meio? Kubrick usa muito bem os simbolismos e os ângulos de câmera dando-nos a sensação de estarmos em um cinema de 360º (lembram? Eu adorava!). E Jack Nicholson está super hiper mega estupendo nesse filme verdadeiramente assustador.

A mosca (1986): Cronenberg no seu estado visceral. Jeff Goldblum é um cientista que está testando uma máquina de teletransporte da matéria. Em uma das suas tentativas, acaba deixando uma mosca entrar em uma das câmeras e aí o que acontece, todo mundo já sabe... Os efeitos especiais e maquiagem são show de bola!

Atração fatal (1987): Adrian Lyne que adora o assunto infidelidade e casais no amasso (ele também é diretor de 9 ½ semanas de amor (1986), onde o casal Kim Basinger e Mickey Rourke ficam presos no quarto praticando vários jogos sensuais). Michael Douglas é um bem sucedido advogado que se envolve com uma mulher (Gleen Close) que se revela uma obssessiva doida de pedra. Apesar da história batida, o filme é bem bacana. Também é interessante conhecer o final alternativo que vem nos extras do DVD. Alex (Gleen Close) se suicida e Dan (Douglas) acaba sendo preso como se tivesse cometido o crime.

Batman (1989): muitos bateram o pé quando Tim Burton deu o papel ao Michael Keaton (Beetlejuice?!). Sinceramente não achei que ele estragou tanto o filme. Quando se transforma em Batman, o uniforme até dá bastante credibilidade; o problema é o Bruce Wayne, que apesar de sua atuação correta, não consegui ver o milionário solitário dos quadrinhos ali. Já Tim Burton deu um visual muito legal à cidade de Gotham City, bem no estilo pessoal do diretor. Jack Nicholson como Coringa está perfeito. Dos quatro filmes é, indubitavelmente, o melhor, apesar da Mulher-Gato da Michelle Pfeiffer ser sensacional. Um fato engraçado é que depois dos dois primeiros longas, o papel do Homem-Morcego passou para Val Kilmer e George Clooney e, ainda assim, o baixinho Keaton, cheio de entradas nos cabelos, se saiu bem melhor que os dois galãs.

Imagem do dia:

Amém, Mestre!

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 36)

2005-03-21T09:40:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

Marcas que não se explicam

A subjetividade impera no mundo das artes. No fórum do Cinema sem Cena foi aberto um tópico sobre subjetividade. Várias opiniões foram expostas, mas ninguém chegou a um consenso, porque até este tal consenso acaba sendo algo subjetivo de um grupo específico, entendem? Eu sou da opinião que há elementos objetivos na arte, porque se não houvesse acabaria virando um samba do crioulo doido. Se formos generalizar o significado da palavra subjetividade, filmes notoriamente ruins como Olga e Pearl Harbor seriam abonados pela desculpa da subjetividade. Ou pior, qualquer rabisco aleatório seria considerado uma obra de arte. Ao mesmo tempo em que falo que há critérios objetivos na arte, estes mesmos critérios dependem da percepção, da vivência de cada um e chegamos novamente ao ponto de partida. Por acaso, isso não seria subjetividade? E se nos aprofundarmos em filmes como Olga e Pearl Harbor veremos ótimas qualidades técnicas (fotografia, direção de arte, efeitos visuais), revelando-me que não são de todo ruins. E agora?

Esse blá blá blá desconexo acima é uma tentativa frustrada de explicar o porquê de certos gostos. Como podemos gostar de filmes, que dentro de um consenso, são considerados ruins? Cobra é tão tosco que se torna bom e engraçado e ainda tem uma legião de fãs. Culpa de quem? Da subjetividade!! Entretanto não vim falar do Cobra, mas de dois filmes que eu adoro e que a maioria desconhece ou odeia.

Não adormeça (1982)

Esse filme feito para TV fez tanto sucesso entre os fãs do gênero, que vocês podem achar em muitas locadoras. Quando fui ao cinema ver Ray, fiquei impressionada com a fila enorme para entrar na sessão de Jogos Mortais. Não digo que "impressionada" seja a expressão mais correta, melhor seria dizer que eu ratifiquei minha opinião sobre o maior atrativo de bilheteria, o que agrada mais o público: os filmes de terror e de aventura.

Não adormeça é um dos filmes que mais me assustou quando era criança e lembro que assisti no Corujão, portanto no horário mais propício para os sustos fáceis.

O filme tem foco em uma família suburbana americana com três filhos: um garotinho, Kevin, e duas garotas: Jennifer e Mary. A primeira, mais velha, morre em um acidente de carro (spoiler: ela não consegue sair do carro porque seu irmão amarra os cadarços do tênis de um pé com o outro e o carro... POOOW!!). Uma tragédia que faz com que a família se mude para outro lugar. Todavia o fantasma da garotinha retorna e aparece para sua irmã Mary. Ela diz estar muito triste e irritada, já que seus pais, sua avó e seu irmão não se lembram mais dela e que apenas Mary ainda a ama. E pra demonstrar esse amor, Jennifer pede um favorzinho para Mary (spoiler: apenas dizimar a família ingrata todinha) para que só assim possam ficar juntas pra sempre.

Podem dizer que o filme é bem "B" (e é, de fato), que as atuações são medíocres (excetuando-se a talentosa Kristin Cumming que faz a guria morta), que a história tem vários furos, mas pra mim é assustadora e muito legal. É o tipo do filme que você pergunta pra si mesmo: "Por que gostei? "Parafraseando o profeta Chicó: "Não sei, só sei que foi assim".

O ataque das formigas gigantes (1977)

Por um tempo, eu pensei (isso acontece, às vezes:P): ou todo mundo era meio doido como eu e adorava esse filme ou o SBT andava mal das pernas. Porque não dá pra entender o porquê de quase todo santo domingo reprisar o mesmo filme. E outra: eu já tenho pavor de insetos e depois de ver esse filme tive altos pesadelos com baratas (o ser mais asqueroso, horripilante e maquiavélico da face terrestre) bem crescidinhas.

Tosco até a alma e mal feito em todos os quesitos. Consta no elenco a presença de Joan Collins, rainha das soap opera e da famosa série "parecia que nunca ia acabar" Dinasty e o restante do elenco nem faço idéia da filmografia de cada um.

Até fiquei boquiaberta quando descobri que esse filme é baseado na obra homônima de H.G.Wells, escritor renomado e autor do clássico literário A Guerra dos Mundos, mas a subjetividade aqui fala mais alto... EU ADORO ESSA TOSQUEIRA. Adorava torcer pro happy end do casal canastra e adorava ver as formigas detonarem a galera.

A história é mais ou menos assim: barris cheios de produto radioativo caem no mar e são levados até à praia de uma ilha. Essa ilha pertence a uma atriz canastrona decadente (Joan Collins, numa referência explícita a Norman Desmond (Gloria Swanson) de Crepúsculo dos Deuses) e que quer vendê-la a qualquer custo. Para isso, convida prováveis compradores para uma tour na sua ilha. Contudo nem ela nem os outros visitantes imaginavam que a ilha estaria repleta de predadores enormes e insaciáveis. Quando eles pensam que se safaram das formiguitchas, mais e mais irmãzinhas aparecem. Acho que, na verdade, esse filme é uma grande homenagem aos filmes trash. Só pode... Divertidíssimo!

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 35)

2005-03-19T00:30:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

Pipoca, refrigerante e... sessão da tarde!!

Retorno ao paraíso (ou Paraíso Azul, 1982): um clone do filme A Lagoa Azul. Integrantes de uma caravana que faziam uma jornada de Bagdá para Damasco são mortos por um sheik. Apenas sobrevivem um rapaz e uma garota (Phoebe Cates) que passam a morar no oásis do deserto e se apaixonam bem no estilinho do casal de A Lagoa Azul. Mas tenho que admitir que gostei mais da cópia que o original. Pode?

Juventude em fúria (1983): é como o próprio cartaz do filme cita: "Nove anos --- gangue de rua; doze anos --- drogas; dezesseis --- roubo e assassinato". Só que o crime ocorreu acidentalmente e mesmo assim o personagem de Penn acaba preso. Tempos depois, o irmão (Esai Moralles) da vítima, líder de uma gangue rival, estupra sua namorada (Ally Sheedy) e acaba na mesma prisão que ele. Sean Penn na sua primeira grande atuação. Bom thriller sobre gangues de rua, apesar de ser muito previsível.

Dançando na TV (1985): Sarah Jessica Parker é uma garota recém-chegada na cidade de Chicago e logo fica melhor amiga da personagem meio maluquete da Helen Hunt e ambas nutrem uma grande paixão pela dança. Quando ouvem numa rádio uma notícia sobre uma competição de dança, logo querem se inscrever. Mas o grande empecilho é o pai de Janey (Sarah Jessica Parker), um coronel aposentado linha-dura, que não a deixa sair pra canto nenhum. Mesmo assim, Janey se inscreve, manda bem e é escolhida pra ficar entre as finalistas e ganha um novo parceiro (hummm!) interpretado pelo sumido guapo Lee Montgomery. Só que pra ensaiar com Jeff (Montgomery), ela tem que sair sempre às escondidas, só que já imaginam o que vai acontecer, né? Ademais, uma ex-namorada do Jeff tenta fazer de tudo pra eles não ganharem o concurso e blá blá blá... Duas coisas eu lembro muito bem: Janey com aquela roupa "disfarce" que facilmente rasga e esconde outra roupa por trás e aquela blusinha com barriga de fora do Jeff :P... Bom filme pras tardes de sábado e de domingo!

Os caça-fantasmas (1984): eu também já postei sobre esse filme hiper mega legal. Sorry!

Brincando com fogo (1986): Virginia Madsen (Sideways) é uma jovem que estuda em um colégio interno católico. O personagem de Craig Sheffer está em um acampamento de um reformatório para jovens. Os dois se encontram, ao acaso, na mata que fica cercando tanto o colégio como o reformatório. Ela é fotógrafa e está posando para si mesma como Ofélia no lago. É aí que Craig aparece, pois os rapazes do reformatório estavam fazendo alguma atividade por aquela região, e já meio que se apaixonam à primeira vista. Depois eles se reencontram num bailezinho entre os garotos do reformatório e as garotas do colégio, confirmando realmente seu amor um pelo outro. So que é praticamente impossível para os dois ficarem juntos, já que ele cumpre uma sentença no reformatório e ela tem que obedecer todas as regras da conservadora escola. Começa aquela velha história de amores impossíveis, com aventuras e perseguições e muito blá blá blá... Na trilha sonora tem Bryan Ferry, Huey Lewis and the News, Prince, dentre outros.

E.T., o extra-terrestre (1982): só pra descontrair: só coloquei essa foto do E.T. pra preencher buraco :P. Já falei muito sobre o filme.

Lucas, a inocência do primeiro amor (1986): Corey Haim é Lucas, um garoto tímido, pobre e estudioso e que é apaixonado pela personagem de Keri Green (que também atuou com Haim em Goonies), só que ela só quer sua amizade e é apaixonada pelo carismático capitão do time de futebol interpretado por Charlie Sheen. Pra chamar sua atenção, ele até entra no time de futebol, mas obviamente isso não ia dar certo e nem, ao menos, tinha idéia que sua amiguinha (Winona Ryder, bem pirralhona) era caidinha por ele.

Indiana Jones: a trilogia (Até agora... Vem aí um quarto filme, sabe Deus quando!), dirigida por Spielberg e com todo aparato da ILM de George Lucas por detrás, começa em 1981 a saga de Harrison Ford como Indiana Jones e os Caçadores da Arca Perdida. "Em 1936, o arqueólogo Indiana Jones (Harrison Ford) é contratado para encontrar a Arca da Aliança, que segundo as escrituras conteria "Os Dez Mandamentos" que Moisés trouxe do Monte Horeb. Mas como a lenda diz que o exército que a possuir será invencível, Indiana Jones terá um adversário de peso na busca pela arca perdida: o próprio Adolf Hitler". Aqui somos apresentados ao Indy (pros íntimos:P) já numa cena de tirar o fôlego com a pequena participação de Alfred Molina. Depois do primeiro ato, encontramos Indy (sem seu chicote e seu chapéu tão peculiares) no ambiente escolar com seu amigo Marcus Brody (Denholm Elliott), também grande amante de preciosidades antigas. Através desses filmes, Spielberg faz uma homenagem aos seriados americanos de aventura dos anos 30 e 40. Na companhia de sua ex-namorada, a durona Marion (Karen Allen), vai atrás da famosa Arca da Aliança que continha os Dez Mandamentos de Moisés e conferia super poderes a quem os adquirisse. Também vai contar com a ajuda de Sallah (John Rhys-Davies) e vai ter que superar seu trauma por cobras. Vale ressaltar que o filme é roteirizado por Lawrence Kasdan. Um filme empolgante que ainda se torna maior graças à soberba trilha de John Williams. Em 1984, voltamos ao universo de Jones, em Indiana Jones e O Templo da Perdição, onde "o arqueólogo Indiana Jones (Harrison Ford) tem agora que resgatar as pedras roubadas por um feiticeiro, para libertar crianças escravizadas. Para tanto, enfrenta os poderes mágicos e o fanatismo de um culto que sacrifica seres humanos". Igualmente ao anterior, já começa com uma cena muito legal, só que com muito mais humor. Jones entrega um objeto precioso e pede seu pagamento (um diamante!), mas os caras tentam enganá-lo e colocam veneno na sua bebida e só entregam o antídoto se ele devolver o diamante. Entra em cena a atrapalhada cantora Willie Scott (Kate Capshaw) que pra mim é a melhor namorada do Jones, em contrapartida à maioria dos fãs que preferem a Marion (Karen Allen). A cena em que ela tenta se livrar dos animais na floresta é muito hilária. A química entre Jones e o garoto Short Round (Ke Hui Kwan) é maravilhosa, nem nos faz sentir falta do Sallah. Em 1989, Indy volta com toda pompa em Indiana Jones e A Última Cruzada, com uma participação bem bacana do saudoso River Phoenix como o Indy adolescente, numa forma de mostrar melhor sua relação com seu pai (Sean Connery), além de mostrar a origem das características do personagem. Também estão de volta Marcus (aqui faz o elemento cômico do filme) e Sallah. Indy dessa vez não se dá nada bem no quesito "namoradas". Ademais, seu pai é seqüestrado e a única forma de salvá-lo é encontrar o Santo Graal, o cálice sagrado. Simplesmente uns dos melhores filmes de aventura da história do cinema e que contém o herói mais charmoso e carismático da sétima arte.

Alguém muito especial (1987): também citado no post sobre o fenômeno Brat Pack e cujo roteiro é de John Hughes. Típico filme de sessão da tarde que o cara passa o filme todo aboxonado por uma garotinha popular meio idiota, sem perceber que seu verdadeiro amor (oohh) sempre esteve do seu lado.

Amor sem fim (1981): Jovem casal apaixonado (Brooke Shields e Martin Hewitt) pensa mais com os hormônios que com a própria cabeça. Resolvem ter relações na casa dela. A mãe da garota descobre, mas aceita. Já o pai é totalmente contra, apesar das tentativas em vão do garoto se dar bem com a família. Acontece um acidente que acaba em tragédia e que afasta mais o casal. Bem melodrama, mas não é que eu gostava? Preciso rever pra ver se envelheceu bem. Tom Cruise também está no elenco e quem não se lembra de nada do filme, certamente se recorda da música Endless Love cantada pelo dueto formado por Lionel Ritchie e Diana Ross, não?

Dirty Dancing - Ritmo Quente (1987): uma garota vai passar as férias com os pais em um hotel e se encanta com um bailarino e acaba sendo sua parceira na dança, quando a antiga parceira do cara encontra-se grávida e faz um aborto. Esse filme foi uma dificuldade absurda para ver, já que sempre era barrada no cinema. Só acabei vendo mais de um ano depois. O filme virou uma sensação enorme nos anos 80, toda festinha tocava o vinil da primeira à última faixa. Revi no ano passado e achei os atores tão fracos, a história tão bobinha, não deveria nem ter revisto, já que quebrou a mágica que tinha em relação ao filme. Mas, de uma forma ou de outra, foi um filme marcante para mim.

Férias do barulho (1985): Johnny Depp aqui é um jovem cheio de hormônios que vai passear em um resort luxuoso na Flórida com seu amigo para se dar completamente bem, ou seja, muito beijo na boca. Quem lembra da doida morena que ficava meditando e em certo momento ela fica pelada falando: "Venha a mim..." Era bobinho, mas bem divertido.

Flashdance (1983): "o filme conta a história de Alex Owens (Jennifer Beals), uma jovem de 18 anos que trabalha como metalúrgica durante o dia e à noite é uma exótica dançarina em uma casa noturna e retrata a sua luta para realizar seu grande sonho: ser aluna no Conservatório Pittsburgh de Dança. O filme traz hits clássicos dos anos 80, incluindo as canções mais conhecidas da época como Flashdance - What A Feeling" de Irene Cara e Maniac na voz de Michael Sembello. E ainda propagou a moda de blusas de moleton rasgadas e das polainas". (Karinne Souza em Palavras ao Vento :P)

Grease - Nos tempos da brilhantina (1978): Sandy (Olivia Newton-John) e Danny (John Travolta) se conhecem nas férias de verão e têm um namorico. Ela deveria ir pra Austrália, mas acaba ficando nos E.U. e se matricula na mesma escola que Danny. O filme tenta de uma forma descontraída questionar o velho ditado que os opostos se atraem. O filme não tem intenção de aprofundar muito sobre as idas e voltas do relacionamento entre os dois, sendo legais mesmo os números musicais com cenas de dança bem bacaninhas. Filme nº 1 da maioria dos diários que circulavam pela minha sala na época escolar!

Footloose - Ritmo Louco (1984): "Um jovem (Kevin Bacon) da cidade grande se muda com sua mãe (Lee McCain) para o interior. Apaixonado por dançar, ele enfrenta sérios problemas quando o conservador reverendo local resolve considerar a dança como um grave pecado". O reverendo era interpretado por John Lithgow e o personagem do Bacon ainda acaba se apaixonando pela filha do beato.

Comentando: esse filme é uma importante peça da cultura dos anos 80, refletindo perfeitamente o temperamento e as atitudes dos jovens, assim como suas roupas e seu vocabulário.

Edward, mãos de tesoura (1990): tudo bem, esse filme pode ser de 1990, mas não tem maior cara de anos 80? O ótimo Tim Burton nos conta a fábula de uma espécie de robô (Johnny Depp) que vivia em um castelo com seu pai (o inventor, o maravilhoso Vincent Price) e na hora que iria receber seus braços, o inventor morre. Uma vendedora de produtos comésticos (a ótima Dianne Wiest) o conhece e o leva para sua casa. Apesar da estranheza inicial, vira sensação com seus dotes de jardineiro e cabeleleiro. Apaixona-se por Kim (Winona Ryder), a bela filha da vendedora. A trilha composta por Danny Elfman é muito bonita, a direção de arte e a fotografia, bem peculiares ao universo de Burton, são perfeitas. Burton adora colocar personagens excêntricos no seus filmes, fazendo-nos discutir sobre questões como aceitação, adaptação, estética x conteúdo etc... Mas, no fundo, Edward, mãos de tesoura é uma linda história de amor!

O Feitiço de Áquila (1985): "Europa, século XII. O Bispo de Áquila (John Wood) toma consciência que sua amada, a bela Isabeau (Michelle Pfeiffer), está apaixonada por Etienne Navarre (Rutger Hauer), um cavaleiro. Áquila fica possuído de raiva e ciúme e lança uma maldição sobre o casal: de dia ela sempre será um falcão e de noite Navarre toma a forma de um lobo, sendo que desta forma fica o casal impedido de se entregar um ao outro. Eles têm como único aliado Phillipe Gaston (Matthew Broderick), mais conhecido como Rato, que é o único prisioneiro que escapou das muralhas de Áquila".

Comentando: Richard Donner acerta e muito bem nesse filme que aborda o clima medieval e seu universo cheio de lendas, magias, maldições, personagens cativantes, aventuras, romance proibido e de leais amizades. Vale destacar o ótimo elenco e a competente parte técnica do filme (direção de arte, figurino e até a trilha bem moderninha para a Idade Média) e principalmente a fotografia que reverencia o nascer e o pôr-do-sol.

Amiradora secreta (1985): uma carta pode mudar a vida de uma pessoa? Quando a melhor amiga do protagonista da história toma coragem e manda uma carta dizendo que é apaixonada por ele, mas sem revelar seu nome, a carta é perdida e passa de mão em mão e gera um monte de confusão, e encontros e desencontros. Protagonizado por C. Thomas Howell, é um filme tipicamente sessão da tarde que diverte, mas sem acrescentar.

Eu, Christiane F., 13 Anos, Drogada e Prostituída (1981): adaptado do bem sucedido livro homônimo, conta a história que poderia ser de cada um de nós se entrássemos sem freios no mundo das drogas. As cenas podem até chocar os mais conservadores, mas é um filme interessante, detalhista e bem verdadeiro.

Drugstore cowboy (1989): "O diretor Gus Van Sant (Gênio Indomável) conta a história de um grupo de drogados que assaltam farmácias na intenção de sustentar o vício".

Comentando: esse filme não é apenas sobre drogas, mas é um retrato fiel da sociedade atual, que vive numa competição desenfreada e que cada vez mais aniquila as emoções nos relacionamentos e que se encaminha para sua auto-destruição. A película não tenta romancear ou julgar em momento nenhum os personagens. A perfomance de Matt é excelente, assim como vale destacar as de Kelly Lynch e Diane Lane. Dirigido por Van Sant de forma tão imparcial e real, às vezes soa como um documentário. No final do filme, um personagem sofre um acidente e é levado a um hospital. Ainda na ambulância, encontrava-se radiante pelo fato de que eles estavam o levando para o paraíso, para um lugar onde toda a química do mundo poderia estar a seu dispor. Neste momento, ele pensou: "Most people don't know how they're gonna feel from one moment to the next. But a dope fiend has a pretty good idea. All you gotta do is look at the labels on the little bottles". Fodaço, não?

O Feitiço de Áquila (1985): opa, acabei de falar lá em cima! Por sinal, essa foto é uma das cenas mais belas do filme, quando eles finalmente se vêem em forma humana.

Garota sinal verde (1985): nesse filme dirigido por Rob Reiner (Conta Comigo, Harry e Sally, Louca Obsessão), John Cusack é Gib, um garoto que sonha em ir para a Califórnia atrás da garota ideal. Seu amigo do colégio já está na Califórnia e falou que já conhece a garota certa para ele e que ela está doida para conhecê-lo. Daphne Zuniga (a Joe de Melrose!) é Alison, uma garota estudiosa que tem que ir para Califórnia encontrar seu noivo. Alison e Gib se odeiam, são os extremos opostos um do outro, mas topam pegar a estrada juntos e dividir as despesas. Nem preciso falar o que acontece no caminho para a Califórnia, né? Tem uma cena boba, mas bem divertida que era o Gib ensinando a Alison como beber cerveja mais rápido. Bem bonitinho!

Os Garotos perdidos (1987): opa, post anterior... (Perdão pela lesa que repetiu a foto de novo!)

Uma cilada para Roger Rabbit (1988): além do filme ser ótimo, eu tenho uma ótima recordação dele e do parque temático que tinha na MGM onde me perdi e acabei achando meu primeiro namorado (duhhh, que piegas!)... Dirigido com maestria por Zemeckis e produzido por Spielberg, com um roteiro enxuto que faz uma deliciosa homenagem ao filmes noir, principalmente Chinatown (1974) e cheio de inovações tecnológicas ao interagir atores de verdade com animações que foram consagradas com 3 Oscars: melhor montagem, melhor efeitos especiais e melhores efeitos sonoros. Não posso esquecer a deliciosa trilha composta por Alan Silvestri que reflete todo ar misterioso, glamourizado do cinema dos anos 40 e seus astros e personagens do universo noir.

UPDATE: Como revi o filme há pouco tempo, vou dar uma leve dissecada nele. Roger Rabbit é um famoso personagem que anda meio "depressivo" (não consegue que apareçam estrelas quando leva uma pancada na cabeça) devido as suspeitas de traição de sua venerada esposa. O filme começa com Roger atuando num dos episódios do famoso desenho "Baby Herman & Roger Rabbit" em uma nítida referência aos desenhos dos anos 40 da Warner, principalmente os realizados pelo mestre Tex Avery, responsável pelos desenhos em que uma ação gera uma reação maior ainda e que as expressões faciais são supervalorizadas (olhos esbugalhados e saltitantes, queixos caídos), palhaçadas exageradas com aumento da velocidade e mudanças do corpo que também influenciaram toda uma geração de animações. Mas aí os passarinhos na cabeça do Roger cortam a cena...

Animação x Real... Bebê Herman: um típico ator temperamental, Roger e sua depressão... Um detetive a inspecionar. Parodiando Humphrey Bogart e seus detetives cínicos nos filmes noir, o ótimo ator britânico Bob Hoskins é o detetive Eddie Valiant, alcoólatra, ranzinza, mal-humorado, devido ao trauma de ter perdido seu irmão e melhor amigo assassinado por um personagem. Antes do crime, ele e o irmão eram detetives que solucionavam todos os mistérios de Toontown e todas animações eram gratas a eles, mas após a morte de seu irmão, ele tem pavor da cidade e de seus personagens.

Quando o presidente dos estúdios Maroon o chama pra investigar se a mulher de Roger o está traindo e causando essa depressão nele, Eddie incialmente hesita, mas a grana, ou melhor, a ausência desta, fala mais alto. No maior clima noir, entra num bar clandestino privê com senha pra entrar, algo bem comum nas narrativas do gênero (a senha era "Walt me mandou", numa óbvia citação a Walt Disney), com a porta com uma abertura para os olhos e o segurança truculento que não poderia ser outro animal que um gorila (ah o ator que dubla o tal macacão é o mesmo que faz Jabba (Star Wars)). O local inicialmente soturno abre as cortinas pra um clube cheio de cores, mais notadamente o vermelho, a cor tão já declamada dos amores, paixões e devaneios. A cegueira das paixões, a ilusão e o crime. Tudo é dúbio, ambíguo. No clube, um show à parte de Donald e Patolino nos pianos, pingüins garçons, polvo barman, a sexy, graciosa e melancólica Betty Boop como garçonete e o dono da Toontown, Marvin Acme, o eterno meninão... Pára tudo!! Jessica Rabbit, uma perna, um vestido vermelho esvoaçante, brilhoso, voz sexy, passos provocantes, homens abobados e babões, Rita Hayworth, Lauren Bacall, Jane Russel, franjas "peek-a-boo" de Veronica Lake (Amy Irving faz Jessica cantar e Kathleen Turner faz ela falar). Por sinal, Jessica foi o personagem mais complexo pra ser realizado pelo pessoal dos efeitos especiais. Fotos tiradas de Jessica e do dono arrasam Roger que angustiado puxa as cortinas numa clara referência a uma cena do filme Chinatown. Toma umas, fica loucão e foge.

Outra referência clássica aos filmes noir são as palavras na porta do vidro do escritório de Eddie que são filmadas pelo lado de dentro. Nas cenas seguintes, percebemos um Eddie melancólico e saudoso pela ausência do irmão e parceiro.

Após a fuga de Roger, o poderoso dono da Toontown é encontrado morto. Todas as pistas convergem para o coelho. Na verdade, tudo era uma trama do dono dos estúdios Maroon que aliciou Jessica com ameaças de demissão de Roger para que ela montasse uma cena de "traição" e que isso fizesse com que Acme fosse obrigado a ceder seu império, tornando os estúdios Maroon e Toontown um só.

No local onde foi cometido o crime, surge o Juiz Doom (Christopher Lloyd) que só pelo seu visual já mete medo. E aquele sopão que ele criou pra destruir os personagens parece realmente assustador. E os fuinhas que morrem literalmente de tanto rir não lembram gangsters atrofiados que obedecem cegamente ao big boss?

Os roteiristas criaram um subplot paralelo que motivasse o vilão, um esquema do juiz Doom para acabar com o sistema de trânsito de Los Angeles. Homenageia o famoso carro vermelho que percorria toda L.A. (não sei se sou eu que sou nostálgica, mas esses carros antigos, bondes, trens dão uma beleza maior a qualquer cidade. Um ar sofisticado tão diferente do que vemos hoje em dia) e através dele a película faz uma sátira à corrupção existente entre algumas corporações americanas. Segundo as notas do filme, essas tais corporações colaboravam para o uso de companhias falsas como fachadas para privatizar o sistema nacional de carros de rua e tirá-los de circulação, o que criou uma forte dependência no sistema de automóveis que consomem mais petróleo e produtos de borracha e conseqüentemente dando um fim no antigo sistema de transporte.

Eddie descobre que Acme deixou um testamento, só que este sumiu. Roger vai atrás de Eddie e jura inocência. Uma das cenas mais hilárias é quando os dois estão presos na mesma algema e quando ele imita a feição quadrada de Dick Tracy e outra é quando o juiz Doom dá umas batidinhas na parede que enlouquecem o pobre coelho.

O filme mudou as regras como dirigir filmes que combinam animação com atores graças ao excepcional trabalho do diretor de animação Richard Williams. Os figurinos e a montagem também são excelentes.

Uma cena que achei bem bacana e sutil é quando a Jessica vai atrás do Eddie e tenta lhe mostrar que não está envolvida no crime, mas que sua sensualidade inserida pelos desenhistas não ajudam muito e que ela não tem culpa disso e, de certa forma, até sofre por isso, já que perdeu o marido amado.

Tenho que destacar o personagem Benny, um simpático táxi que ajuda Roger e Eddie. Por sinal, a cena da perseguição nas ruas é ótima. Outra cena bacana, anterior a esta, que vale a pena ser citada é a da luta do bar.

De pista em pista, Eddie descobre que o sistema de transportes foi comprado pelos estúdios Maroon. Mas antes do presidente lhe revelar a verdade, é assassinado. Tudo culmina em Toontown, onde todos os personagens reais e imaginários irão se confrontar. Por sinal, esse último ato é sensacional, cheio de efeitos especiais, com as animações e atores numa simbiose perfeita (Spoiler: há uma citação a Mágico de Oz, descubram!)

O filme homenageia vários personagens tanto da Disney como da Warner (na verdade, foi feito um acordo pra ambos dividirem o mesmo tempo na tela) tais como alguns personagens do clássico maior da Disney - Fantasia (a bailarina do balé Ostra, Mademoiselle Upanova, as vassouras do maravilhoso segmento "Aprendiz de Feiticeiro" (eu tenho o Mickey Feiticeiro :P), Yyacinth Hippo, a graciosa hipopótomo bailarina no segmento Dance of the Hours); Dumbo; Brutamontes Maléficos da A Bela Adormecida; Brer Bear; Koko, o Palhaço; Feischer; Branca de Neve e os Sete Anões; Os Três Porquinhos e o Lobo Mau; Pinóquio; Grilo Falante; Peter Pan; Sininho; Pateta; Mickey; Minney; Pernalonga, Piu Piu e Frajola; Chapeuzinho Vermelho; Gaguinho; Eufrasino Puxa-briga; Mickey's Orphans, Chicken Little; Wynken; Blynken; Nod; Cupids; Baby Pegasus (Fantasia); Ground Hogs; Peter Pig; Coelhinhas; Ferdinando, o Touro; Danny; Jenny Wren; Violinista, Flautista, Elmer Elephant; The Merry Dwarfs; O Relutante Dragão; Velha Bruxa; Sapo Tadeu; Sir Giles; Droopy; ás árvores se abraçando do desenho "Flowers and trees"; o primeiro desenho colorido Silly Symphony da Walt Disney (1932); Peter; Animais; Casal de Árvores; Bambi; Pluto; Dunga; Papa Léguas; Cyril; Cavalo do Sr. Toad; Zé Carioca; Harpa Cantante; Pica-pau; Monty (Pelicano); Marc Antony (buldog); Marvin o Marciano; Foghorn Leghorn; Ligeirinho etc.

Nos extras do DVD, além da opção de ver o filme com os comentários e de um curto making off, há um joguinho e três curtas protagonizados por Roger e Bebê Herman. Se algum lesado ainda não assistiu, não perca esse delicioso "cartoon noir"!!!

De volta para o futuro (1985): já postei sobre esse filme que ainda vai estar na minha estante, tanto ele como os outros dois da trilogia.

Vidas sem rumo (1983): como já disse em um post anterior, o filme que aglomera mais homem bonito da história do cinema, um elenco de desconhecidos que se tornariam astros por um breve tempo ou mesmo até hoje como Tom Cruise.

"Em um subúrbio da pequena cidade de Tulsa, Oklahoma, Ponyboy Curtis (C. Thomas Howell) é o caçula de uma turma, formada ainda por Darrel Curtis (Patrick Swayze) e Sodapop Curtis (Rob Lowe). Os três órfãos tentam sobreviver onde tudo se restringe a "mexicanos pobres" e "ricaços". A trinca descende de mexicanos, amarga empregos em postos de gasolina e sofre com a perseguição da polícia. Também fazem parte da gangue Dallas Winston (Matt Dillon) e Johnny Cade (Ralph Macchio), ainda um projeto de marginal. Eles tentam vencer e amadurecer enfrentando os ricos, mas nem tudo acontece como eles planejam. Os acontecimentos são vistos pela ótica Ponyboy, que gosta de poesia e "... E o Vento Levou".

Mais um belíssimo filme dirigido por Coppola adaptado da obra de Susan E. Hinton que retrata muito bem as pessoas que andam à margem da sociedade, sejam latinos ou descendentes destes ou pobres e também versa sobre lealdade e amizades. Cada momento do filme nos faz refletir. É perturbador, sensível, profundo, com uma fotografia impecável e consegue aliar uma boa história, com uma ótima direção e elenco.

Air America - Loucos pelo perigo (1990): Opa, falha nossa (ok, minha :P), eu coloquei na cabeça quando peguei a foto que esse filme era dos anos 80, mas é de 1990, dêem-me um refresco. Falando do filme, ele nos conta a história de dois pilotos de uma companhia aérea no Laos na época da Guerra do Vietnã cujo objetivo é distribuir alimentos ou transportar soldados. Entretanto eles acabam descobrindo que também estão transportando ópio e heroína. Um filme bacaninha, divertido e com uma boa química entre Gibson e Robert Downey Jr.

Curtindo a vida adoidado (1986): Como já falei sobre esse filme em que um garoto manda a escola à merda, só reitero uma coisa: Ferris ruleia!!

Dignos de nota: A Princesa Prometida (1987), A incrível máquina do crescimento (1988), O menino que sabia voar (1986), Atração Mortal (1989), Elvira, A Rainha das Trevas (1988), Ruas de Fogo (1984), A Dama de Vermelho (1984), Uma Secretária do Futuro (1988), O Enigma da pirâmide (1985) , Metido em encrencas (1988), A lenda (1985), A morte pede carona (1986) etc.

PS: Agradeço ao site Adoro Cinema pelas sinopses gentilmente roubadas. E só faltam mais 5 posts!!!

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 34)

2005-03-17T07:30:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

Pipoca, refrigerante e... sessão da tarde!!

Vocês sabiam que o programa global começou a ser apresentado em 1975? E que se iniciava às 14 horas pontualmente? Os filmes exibidos geralmente são despretensiosos, leves e são reprises da programação do canal. Qual será o motivo pra colocar filmes no início da tarde? Será que eles já ligavam para audiência em 1975? Ou era mesmo uma forma de atrair as crianças e os jovens que não tinham muita alternativa pra o que ver na TV nesse horário?

Os garotos perdidos (1987): é como eu já disse: quando o tio Schummy acerta, acerta em cheio! Vampiros pops ruleiam! Uma das queridinhas de Woody Allen, Dianne Wiest, é a mãe de dois garotos (Corey Haim (o mesmo de vários filmes adolescentes dos anos 80 e que também fez Bala de Prata (1985)) e Jason Patric) que se mudam de casa e passam a morar em outra cidade. Conhecem uma gangue de motoqueiros mal encarados e Michael (Jason Patric), o filho mais velho, começa a circular com eles. Todavia Sam (Haim), seu irmão mais novo, começa a desconfiar que seu irmão está muito estranho e com ajuda de dois amigos hilários (um deles é Corey Feldman (o Bocão dos Gonnies, tabém parceiro de Corey Haim em outros filmes) para investigar aquela gangue liderada por David (nosso querido "Jack Bauer" Kiefer Sutherland) e descobre que, na verdade, são todos vampiros. Só que seu irmão, agora vampirinho, se apaixona pela Star (Jami Gertz). Após essa descoberta, Sam (Haim) promete fazer de tudo para matar a vampirada e salvar seu irmão. O filme deu uma guinada no gênero ao inserir elementos pop e torná-lo, ao mesmo tempo, uma aventura divertida de primeira, sem deixar de ser assustador. A trilha é bem caprichada e traz bandas como INXS e até covers de Elton John, mas a grande canção que se encaixa perfeitamente no espírito do filme é o hit People are Strange do The Doors na voz da banda Echo & The Bunnymen.

"People are strange, when you're a stranger
Faces look ugly when you're alone
People seem wicked, when you're unwanted
Streets are uneven, when you're down

When you're strange- faces come out of the rain (rain, rain)
When you're strange- no one remembers your name
When you're strange, when you're strange, when you're strange"

Negócio arriscado (1983): Tom Cruise de camisa, meias e cueca, na sala da sua casa, dançando e rebolando \o/\o/\o/\o/\o/. Quem nunca teve vontade de fazer uma festa em casa quando os pais estão ausentes? Joel (Cruise) contrata uma prostituta (Rebbeca De Mornay) para curtir a noite. No dia seguinte, ela vai embora, mas leva consigo um objeto muito querido da mãe de Joel. Desesperado, ele tenta achá-la de qualquer jeito a fim de recuperar esse objeto antes que seus pais voltem e o matem. Entretanto quando ele acha a prostituta, acaba se metendo numa enrascada maior ainda: além de se envolver entre Lana (De Mornay) e o seu cafetão, acaba destruindo o porsche de seu pai. Agora mais do que nunca, ele precisa de muita grana para o conserto do carro. Todavia Lana propõe ajudá-lo com uma proposta não muito agradável: transformar sua casa em um bordel!! Cruise também protagonizou o bonitinho e divertido Cocktail (1988) onde vive um barman e tem um relacionamento amoroso com a personagem de Elizabeth Shue.

Procura-se Susan desesperadamente (1985):"Em Nova York, Roberta Glass (Rosanna Arquette), uma dona de casa entediada, suspeita, que Gary Glass (Mark Blum), seu marido que é um vendedor de banheiras, a está enganando. Ansiando por um romance, Roberta começa a seguir mensagens colocadas nos classificados em que um casal, Susan (Madonna) e Jim (Robert Joy), usam para se localizar quando viajam pelo país. Paralelamente alguém que Susan tinha se envolvido em Atlantic City foi jogado pela janela, quando Susan já o tinha deixado para ir a Nova York se encontrar com Jim. Chegando ao próximo encontro de Susan, Roberta desenvolve uma fascinação pelo jeito extremamente liberal dela e acaba comprando em um brechó uma jaqueta que Susan tinha trocado por botas. Pretendendo se apresentar no encontro seguinte, Roberta bate com a cabeça em um poste quando tentava escapar do assédio ameaçador de Wayne Nolan (Will Patton), que a confunde com Susan. Wayne está tentando localizá-la por causa de um valioso roubo de brincos, enquanto que a verdadeira Susan era presa por não pagar o taxi. Como Jim não pôde ir ao encontro de Susan pede que Dez (Aidan Quinn), um amigo, vá em seu lugar. Como ele não conhece Susan e sua referência é apenas o casaco, Dez também pensa que Roberta é Susan. Ao se recuperar da pancada Roberta desenvolve uma amnésia e a evidência circunstancial, a jaqueta, a convence de que ela é Susan. Dez tenta ajudar "Susan" e os dois se apaixonam, mas a vida dele se torna uma sucessão de problemas. Paralelamente Gary e Susan se conhecem e tentam desvendar o que está acontecendo, mas as informações chegam truncadas de tal forma que se suspeita que Roberta tenha uma vida secreta, na qual seria uma pessoa bem diferente".

Comentando: melhor filme da Madonna que também fez a comédia Quem é essa garota? (1987) que tem a honra de ser o primeiro filme que vi com uma pessoa sem ser meu parente ou minha babá (sim, eu tive babá:P). Despretensioso, divertido e muito bonitinho. Lembro que torcia muito pro casal formado por Aidan Quinn e Rosanna Arquette.

Quase igual aos outros (1985): uma jornalista se disfarça de homem em uma escola para fazer sua matéria. É óbvio que uma garota boba e fútil vai se apaixonar por ela que, por sua vez, cai de amores pelo seu melhor amigo. Totalmente sessão da tarde. Uma cena que é muito hilária é quando a jornalista revela pro seu amado que é uma garota e mostra seus seios e o "abestado" pergunta se ela colocou próteses... Homens!!

O rei da paquera (1987): A musa dos anos 80 Molly Ringwald é o objeto de desejo do mulherengo interpretado por Robert Downey Jr. Depois de cantar e dar uns amassos na maioria das mulheres, ele realmente gama pela ruivinha. Enquanto o filme se foca no relacionamento dos dois é até bacaninha, mas fica bastante chato quando quer dar uma atenção ao pai da personagem de Molly (Dennis Hopper), um bêbado endividado por causa do vício no jogo, que faz a filha ralar pra arranjar grana pra quitar suas dívidas. Filminho insosso! Downey dá um show de atuação juntamente com Andrew McCarthy e Jami Gertz em outro sucesso dos anos 80: Abaixo de zero (1987) que é baseado na obra de Bret Easton Ellis, autor dos romances O Psicopata Americano e Regras da Atração. E quem iria imaginar que a ficção tornar-se-ia realidade?

Pra sempre na memória (1988): Como lidar com a perda? E ainda mais se ela surgir na fase conturbada da adolescência? O filme relata um grupo de jovens em um colégio que têm que lidar com a perda de um dos garotos mais queridos e populares que cometeu suicídio. Um filme sensível que me fez chorar bastante, principalmente quanto cantam aquela música que homenageia o rapaz morto. Keanu Reeves que faz o melhor amigo do carinha popular que se mata também fez um drama familiar dirigido por Ron Howard que fez muito sucesso nos 80. Parenthood - um tiro que saiu pela culatra (1989, que subtítulo medonho!) contava com um ótimo e big elenco dos quais destaco: Steve Martin, Dianne Wiest, o próprio Keanu, Martha Plimpton (de Goonies), Mary Steenburgen, o ótimo Jason Robards, Rick Moranis e "Wolfgang" Tom Hulce. O filme aborda sobre questões familiares, tais como educação dos filhos, como conciliar a profissão com a família, mas sempre mantendo o bom humor.

A primeira transa de Johanthan (1985): um garoto tímido e atrapalhado pede ajuda a um amigo popular e extrovertido para conquistar a garota dos seus sonhos. O filme é bem divertido, bem sessão da tarde. Sexo por sexo, também tem Johnny Bom de Transa (1988), filme fraquinho estrelado pelo Brat Packer Anthony Michael Hall e com Uma Thurman antes da maioridade.

Namorada de aluguel (1987): um garoto nerd (Patrick Dempsey) empresta uma grana para a patricinha mais popular da escola que, em troca, se passaria por sua namorada. Contudo, é óbvio que eles vão se apaixonar. Apesar do roteiro bem previsível e de ser meio bobinho, é bem "assistível" e até bonitinho.

PS: Agradeço novamente ao site Adoro cinema pelos único momento sem inspiração neste post e ctrl+c e ctrl+v nele!

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 33)

2005-03-15T00:03:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

Pipoca, refrigerante e... sessão da tarde!!

Apertem os cintos... O piloto sumiu (1980): "Um ex-piloto traumatizado é obrigado a assumir o controle de um avião quando a tripulação fica inutilizada devido à comida contaminada".

Comentando: filme hilário que faz uma paródia aos arrasta-quarteirões, principalmente aos filmes sobre desastre de avião. Besteirol dos bons!

Corra que a polícia vem aí (1988): Leslie Nielsen é o tira Frank Debrin, um cara bastante atrapalhado que sempre se mete em alguma confusão. Altamente non sense e hilariante, uma ótima paródia aos filmes de espionagem. Quem dirige é David Zucker, também responsável por Top Gang.

Os irmãos cara de pau (1980): "Após deixar a cadeia Jake (John Belushi) reencontra seu irmão Elwood (Dan Aykroyd) e juntos vão para o orfanato onde foram criados. Lá eles descobrem que o local será fechado se uma dívida de US$ 5 mil com a prefeitura não for paga. Como a freira (Kathleen Freeman) que dirige o orfanato não aceita de forma alguma dinheiro ganho desonestamente, Jake e Elwood decidem por retomar a The Blues Brothers Band, na intenção de realizar um grande show e arrecadar a quantia necessária para pagar a dívida".

Comentando: Ótimas atuações de Dan Aykroyd e do falecido John Belushi. Esse filme dirigido por John Landis é divertidíssimo, bem non sense, com ótimos diálogos cheios de sátiras aos filmes policiais e ainda tem uma trilha muito bacana com Ray Charles, Aretha Franklin, James Brown e tudo de bom que tem no blues etc.

Os fantasmas se divertem (1988): "Trouble by the living? Is death the problem and not the solution? Unhappy with eternity? Having difficulty adjusting? Call Bettlejuice, Bettlejuice, Bettlejuice". Dirigido por Tim Burton e com a habitual parceria com Danny Elfman na trilha sonora, essa ótima comédia bem à Tim Burton nos conta a história de um casal de fantasmas (Alec Baldwin e Geena Davis) que quer afastar uma nova família que compra sua casa e para isso contam com a ajuda inesperada da filha gótica do casal (Winona Ryder) que pode vê-los. Ainda pedem ajuda a um fantasma mais experiente para expulsar os novos moradores, mas Bettlejuice (Michael Keaton), mais atrapalha que ajuda. Michael Keaton, por sinal, é o nome do filme. Arrasa como um fantasma birrento, nem um pouquinho preocupado com a aparência. Lembram aquela cena final que ele tenta enganar o outro cara da fila e aquele pozinho que encolhe sua cabeça? Muito divertido!!

Loucademia de polícia (1984): Quem nunca assistiu as peripécias do cadete Mahoney (Steve Guttenberg), Jones (Michael Winslow) contra o capitão Harris (G.W. Bailey)? Lembram o capitão severo que nunca acreditou no potencial das jovens promessas, fazendo de tudo para tirá-los da academia? Apesar de se meterem sempre em encrencas, conseguiam escapar delas e ainda prendiam os bandidos. Exemplo clássico de humor pastelão, que apesar de eficaz no primeiro longa (o que gerou a extensa e rentável série), o excesso de repetições nos outros filmes deixou um rastro de desgaste evidente, decaindo a qualidade que já era discutível desde o primeiro.

De volta as aulas (1986): um milionário (Rodney Dangerfiel, que faleceu ano passado) entra novamente na faculdade para estimular seu filho que quer desistir. Tem seus momentos inspirados, mas na média é razoável.

Viagem insólita (1987): um piloto (Dennis Quaid) resolve trabalhar numa experiência médica onde é reduzido de tamanho dentro de um submarino e injetado em animais para prováveis inovações cirúrgicas no futuro. E após o cientista ser assassinado por um grupo que queria a fórmula da experiência, acaba sendo injetado em um cara totalmente hipocondríaco(Martin Short). Dirigido por Joe Dante (Gremlins) e que, além de Quaid e Short, tinha Meg Ryan no elenco. Bem humorado, ágil, elenco nota 10 e ótimos diálogos. As cenas dentro do corpo humano são muito legais, tanto é verdade que o filme abocanhou o Oscar de melhores efeitos especiais.

Uma noite de aventuras (1987): uma garota (Elisabeth Shue) aceita trabalhar como babysitter de três crianças. Enquanto cuida dos pirralhos, uma amiga liga pra ela e diz que está perdida na rodoviária. Acaba saindo atrás dela com as crianças e vai ter uma noite incomum. Primeiro filme de Chris Columbus, cheio de aventura, personagens carismáticos e muita diversão.

Um príncipe em Nova York (1988): "Akeem (Eddie Murphy), príncipe herdeiro de Zamunda, África, se rebela contra o casamento arranjando por seu pai, o rei Jaffe Joffer (James Earl Jones), que concorda que o filho viaje por 40 dias. Assim Akeem vai para Nova York, se passando por um pobre estudante para encontrar uma noiva que não o ame por sua posição. Vai trabalhar em uma lanchonete e sente-se atraído por Lisa (Shari Hadley), a filha do seu patrão, Cleo McDowell (John Amos), que é interesseiro e atrapalha o romance, pois quer um bom partido para a filha, sem imaginar quem é na verdade seu funcionário. Akeem viajou com Semmi (Arsenio Hall), seu melhor amigo, que não gosta de se passar por pobre e faz gastos e toma atitudes que podem revelar a identidade de Akeem".

Comentando: eu nunca fui muito fã desse filme, muitos o acham divertido e tal, mas eu tiro uma piada ou outra que são bacaninhas. Pra mim, um filme que não envelheceu bem.

Digam o que quiserem (1989): esse filme é muito bonitinho. Típico filme que você sai da sala de cinema com um sorriso abestalhado, com vontade de beijar toda pessoa que passa pela sua frente (garotos, obviamente!). Primeiro longa dirigido por Cameron Crowe (Vida de Solteiro, Quase Famosos) que nos mostra o outro lado da moeda. Enquanto a maioria dos filmes do gênero mostram a garota mais popular da escola como antipática, fútil, aqui temos uma versão delas personificada pela Diane Court (Ione Skye), uma garota super inteligente, bonita, mas que não tem amigos por ter uma imagem um tanto inatíngivel. Eis que surge Lloyd Dobler (John Cusack), um garoto sensível, dedicado e apaixonante. Segundo o próprio ator (que foi bem elogiado por sua perfomance), é o personagem que mais se assemelha a ele. Obviamente que tem uma terceira pessoa, que aqui é o pai perfeccionista de Diane. A vida inteira, ela foi a garotinha do papai. A melhor aluna, a melhor companheira nos momentos de lazer, sua melhor amiga. Seu pai sempre foi o condutor da sua vida.

Quando você acha que a história se desenrolará na famosa "punhetagem" que estamos acostumados nos filmes adolescentes, Crowe desenvolve a história de uma forma super real, séria e adulta. Diane tem todas as características de personalidade obsessivo-compulsiva que ainda é estimulada pelo seu pai e que vê em Lloyd um empecilho para o futuro da filha.

Uma cena que lembro muito é quando Cusack segura um micro system e o levanta enquanto toca a canção In Your Eyes do Peter Gabriel. Segundo Roger Ebert: "Say Anything is one of those rare films that has something to teach us about life. It's doesn't have a "lesson" or a "message", but it observes its moral choices so carefully that it helps so carefully that it helps us see our own. That such intelligence could be contained in a movie that is simultaneously so funny and so entertaining is some kind of miracle". Um filme que conseguiu ser romântico, mas sem cair na pieguice, sem ser meloso e ainda é deliciosamente engraçado.

Tuff Turf - O Rebelde (1985): esse filme me remete há algum dia de um mês qualquer de 1988, eu era 5ª série... Poxa, estar nessa série era sinônimo de ser adulto, saem as saias e entram as calças jeans, saem as merendeiras, saem as tias e os tios "fulanos", entram os professores para cada matéria e intervalos entre as aulas e não o famoso recreio das antigas. E esse filme foi um dos primeiros filmes que peguei sozinha na locadora. Vocês devem estar achando esse texto meio non sense, mas posso explicar melhor. Antes de entrar no ginásio, não podia atravessar uma rua sozinha que minha mãe não deixava e quando comecei a 5ª série, passei a ter mais liberdade para sair. Tuff Turf foi um dos primeiros filmes que me fez sair sozinha e uma coisa lembro muito bem: estava vendo o filme e minha mãe entra no quarto e logo na hora que eles estão fazendo sabe... Aquilo!! E minha mãe me pega... Nem era nada demais, mas minha mãe é minha mãe, uma cantora de ópera amadora! Aí dei um fast foward e ela liberou... Mas só foi ela sair, que o rew do vídeo foi acionado:P... Falando do filme, James Spader é um garoto novo numa cidade que vai logo se apaixonar pela namorada do chefe de uma gangue de delinqüentes. Já imaginam no que dá, né? Bem clichêzinho, mas eu gostei na época.

Um peixe chamado Wanda (1988): "Comédia hilariante sobre um roubo envolvendo a alta classe britânica e a classe de ladrões americanos. John Cleese é Archie Leach, um típico advogado britânico que entra numa enroscada quando se envolve com Wanda (Jamie Lee Curtis) uma linda americana chegada em namoricos, interessada em línguas estrangeiras e obcecada por dinheiro. Com o intuito de seduzir Archie para descobrir o esconderijo das jóias roubadas por um de seus clientes, Wanda está pronta para agir. Infelizmente para ambos, o namorado e parceiro da moça (Kevin Kline) também está pronto para agir, mas contra Archie! Quem ficará com as jóias? Quem ficará com Wanda? Fica aqui o suspense, mas uma coisa é certa, "Um Peixe Chamado Wanda" é um filme que com certeza vai fisgar você!" (2001 Vídeo) Putz, esse vai fisgar você foi péssimo, tsc tsc tsc...

Comentando: comédia no maior estilo do humor over do grupo britânico Monty Pyton, inclusive contando no elenco com John Cleese e Michael Palin, ex-integrantes do grupo. Ótimas atuações e um roteiro inteligente escrito pelo próprio Cleese.

Crocodilo Dundee 1 e 2 (1986/1988): meu pai era fã do Dundee e por isso acabei vendo esse filme trocentas vezes. O ator australiano Paul Hogan é um guia de sáfaris na Austrália, beberrão, turrão, que caça crocodilos com as próprias mãos. Certo dia, conhece uma jornalista americana e se apaixonam. Ela resolve levá-lo pra Nova York. Aí começa um monte de situações hilárias de um caipira na cidade grande. No segundo filme, ele volta pra sua terra natal pra escapar de uma gangue da máfia em NY. Até achava engraçado o Dundee, mas quando revi nas sessões da tarde da vida, vi que era muito fraquinho. Ainda tem uma continuação Crocodilo Dundee em Hollywod (2001) que é ruim de doer.

O corcel negro (1979): "O seu turbulento início em um mar revolto por uma tempestade até o final na inesquecível corrida de cavalos, O Corcel Negro é um marco do cinema moderno. Uma das produções mais conceituadas de 1979, esta é uma "experiência maravilhosa para adultos e crianças" (Roger Ebert). Quando um naufrágio deixa Alec (Kelly Reno) - um corajoso garotinho - e "O Negro" - um selvagem garanhão árabe - perdidos em uma ilha desolada, os dois vêem crescer uma amizade especial entre eles. Quando são resgatados, Alex e seu magnífico cavalo continuam suas aventuras quando unem forças com o ex-jockey e treinador de cavalos, Henry Dailey (Mickey Rooney). Percebendo a combinação vencedora do espírito indomável de Negro com a devoção inabalável de Alex por seu amigo, Dailey assume ambos como seus protegidos, e os prepara para disputar cabeça a cabeça com os melhores puros sangues na "corrida do século"". (2001 Vídeo)

Comentando: Putz, eu me lembro de pouquíssima coisa desse filme. Assisti a ele bem pirralha, mas recordo que tinha um ritmo meio lento, apesar de ter gostado bastante. O cavalo era lindo! E se Ebert fala, eu assino embaixo (bem, salvo raras exceções!).

Splash, uma sereia na minha vida (1984): um dos primeiros filmes do Ron Howard (Apollo 13, Uma Mente Brilhante). Uma divertida comédia romântica onde Tom Hanks literalmente se apaixona por uma sereia interpretada por Daryl Hannah que o salva de se afogar. A química entre os atores é muito bacana. Típico filme que pode não te acrescentar em nada, mas te deixa com um sorriso de ponta a ponta.

Howard, o super-herói (1986): esse filme produzido por George Lucas é uma divertida comédia de ficção científica que não foi muito bem recebida pelo público, digo, foi um fiasco. Howard é um pato que está lendo, bem, vendo uma Playboy para patos sentado na sua cadeira em seu planeta e que acaba caindo na Terra (Não lembro como... Sei que era um tipo de experimento. Seria a própria cadeira o tal experimento?). Conhece uma garota chamada Beverly (Lea Thompson), líder de uma banda de rock, que vai tentar proteger o pato de um estranho cientista e de um horripilante monstro extraterrestre que querem pegá-lo e conquistar a Terra. Podem me detonar, mas eu gostei do filme :P...

Os caça-fantasmas (1984): "Um grupo de parapsicólogos desempregados decide se unir para formar os Caça-Fantasmas, que têm como grande missão livrar Nova York de um ataque de fantasmas, monstros e outras criaturas do além".

Comentando: Egon (Harold Hamis), Peter (Bill Murray), Raymond (Dan Aykroyd), Winston (Ernie Hudson)- Who you gonna call? GHOSTBUSTERS! Blockbusters dos bons, com muita ação, personagens divertidos e carismáticos, aquele boneco de neve fantasma gigante e o hilário Geléia. Ainda tinha a Sigourney Weaver que fazia par romântico com o Bill Murray e o Rick Moranis que fazia um atrapalhado pra variar. A trilha sonora também é muito boa e é orquestrada pelo mestre Elmer Bernstein.

Mad Max: A trilogia começou em 1979 com Mad Max, seguindo-se com Mad Max 2 - A Caçada Continua (1981) e Mad Max 3 - Além da cúpula do trovão (1985). Mad Max é um policial que tenta acabar com as gangues de motoqueiros que aterrorizam as estradas. Após uma perseguição, acaba matando um motoqueiro e o resto da gangue se vinga matando sua família. A cena do bebê é foda! O cara vira um justiceiro amargurado e impiedoso. Um bom filme de ação, com cenas de perseguição muito legais. Já no segundo filme, apesar de manter a qualidade nas cenas de ação, dá um foco interessante para o mundo pós-guerra que vive numa escassez de petróleo. No terceiro filme, acaba-se a civilização e todos passam a morar no deserto e voltam ao arcaismo das antigas civilizações. Vê-se obrigado a lutar numa arena pela governante da cidade (a popstar Tina Turner) e após derrotar o inimigo, recusa-se a matá-lo, sendo banido da cidade e largado sozinho no deserto. Pra mim, é o mais fraco dos três filmes. É desse filme a música cláássica: "We don't need another hero..."

Tudo por uma esmeralda (1984): já postei sobre esse filme, mas vale a pena repetir que é uma aventura bem divertida e despretensiosa com um quê de Indiana Jones. Douglas e Turner trabalharam juntos também na continuação desse filme, A Jóia do Nilo (1985) e em A Guerra dos Roses (1989).

The Wall (1982): Como eu não lembro quase nada do filme, só me recordo de que gostei e que achei meio psicodélico. Resolvi postar uma resenha interessante que achei perdida pela net. Infelizmente perdi o link do site :(

"O filme conta a história de um rapaz chamado "Pink" que perdeu o pai na 2ª Guerra Mundial quando tinha pouca idade, tendo por consequência desenvolvido uma relação muito estreita com a sua mãe. Abusado na escola, com poucos amigos, cresceu e tornou-se numa estrela de rock, casou com uma atraente acompanhante do grupo. No entanto a sua vida é completamente vazia e após a sua mulher o ter traído tenta o suicídio. Depois disso, torna-se um líder de um grupo Neo-Nazi, após o que sofre um total esgotamento emocional.

O filme tem muito poucos diálogos, a maior parte sem consequências. A história é contada através da trilha sonora, a qual reflete os pensamentos de "Pink". Segmentos animados por Gerald Scarfe e várias outras sequências surreais intercaladas com a ação.

O filme gira fortemente à volta de material autobiográfico de Roger Waters e Syd Barrett, combinando a infância de Waters (que perdeu o pai na 2ª Guerra Mundial) com a retirada de Barrett e seu esgotamento mental.

Roger Waters disse na Rádio Australiana em 1988 que estava um pouco desapontado porque não conseguia sentir nenhuma simpatia com o principal personagem representado por Bob Geldof. Que a sua investida contra os sentidos era de tal forma imperdoável que não lhe tinha dado hipótese de se envolver".

Trocando as bolas (1983): dois milionários resolvem ser Deus e manipulam a vida de duas pessoas. Apostam que podem transformar um milionário em um mendigo e este em um milionário. Comédia divertida estrelada por Dan Aykroyd e Eddie Murphy, mas que eu enchi o saco de tanto ver.

Top Secret! (1984): Val Kilmer aqui é um cantor americano que vai tocar na Alemanha. Lá é seqüestrado por um grupo de nazistas e acaba se envolvendo na luta dos resistentes franceses. Uma sátira altamente non-sense aos filmes de guerra e também aos musicais de Elvis Presley. Hilário é pouco!

O garoto do futuro (1985): um adolescente tímido que não faz sucesso com as garotas transforma-se, em uma bela noite de lua cheia, em um lobisomem e torna-se ídolo do time de basquete e cheio de gurias ao redor. O filme pegou a onda de sucesso do próprio Michael J. Fox em De volta para o futuro. Facilmente esquecível! Michael também fez outro filme de sucesso: O segredo do meu sucesso (1987), o qual achei bem chatinho.

Um dia a casa cai (1986): "Jovem casal ao comprar uma mansão descobre gradativamente que nada funciona, com uma reforma geral sendo necessária para se poder viver lá. Entretanto, eles gastaram tudo que tinham para adquirí-la e o orçamento para deixá-la habitável é extremamente caro. Eles decidem fazer qualquer coisa para alcançar este objetivo, mas no entanto se envolvem em diversas confusões".

Comentando: é divertidinho e só!

Dignos de nota: Os Safados (1988) de Frank Oz que conta no elenco com os ótimos Michael Caine e Steve Martin. Ambos são dois picaretas mulherengos que tentam pregar peça em mulheres ricas e se conhecem quando descobrem que estão cortejando a mesma mulher. Depois de muitas briguinhas hilárias, resolvem fazer uma aposta. Outro filme que também passou várias vezes na Sessão da Tarde foi Curso de Verão (1987) com Mark Harmon e Kirstie Alley que conta a história de um grupo de alunos que, para não serem reprovados, precisam fazer um curso de verão dado pelo professor de ginástica que não gostaria de estar lá mais que nenhum deles. Há uma série de piadas e situações hilárias, como a seqüência em que os alunos se fantasiam de mortos vivos e quando dois coelhinhos "devoram" as bochechas de dois deles. Ademais tinha o garoto que passou o curso todo no banheiro e que, mesmo assim, tirou a melhor nota, a menina grávida, o carinha aficcionado por Massacre da Serra Elétrica etc.

PS: Agradeço ao site Adoro Cinema pelas sinopses gentilmente dando sopa :P...

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 32)

2005-03-13T02:21:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"Há mais harmonia nos filmes do que na vida. Não há engarrafamentos nem períodos de estagnação. Os filmes sempre continuam, como trens à noite. Pessoas como você e eu só somos felizes no nosso trabalho, fazendo filmes"(François Truffaut para Jean Pierre Leaud em "A Noite Americana")

Um estranho no ninho (1975): "Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson), um prisioneiro, simula estar insano para não trabalhar e vai para uma instituição para doentes mentais, onde estimula os internos a se revoltarem contra as rígidas normas impostas pela enfermeira-chefe Ratched (Louise Fletcher). Mas ele não tem idéia do preço que irá pagar por desafiar uma clínica "especializada"".

Comentando: um dos meus filmes favoritos e que me fizeram, por uma época, querer fazer Psiquiatria. A mente humana é ainda um mistério para todos nós. Quais são os limites para a sanidade? Mas ainda mais complicado e sem explicações são os limites da sordidez humana. No meio dos loucos, o mais insensato é o improvável. Os loucos são uma alegoria da sociedade. O hospício e a figura da enfermeira Mildred (Louise Fletcher) são uma metáfora da opressão dos governantes e das regras e padrões que já obedecemos desde que nascemos. Sermos diferentes é o mesmo que sermos loucos. Mas McMurphy deixou seu legado, apesar do final triste, porém libertador que se torna mais sublime com aquela trilha maravilhosa composta por Jack Nitzsche. “Todo homem tem o direito de ser tão grande quanto ele sente que é” (Ken Kaise, autor do livro que inspirou o filme).

O último imperador (1987): "A saga de Pu Yi (John Lone), o último imperador da China, que foi declarado imperador com apenas três anos e viveu enclausurado na Cidade Proibida até ser deposto pelo governo revolucionário, enfrentando então o mundo pela primeira vez quando tinha 24 anos. Neste período se tornou um playboy, mas logo teria um papel político quando se tornou um pseudo-imperador da Manchúria, quando esta foi invadida pelo Japão. Aprisionado pelos soviéticos, foi devolvido à China como prisioneiro político em 1950. É exatamente neste período que o filme começa, mas logo retorna a 1908, o ano em que se tornou imperador".

Comentando: Tenho que admitir que só consegui ver esse filme depois da nona tentativa, o sono sempre falava mais forte. Todavia lá pela décima vez, consegui captar toda beleza, sensibilidade e magia da cultura oriental que Bertolucci quis nos contar.

Era uma vez na América (1984): "Na década de 20, David Aaronson (Robert De Niro) e Maximillian Bercouicz (James Woods), dois amigos de descendência judaica, crescem juntos cometendo pequenos crimes nas ruas do Lower East Side, Nova York. Gradualmente estes crimes assumem proporções maiores e a Máfia judaica passa a ter tanta força que os amigos do passado se tornam rivais. Esta saga percorre desde seus dias de infância, atravessa o apogeu durante a Lei Seca e retrata o reencontro deles após 35 anos".

Comentando: Pra mim o melhor filme sobre a Máfia. Dirigido pelo fenomenal Sergio Leone, todos os elementos cinematográficos (fotografia, trilha sonora, direção de arte, figurino etc) conspiram para formar essa obra-prima do cinema que conta com com um elenco fenomenal e inspiradíssimo. Um filme é repleto de cenas marcantes (a troca dos bebês, o garoto faminto que acaba comendo a torta que seria para a prostituta, aquele telefone irritante que perturba Noodles, a beleza estoteante de Elizabeth McGovern e Jennifer Connely, a trilha soberba de Ennio Morricone, a belíssima cena do jantar entre Noodles (De Niro) e Deborah (McGovern), o olhar melancólico do Noodles envelhecido etc). Um filme sobre amizades, lealdade, sobre pessoas que constituem a América.

Tootsie (1982): "Desesperado em busca de emprego, um ator resolve se vestir de mulher para disputar um papel feminino em uma telenovela".

Comentando: Dustin Hoffman está ótimo neste divertido filme que fala sobre o desespero nosso de cada dia em busca de um rumo na vida.

Willow (1988): "No calabouço do castelo da demoníaca Rainha Bavmorda, uma prisioneira da à luz uma criança que, de acordo com uma profecia antiga, colocará fim ao renado da maléfica rainha. Uma parteira salva o bebê da fúria de Bavmorda, mas é forçada a jogar a criança, dentro do berço, em um rio quando os capatazes da rainha a alcançam. A correnteza do rio conduz a criança a uma vila de anões, onde mora Willow (Warwick Davis), que resolve cuidar da criança, sem saber do destino que a espera. Quando os capatazes da rainha descobrem o paradeiro da criança, Willow começa uma difícil jornada para levar o bebê a seu povo e concretizar a profecia".

Comentando: um filme de fantasia com belos cenários, mesclando aventura com momentos de humor, boas atuações, mas com uma história meio boba e previsível.

Highlander, O Guerreiro Imortal (1986): "Connor MacLeod (Christopher Lambert), um guerreiro escocês do século XVI, é imortal e, após algum tempo, encontra Juan Ramirez (Sean Connery), imortal como ele. Ramirez o ensina a manejar uma espada, pois a única forma de matar um imortal é cortando sua cabeça. Após alguns séculos, surge um inimigo, imortal como ambos, que pretende decapitar Connor, para se tornar o único imortal da face da Terra".

Comentando: Ah se as continuações fossem tão boas como esse longa original... Um aspecto interessante do filme do qual gosto muito é a melancolia constante dos guerreiros imortais. Vale mesmo a pena ser imortal e ver todos aqueles a quem amamos nos deixando? Uma eterna solidão!

Nascido para matar (1987): "Um sargento (R. Lee Ermey) treina de forma fanática e sádica os recrutas em uma base de treinamentos, na intenção de transformá-los em máquinas de guerra para combater na Guerra do Vietnã. Após serem transformados em fuzileiros navais, eles são enviados para a guerra quando lá chegam se deparam com seus horrores".

Comentando: No futebol tem aquela frase folclórica: "Treino é teino, jogo é jogo". Só que neste filme um mero treinamento pode ser muito pior que a própria guerra. Um retrato contundente sobre a violência e suas conseqüências e, infelizmente, a evidência que somos educados para sermos violentos e facilmente nos adaptamos à essa condição.

Harry & Sally - Feitos um para o outro (1989): "Após se formarem pela Universidade de Chigago, Harry Burns (Billy Crystal) e Sally Albright (Meg Ryan), um casal de estudantes, viajam juntos para Nova York. Com o passar dos anos cada um leva a sua vida, se vêem esporadicamente, mas aos poucos e de forma um pouco assustadora descobrem que estão se apaixonando".

Comentando: é meio clichê falar daquela cena da simulação do orgasmo feita por Sally (Meg Ryan), não é? Mas que essa cena é ótima, é inegável. Uma forma gostosa e divertida de contar a velha história que os opostos se atraem e que atrás daquelas birrinhas, daqueles defeitos toda hora explorados, pode surgir um grande amor.

Os gritos do silêncio (1984): "A visão de Sidney Schanberg (Sam Waterston), um jornalista americano, sobre a guerra do Camboja e a amizade feita com Dith Pran (Haing S. Ngor), intérprete cambojano e jornalista local. São mostradas as trágicas conseqüências, principalmente as ações do Khmer Vermelho. Com a cobertura da tomada de Phnom Penh, Schanberg ganha o prêmio Pulitzer e retorna para o oriente procurando o amigo, que separou-se dele em razão da guerra".

Comentando: um retrato belíssimo e chocante das atrocidades da guerra. Ótimo elenco conduzido por Roland Joffé (A missão).

Karatê Kid, a hora da verdade (1984): quem não conhece a história de Daniel San, um garoto franzino que leva porrada de todo mundo e que através dos ensinamentos do mestre Miyagi (Pat Morita) vai se tornar um exímio lutador? Nossa, como eu imitava as cenas de treinamento e de luta do Daniel (Ralph Macchio)!!!

Scarface (1983): "Década de 80. Centenas de imigrantes cubanos aportam na costa da Flórida, durante uma breve abertura da ilha por Fidel Castro - Uma manobra para se livrar do excesso de presos nas cadeias cubanas. Em meio à massa de miseráveis, chega Tony Montana, bandido de pouco nome e muita bravata, disposto a conquistar o mundo do tráfico. Brilhantemente interpretado por Al Pacino, Scarface conta como Montona chegou ao topo. E como a cocaína e sua ambição desmedida o fizeram cair".

Comentando: refilmagem do filme Scarface, A vergonha de uma nação (1932) de Howard Hawks. De Palma com seus travellings inusitados (hehe, valeu Rapha!) cria uma ambiente soturno e violento com um Al Pacino fantástico que transforma seu Tony Montana em um dos personagens mais interessantes da história do cinema.

Conduzindo Miss Daisy (1989): "Atlanta, 1948; Uma rica judia de 72 anos (Jessica Tandy) joga acidentalmente seu Packard novo em folha no jardim premiado do seu vizinho. O filho (Dan Aykroyd) dela tenta convencê-la de que seria o ideal ela ter um motorista, mas ela resiste a esta idéia. Mesmo assim o filho contrata um afro-americano (Morgan Freeman) como motorista. Inicialmente ela recusa ser conduzida por este novo empregado, mas gradativamente ele quebra as barreiras sociais, culturais e raciais que existem entre eles, crescendo entre os dois uma amizade que atravessaria duas décadas".

Comentando: belíssimo filme sobre o valor de uma verdadeira amizade que fica muito mais verossímil devido a química perfeita entre a magnífica Jessica Tandy e o excelente Morgan Freeman.

Mississipi em chamas (1988): "Mississipi, 1964. Rupert Anderson (Gene Hackman) e Alan Ward (Willem Dafoe), dois agentes do FBI, investigam a morte de três militantes dos direitos civis em uma pequena cidade onde a segregação divide a população em brancos e pretos e a violência contra os negros é uma tônica constante".

Comentando: um filme franco, com atuações fortes que nos alerta sobre as injustiças sociais, o preconceito e discriminação imperantes contra os negros norte-americanos.

Cinema paradiso (1989): "Nos anos que antecederam a chegada da televisão (logo depois do final da Segunda Guerra Mundial), em uma pequena cidade da Sicília o garoto Toto (Salvatore Cascio) ficou hipnotizado pelo cinema local e procurou travar amizade com Alfredo (Philippe Noiret), o projecionista que se irritava com certa facilidade, mas parelamente tinha um enorme coração. Todos estes acontecimentos chegam em forma de lembrança, quando agora Toto (Jacques Perrin) cresceu e se tornou um cineasta de sucesso, que recorda-se da sua infância quando recebe a notícia de que Alfredo tinha falecido".

Comentando: Lembram o Salvatore, já adulto, assistindo o especial de cenas de beijo cortadas dos filmes que Alfredo deixa para ele? Cinema Paradiso celebra a magia do cinema se tornando um dos filmes mais mágicos já feitos! Uma ode à amizade, ao amor e à paixão pela sétima arte. Uma mistura de Tornatore, Philippe Noiret e Ennio Morricone não poderia dar em outra mesmo.

O peso de um passado (1988): esse ótimo filme dirigido pelo grande Sidney Lumet nos apresenta aos personagens de Judd Hirsch e de Christine Lahti, um casal fugitivo da polícia desde os anos 70, após explodirem um laboratório que produzia napalm e outras bombas para a Guerra do Vietnã. Só que eles não imaginavam que tinha uma pessoa lá dentro da fábrica no momento da explosão e muito menos tinham intenção de ferir alguém, apenas eram contra a guerra. Juntamente com seus filhos passam os anos pulando de cidade em cidade, mudam de identidades a fim de não serem descobertos. São verdadeiros nômades. Só que quando fixam moradia em uma cidade, Danny (River Phoenix), o filho mais velho do casal, ganha destaque na escola pelo seu grande talento musical. O garoto é encorajado para fazer faculdade de música, devido seu talento nato com o piano, mas entrar numa faculdade seria criar e estabelecer vínculos por demais. Fica numa sinuca de bico: dar um prumo na sua vida ou seguir seus pais, correndo de um passado que não é dele?

Sexo, mentiras e videotape (1989): "Um advogado (Peter Gallagher) enfrenta problemas de caráter sexual com sua mulher (Andie MacDowell) e tem um caso com a cunhada (Laura San Giacomo), mas algo acontece com a chegada de um amigo (James Spader) de infância do marido, que grava em vídeo o depoimento de mulheres que falam da vida sexual que levam".

Comentando: Soderbergh estréia com pé direito na direção desse filme que ganhou a Palma de Ouro do Festival de Cannes de 1989. Um filme irresistivelmente cínico e instigante, mas ainda assim superestimado.

Asas do desejo (1987): "Daniel e Cassiel são dois anjos que observam o dia-a-dia cinzento dos homens e mulheres de Berlim. Mas tudo muda quando Daniel se apaixona por angelical trapezista de circo."

Comentando: Wim Wenders é foda, só isso pra explicar obras-primas como Paris, Texas e Asas do Desejo. Até gostei da versão americana adocicada Cidade dos Anjos, mas comparar com essa poesia em forma de polaroid é impossível. Achei uma resenha vagando pela net que é um verdadeiro ensaio sobre o filme: "No desenrolar dos acontecimentos contemporâneos, a humanidade por si só assistiria sua autodestruição. Até Deus (quem diria?), profundamente desapontado, decide dar às costas ao mundo para sempre. No entanto, alguns anjos se rebelam e preferem tomar partido do Homem, que merece uma segunda chance. Em sua fúria (quem diria?), Deus expulsou tais anjos do paraíso para a cidade que, até então, era considerada a pior de todas na Terra: Berlim. E tudo isto aconteceu no final da Segunda Guerra Mundial, quando a Alemanha estaria completamente devastada pelos efeitos da guerra e que, mais tarde, veria o seu próprio território dividido por um muro que separaria os comunistas dos capitalistas. Então, esses “anjos caídos” estariam aprisionados a essa cidade, sem qualquer chance de perspectiva, sem poder iluminar os homens, sem poder intervir no curso da história...

Assim seria o prólogo de Wim Wenders para Asas do Desejo, considerado um dos melhores filmes do século XX e um dos mais comentados até hoje. Eu repito: seria! Mas não é. Wenders não tinha a intenção de contar uma história de caráter religioso, nem mesmo chegou, a princípio, a pensar em criar personagens que fossem anjos. Na época, o cineasta alemão estava há bastante tempo nos EUA e decidiu voltar a Berlim para fazer um filme sobre a sua cidade natal (já que para Wenders, o roteiro de um filme floresce a partir de um local, de uma cidade, antes mesmo dos personagens ou das situações). “Como falar de Berlim em sua totalidade?”, perguntava-se. Até que chegou a conclusão de que nem taxistas, nem bombeiros, nem prostitutas, nem outro habitante desta cidade podia dar conta de Berlim em sua expressão máxima. O que fazer então? Ninguém melhor que um anjo (o não-ser homem) poderia visualizar Berlim no seu todo, à maneira de um estrangeiro, que observa a cidade de um ponto-de-vista de quem está de fora. Portanto, convém logo lembrar no início deste ensaio que os anjos de Asas do Desejo não são meramente figuras divinas, mas essencialmente metáforas para o olhar do próprio Wenders sobre Berlim, que já não reconhecia a cidade natal que tanto amava.

Logo no início do filme, temos o prazer de escutar a sonoridade de uma poesia sobre o “estado das coisas” da infância. De certa forma, as crianças também são dotadas deste olhar do estrangeiro. Só as crianças conseguem visualizar os anjos, pois são semelhantes a eles. É na fase pueril que começamos a construir nossa história, nosso conhecimento de mundo. “Quando a criança era criança, não sabia que era criança, tudo era cheio de vida e a vida era uma só! Quando a criança era criança, não tinha opinião... não tinha hábitos... sentava de pernas cruzadas, e saía correndo...” Comparar os anjos com crianças leva tanto Damiel como Cassiel a se comportarem como personagens sem biografia, que observam os objetos e os homens com inocência e curiosidade. Daí que eles observam tudo em preto-e-branco, porque não podem sentir como seres humanos. Mas será que os homens percebem a magnitude ontológica de enxergar a vida a cores? Bem, para aquele que já está acostumado com um “estado das coisas”, tal benefício seria apenas um consolo. Como o pai que carrega uma criança nas costas apaticamente pensa: “o consolo de ver as cores iluminadas pelo sol nos olhos de todos”.

Só que Damiel quer ser humano. Ele prefere se desfazer de sua imortalidade para se perder no colorido de Berlim. E aí, feito criança, começa a questionar sua existência. “Por que eu sou eu e não você? Por que eu estou aqui e não lá? Quando começou o tempo e onde termina o espaço? Será que a vida sob o sol nada mais é que um sonho? Será que o que vejo, escuto e cheiro não é mais que uma miragem do mundo anterior ao mundo? Será que o mal existe mesmo e pessoas realmente más? Como pode? Eu que sou eu, não existia antes de existir e que alguma vez eu, aquele que sou, não serei mais quem sou?” Bastante inspirador (e tentador) para um anjo que antes tinha apenas o conhecimento espiritual do mundo, que não podia tocar os objetos, mas apenas alcançar a sua forma ideal (quem lê Platão sabe do que eu estou falando). É, meus amigos... A eternidade cansa! Um anjo nunca poderia ter o prazer de sentir os pés no chão, uma rajada de vento, o gosto de uma refeição ou até mesmo, “sentar no lugar vazio de uma mesa de jogos e ser cumprimentado”. Ou como lembra o companheiro Cassiel: “Supor, em vez de saber. Se entusiasmar com o mal, ser selvagem... ser sozinho.”

E agora Damiel? Qual será o seu destino (se é que anjo tem destino)? Você quer mesmo ser homem? Bem, seguir a opinião de outros anjos caídos já não é uma boa opção. Veja só o ex-arcanjo, que agora é um velho contador de histórias, que reclama de sua solidão devido ao isolamento dos alemães provocado pelas fronteiras do Muro de Berlim. “Ainda existem fronteiras? Sim, cada um tem a sua. Entre cada lote tem uma faixa de terra de ninguém. Quem entrar, cairá em armadilhas ou será golpeado por raios laser. (...) O povo alemão se dividiu em tantos estados quanto existem indivíduos. E estes pequenos estados são móveis. Cada um leva o seu consigo e pede pedágio a quem entra.”, afirma aquele que há muito tempo constatou que a desconfiada alma do alemão, cansada de tanta guerra, já não pode ser mais conquistada sem um aviso, sem uma “senha”.

Quando tudo parece aparentemente perdido, surge a mulher. Damiel se apaixona por Marion, uma trapezista decepcionada com o circo. Há dez anos, ela era a estrangeira que olhava para a “falsa imagem” do mundo circense com um certo encanto e a curiosidade de um anjo. Mas o tempo (que não cura todas as feridas) fez Marion enxergar a realidade e a trapezista aprendeu a sobreviver, ainda que na corda bamba. “Aqui sou estrangeira e, ao mesmo tempo, tudo é familiar. Não posso fugir, acabamos sempre encurralados. Como devo viver?” A identificação de Damiel com o estado espiritual de Marion é imediata. Era preciso que Damiel se tornasse mortal para salvar Marion e era preciso que Marion conhecesse Damiel para também salvá-lo de sua angústia existencial.

Teria que passar horas e horas e gastar laudas e laudas de papel para descrever a magnitude de Asas do Desejo. Por hora, deixo esta pequena introdução. Senão estragam-se as surpresas... Assistam e tirem suas próprias conclusões".

Camila Vieira

Betty Blue (1986): Betty Blue é um filme belo, super triste e com ótimas atuações. Zorg (Jean-Hugues Anglade) trabalha arrumando e consertando coisas numa espécie de condomínio de cabanas de praia no sul da França. Conhece Betty, uma mulher super sexy e sedutora, que o deixa completamente apaixonado. Betty parece ser um tanto selvagem, mas logo Zorg nota que seu problema é mais serio, fato este que leva a vida dos dois tomar um rumo tempestuoso. Ao achar manuscritos de um livro que Zorg tinha escrito, Betty insiste que ele tente publicá-lo, mas quando os fatos não vão tão bem como Betty gostaria, sua personalidade esquizofrênica manifesta-se mais ainda.

Fanny & Alexander (1982): esse filme do mestre Bergman conta a história da família Ekdahl, uma família sueca do começo do século XX, pela ótica de duas das crianças da família, os irmãos Fanny e Alexander, interpretados magnificamente por Pernilla Allwin e Bertil Guve. Após a morte de seu pai Oscar (Allan Edwall), passam pelas adversidades da perda, não só a do pai que se foi, mas da mãe Emelie (Ewa Fröling), uma mulher belíssima que acha consolo nos braços de um Bispo local. O Bispo Edvard Vergerus parece ser um homem santo, mas é um homem frio e repressor, que logo exige que Emilie abra mão de todos os seus bens e venha despida de qualquer coisa referente à familia Ekdahl. Para Fanny e Alexander, a casa do Bispo é o próprio inferno, com aquele ar mórbido e habitado por aquelas pessoas distantes (mãe, irmã, empregadas e uma tia com obesidade mórbida que nao consegue nem levantar da cama). As punições que o Bispo impõe para as crianças são severíssimas. Uma frieza e estranheza fora do comum.

Além da incrível sensibilidade, beleza e esmero que o filme foi feito, ele chega muitas vezes a ser assustador. Há também algumas cenas belíssimas com o pai das crianças (Allan Edwall). Bergman é um gênio, faz o que quer com seus atores e com a história que colocam nas suas mãos.

Down by law (1986): três homens (Roberto Benigni, John Lurie e Tom Waits) vão parar na mesma cela em uma cadeia na cidade de Louisiana. Planejam uma fuga e fazem uma verdadeira jornada pela região pantanosa do Mississipi.

Jim Jarmusch é um dos diretores mais interessantes do cinema americano. Os anos 80 foram sua consagração. Dentre sua filmografia nesta época temos: Permanent Vacation (1980), New World (1982), Stranger in Paradise (1983), Coffee and Cigarettes (1986) e Coffe and Cigarettes II (1989). Um filme dele de que gosto muito é Mystery Train (1989) que nos mostra três histórias quem têm em comum uma veneração ao cantor Elvis Presley. Um casal de japoneses fanáticos por rock vão para Graceland em Memphis visitar o Sun Studios (estúdio que gravou as canções dele) e também a casa do rei do rock. Uma italiana (Nicoletta Braschi (mulher do "mala" Benigni)) acaba ficando presa na cidade por problemas com seu vôo. Uma garota foge do namorado e se hospeda em um hotelzinho em um quarto que divide com a tal italiana. Na verdade, todos se hospedam nesse hotel, inclusive o namorado da garota. Durante a noite, a menina presencia o Rei em pessoa, fato este que irá mudar a vida de todos. Aqui ele usa Elvis como pano de fundo para discutir as diferenças sócio-culturais entre as pessoas. Como em toda sua filmografia, Jarmusch, que hoje em dia é considerado cult, nos mostra seu jeito de ver o mundo cheio de cinismo, tédio, banalidade e silêncio.

Encontrei um ótimo texto que resume muito bem a obra de Jarmusch.

Jim Jarmusch e a ternura do tédio

Nos anos 80, uma geração de novos cineastas começaram a questionar o previsível e estereotipado cinemão norte-americano. Esse grupo revelou talentos como Spike Lee, Steven Soderbergh e (um pouco mais tarde) Hal Hartley. Mas dentre esse grupo, o mais original é sem dúvidas Jim Jarmusch. Esse americano nascido em 1953 em Ohio foi morar em Nova York aos 17 anos. Formado em literatura, tendo trabalhado com música e fotografia, Jarmusch foi aceito no cultuado curso de cinema da NYU, onde teve a oportunidade de ser assistente de Nicholas Ray, numa co-direção com Wim Wenders em Lightening Over Water. Mas Jarmusch não chegou a concluir o curso, "ao invés de passar o tempo na cinemateca, eu aprendi muito mais no ponto de ônibus em frente à escola, ouvindo as pessoas".

Isso define bem o cinema ‘cool’ de Jarmusch. Num estilo de câmera quase estático, abusando do preto-e-branco, o diretor apresenta um outro lado do "American way of life". Seus personagens são marginalizados, gente comum, meio patetas, desengonçados, cheio de cacoetes ou tiques característicos, geralmente enganados por outros ou traídos pelas circunstâncias.

Em meados da década de 80, Jarmusch dirigiu dois filmes memoráveis: Estranhos no Paraíso (Stranger than Paradise, 1984), e Daunbailó (Down by Law, 1986). Com apenas pouco mais de 30 anos, o novato diretor conseguiu seu inquestionável prestígio com dois filmes que surpreenderam público e crítica pela sua simplicidade e criatividade. Com o primeiro, Jarmusch ganhou o Camera d’or em Cannes, para melhor filme de diretor estreante.

Ambos os filmes falam de uma transformação na vida de dois caras em decorrência de um contato com um elemento externo, seja a priminha húngara de Estranhos no Paraíso ou o macarrônico italiano Roberto Begnini em Daunbailó. Curiosamente, o elemento externo é um estrangeiro, que parece se adaptar melhor ao novo país que os próprios moradores. O estrangeiro é apresentado como um elemento ativo, independente, que induz indiretamente as transformações dos outros agentes. A dupla de amigos americanos é passiva. Em Daunbailó, a passividade é absoluta. Embora em Estranhos No Paraíso as viagens sejam iniciativa de um dos caras, elas são impulsionadas pelo desejo de reencontro com sua priminha húngara – o estrangeiro.

A possibilidade de contato expõe um choque de culturas que Jarmusch muito habilmente experimenta. De fato, o diretor define os Estados Unidos como uma colcha de retalhos. Ainda assim, os estrangeiros e os nativos são bastante semelhantes. Ambos têm a mesma ambição: o desejo pela liberdade, ou simplesmente uma tentativa em contornar o tédio.

De fato, em ambos os filmes, o contato é o motivo que leva a dupla de nativos a uma fuga, uma fuga contra a mesmice, a inércia, a paralisia de seus mundinhos. O símbolo dessa tentativa está em Daunbailó. Numa das mais poéticas cenas do cinema do monocromático Jarmusch, Roberto, o italiano fanfarrão, desenha uma janela com um pedaço de giz. Ao invés de contar os dias na jaula, Roberto olha para o futuro, contempla a liberdade e a possibilidade de sonhar, aliás, diga-se de passagem, típica da arte do cinema.

Por isso, é um erro dizer que o cinema de Jarmusch é puramente descritivo. Apesar de apresentar um certo desencantamento com um mundo monocromático e tedioso, o cinema de Jarmusch é um tímido apelo à liberdade e à possibilidade da amizade e da mudança de rumos. O papel do cinema, para Jarmusch, é, pois, a expressão de um desejo de libertação. Mesmo que a fuga da prisão em Daunbailó seja difícil de se acreditar, ou ainda a ida do trio para a Flórida em Estranhos no Paraíso, a inocência de Jarmusch apresenta um caráter normativo do seu cinema. A fuga de Daunbailó, por exemplo, não é filmada, mas apenas vemos o trio já fora da prisão, correndo pelo mato. Essa supersimplificação mostra que Jarmusch foge das dificuldades técnicas, que passam ao largo de seu cinema. Jarmusch está mais interessado nas conseqüências da fuga do que na fuga propriamente dita.

Mas apesar do tom positivo e romântico, da abordagem específica dos tiques da sociedade americana, os filmes de Jarmusch são universais e seus personagens imutáveis. A chave deste aparente paradoxo está num diálogo em Estranhos no Paraíso. Quando a dupla de nativos chega a Cleveland, um deles replica: "a gente vai para um lugar tão longe e vê que tudo é sempre a mesma coisa...". Em Nova York, em Cleveland, ou na Flórida, os dois nativos esbarram sempre com os mesmos problemas e fazem sempre a mesma coisa. Tanto em Nova York como na Flórida, a húngara ficava trancada num quartinho apertado esperando o retorno do primo. Em Daunbailó, após a fuga, o trio descobre uma choupana, que tem a mesma disposição espacial que a cela de onde fugiram. Nesse ponto, Jarmusch fala do tédio e da irreversibilidade. A fuga dos personagens de Jasmusch é sempre uma fuga interior, uma mera tentativa.

Decerto que Daunbailó é mais otimista que Estranhos no Paraíso. Nesse filme, o tédio e a falta de perspectivas ficam mais aparentes. O estilo fragmentado acentua o caos e a dispersão. Já Daunbailó é mais normativo. Cenas poéticas apresentam uma esperança no fim do caminho. Além da janela pintada por Roberto, há o canto "scream icecream" na prisão, e o belíssimo plano final. A inevitável separação, assim como ocorrera em Estranhos no Paraíso, é na verdade um libelo pela independência e pela esperança.

Apesar da aparente simplicidade estética de seus filmes, Jarmusch é certamente o melhor cineasta da grupo. A economia de recursos de Estranhos no Paraíso deve ser constrastada com seu estilo cool, na preguiça em movimentar a câmera, e no enquadramento quase sempre original. Já Daunbailó surpreende pelo belíssimo uso da luz, especialmente nas cenas escuras, e pela habilidade da câmera em se posicionar em lugares mínimos, como na prisão, o que de certa forma já estava prenunciado em Estranhos no Paraíso. Os travellings do início de Daunbailó já mostram que o cineasta não é tão ingênuo quanto parece. Sua câmera revela um lado comum, um pouco sombrio e melancólico, reforçado pela fotografia em preto-e-branco, de uma Nova York solitária e decadente.

Embora Jarmusch faça questão de dizer que não viu clássicos do nível de E o vento levou e que não gosta dos filmes de John Ford, se sentindo mais influenciado pela literatura que pelo cinema, uma olhadela mais atenta em seus filmes revela algumas referências importantes. É impossível assistir ao encontro dos fugitivos na estrada com uma mulher solitária sem se lembrar de A Grande Ilusão, de Jean Renoir. Em Estranhos no Paraíso, "Tokyo Story" vira o nome de um cavalo, barbada certa para o próximo páreo, mesmo competindo com outros do porte de "Late Spring". Mas a referência mais clara é a do cinema francês da nouvelle vague, especialmente o cinema menos socialmente raivoso de Jean-Luc Godard, como Acossado. A falta de perspectivas, o questionamento da causalidade na narrativa, o interesse por situações banais, o cinema pouco pretensioso lembram os ideais iniciais da nouvelle vague.

Se a década de 80 foram os anos áureos do diretor, a década de 90 apresenta uma diluição de seu trabalho. Nesse sentido, pode-se dizer que a filmografia de Jarmusch vai de Estranhos no Paraíso e termina no fim do primeiro episódio de Trem Mistério. O restante desse filme e o posterior Uma Noite Sobre a Terra são uma diluição do humor cool de Jarmusch. Dead Man e especialmente Ghost Dog são o reverso da moeda, pulverizando o estilo ágil e terno de Jarmusch por um pseudo-tratado filosófico sobre a solidão e a marginalização nos grandes centros urbanos.

O diretor ainda deve ter uma longa filmografia pela frente. Mas ainda que não realize filmes do porte de Estranhos no Paraíso e Daunbailó, Jarmusch já conseguiu um lugar de destaque no cinema dos anos 80 pela originalidade e pela ternura como trata seus míseros personagens dominados pelo tédio.

Marcelo Ikeda

Imagem do dia:

Um dia ainda quero ser cineasta...

PS: Agradeço ao site Adoro Cinema pelas sinopses... Bem, vocês já sabem...

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 31)

2005-03-11T03:43:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"Você gosta de filmes porque é um espectador da vida" (Susan Anspach em "Sonhos de um Sedutor")

Acusados (1988): "Sarah Tobias (Jodie Foster) é estuprada em um bar e, ao denunciar a agressão, defronta-se com dois problemas: seus agressores e o sistema penal, no qual as vítimas de estupro são suspeitas em seus próprios casos".

Comentando: esse drama estrelado por Jodie Foster (que levou o Oscar de melhor atriz) e Kelly McGillis nos faz questionar sobre a nossa visão do sistema penal, mas é meio chatinho. Vale a pena ser visto pela ótima atuação de Foster.

A Lenda de Billie Jean (1985): Kelly Slater (Supergirl) foi uma das musas dos anos 80 e não é pra menos. Eu tiro meu chapéu pra ela, é linda mesmo. Aqui é ela Billy Jean, uma garota normal que se vê metida em uma confusão atrás da outra. Tudo começa quando um riquinho e seus capangas roubam e destroem a mobilete do seu irmão menor. Não conseguindo nada com as autoridades, resolve tirar tudo a limpo com as próprias mãos e obriga o pai do mauricinho a pagar todo prejuízo que tiveram. Só que ele tenta estuprá-la e seu irmão acaba atirando acidentalmente no safado. Eles fogem e acabam descobrindo que estão sendo procurados pela polícia local. Durante a fuga, visita um cineasta amador e grava um vídeo já com os cabelos curtos e cita seu lema que se tornaria sensação em todo país: "Fair is fair". Só que o tal cineasta é filho de um importante procurador e o fato de ele mentir no vídeo quando diz que foi seqüestrado por Billy Jean, só complica mais a situação da garota que se torna uma sensação na mídia e procurada em todo país. Um filme bonzinho e só.

Amadeus (1984): como eu já citei Amadeus no post sobre Oscar, resolvi postar o trecho final da ótima crítica do grande crítico Roger Ebert (Ai! Preguiça de traduzir, sorry!)

"...I have not mentioned the music. There's probably no need to. The music provides the understructure of the film, strong, confident, above all, clear in a way that Salieri's simple muddles only serve to illustrate. There are times when Mozart speaks the words of a child, but then the music says the same things in the language of the gods, and all is clear.

"Amadeus" is a magnificent film, full and tender and funny and charming -- and, at the end, sad and angry, too, because in the character of Salieri it has given us a way to understand not only greatness, but our own lack of it. This movie's fundamental question, I think, is whether we can learn to be grateful for the happiness of others, and that, of course, is a test for sainthood. How many movies ask such questions and succeed in being fun, as well?"

Quero ser grande (1988): quando me recordo desse filme, a minha primeira lembrança é daquela cena do Tom Hanks e seu chefe (Robert Loggia) dançando em cima daquele piano de brinquedo. Acho-a tão mágica como o próprio cinema é. Josh Baskin é um garoto de 12 anos que não consegue impressionar a garota dos seus sonhos e não pode ir para os passeios de "adultos". Josh tenta a sorte num brinquedo chamado Zoltar em um parque de diversões. "I wish I were Big!"... "Your wish is granted". Na manhã seguinte, ele percebe que está adulto e sua mãe (Mercedes Ruehl) quando o vê fica assustada e histérica achando que ele é um bandido que provavelmente deve ter seqüestrado seu filho. Não sabendo como explicar, acaba fugindo. Com a ajuda do seu melhor amigo, tentam achar a tal máquina no parque de diversões, mas esse já foi embora. Resolvem ir para Nova York, mas descobrem que o parque só irá pra lá em seis semanas. Durante esse tempo, Josh (Tom Hanks) arranja um emprego em uma loja de brinquedos. E logo conquistará a admiração de alguns e a inveja de outros ao colocar sua mente criativa infantil no projeto dos brinquedos. É também na MacMillan Toys (a tal loja de brinquedos) que conhece Susan (Elizabeth Perkins) por quem se apaixona. A cena dele pulando na cama elástica é hilária. Mesmo que de uma forma discreta, o filme aborda o olhar de uma criança sobre o mundo adulto e a óbvia perda da inocência. Um filme sensível e divertido. O recente De repente 30 até copiou a idéia de Quero ser Grande, mas definitivamente não tem o seu charme.

A lagoa azul (1980): duas crianças e um velho se salvam de um naufrágio e se abrigam em uma ilha deserta. Com o tempo, o velho marinheiro morre e as crianças crescem e é na juventude que um começa a descobrir o outro como homem e mulher. As paisagens do filme são belíssimas e pros marmanjos a melhor paisagem é a beleza incrível de Brooke Shields. Há umas cenas que lembro bem: quando ela pisa em um peixe com espinhos que expelem veneno, os tambores do lado proibido da ilha, os pedaços de pano que viraram roupas, a casa feita de modo rudimentar, o final quando o casal e o filho deles estão no barco e comem aquela frutinha. Um filme bonitinho quando eu era pirralha; insosso hoje em dia.

A escolha de Sofia (1982): "Em 1947 Stingo (Peter MacNicol), um jovem aspirante a escritor vindo do sul, vai morar no Brooklyn na casa de Yetta Zimmerman (Rita Karin), que alugava quartos. Lá conhece Sofia Zawistowska (Meryl Streep), sua vizinha do andar de cima, que é polonesa e fora prisioneira em um campo de concentração e Nathan Landau (Kevin Kline), seu namorado, um carismático judeu dono de um temperamento totalmente instável. Em pouco tempo tornam-se amigos, sendo que Stingo não tem a menor idéia dos segredos que Sofia esconde, nem da insanidade de Nathan"

Comentando: Um filme que realmente nos faz chorar, mas não pensem que nos arranca lágrimas fáceis, porque não tem nada de melodrama ou sentimentalismos (E aquela trilha do Marvin Hamlish ajuda pra caramba nas lágrimas). Ótima atuação do elenco, principalmente a excepcional perfomance de Merly Streep. Faz uma análise das conseqüências físicas, mentais e morais da atrocidade das guerras.

Tex - um retrato da juventude (1982): "Baseado na obra de S.E. Hilton, uma autora de livros para jovens, Tex é um filme sensível e comovente, um retrato fiel dos desafios vividos por um adolescente de 15 anos (Matt Dillon) que, através do relacionamento com os irmãos, os amigos e a namorada, vai aprendendo a arte de viver". (Studio Video)

Comentando: um filme bem bonitinho que marca a estréia de Matt Dillon que aqui é Tex, um garoto apaixonado por cavalos, que tem problemas com disciplina na escola e que, através das relações com as pessoas ao seu redor, vai começando descobrir a si mesmo.

O último metrô (1980): Catherine Deneuve estrela esse filme que é uma das últimas obras do mestre Truffaut. Na França ocupada pelos nazistas durante a Segunda Guerra, a atriz Marion Steiner (Deneuve) se vê obrigada a se separar do seu marido Lucas (Heinz Bennent), um grande teatrólogo alemão de origem judaica. Todos pensam que ele fugiu, mas ele se esconde no porão do seu teatro. Para facilitar sua fuga, Marion dá continuidade à montagem de uma peça e contrata um ator para interpretar o protagonista. Bernard Granger (Gerard Depardieu) é o escolhido e enquanto ensaiam a peça vão se sentindo envolvidos um pelo outro. Mas todos os eventos estão sendo vistos e analisados por Lucas que se encontra escondido no seu próprio teatro. Ele mesmo dirige clandestinamente a peça dando instruções a sua esposa. Por um buraco, ele ouve o real e o fictício. Assiste ao espetáculo e à sua própria vida se definhando. Ao usar esse triângulo amoroso como pano de fundo, Truffaut faz, com sensibilidade, uma metáfora da Paris ocupada e as conseqüências da guerra na vida das pessoas. Se em A Noite Americana ele faz uma declaração de amor ao cinema, aqui o teatro recebe sua homenagem.

Encontrei um texto perdido pela net que disseca, muito melhor que eu, essa pequena obra-prima de Truffaut:

"Assim como a cidade ocupada que luta clandestinamente contra o invasor, o Teatro Montmartre é também um local de contrastes. Truffaut ambientou sua metáfora sobre a Ocupação em grande parte na penumbra. O enredo é pontuado pelas passagens da sombra para a luz e vice-versa, que acompanham as visitas de Marion ao seu marido no porão e, de certa maneira, todo o elenco da peça. Quando a luz se acaba e a noite chega, revelam-se os locais clandestinos, novos personagens, novas esperanças. Além disso, todos os personagens principais escondem um segredo, que acaba revelado ao espectador no momento certo. Enfim, para tudo – ou quase tudo – há um duplo sentido. Apesar de o enredo se passar quase sempre dentro do teatro, a Ocupação e o espírito que dominou os franceses resistentes está presente em muitos detalhes. Como quando a mãe de Jaquot lava a cabeça do garoto só porque ele recebeu um afago de um oficial alemão. Ou então nas freqüentes alusões ao anti-semitismo, ou ao mercado negro, uma das poucas formas de conseguir mantimentos de qualidade, ou até mesmo aos roubos e saques. Truffaut foi ainda impecável na reprodução das transmissões de rádio da época, bem como das canções e até mesmo dos jornais, revelando um atmosfera sempre muito tensa. Finalmente, Marion, a personagem principal do enredo, está dividida entre dois mundos: o real, tenso e à mercê dos caprichos dos alemães, onde se mostra cada vez mais perturbada pelo amor que começa a sentir por Bernard, e o clandestino, no porão do Teatro Montmartre, onde esconde seu marido. Por isso O Último Metrô é um dos melhores filmes de François Truffaut. Com enredo denso e atmosfera cercada de tensão e mistério, foi indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro e recebeu dez prêmios César (o "Oscar" francês), um recorde. Um filme importante, para engrandecer a sua coleção".(Revista do DVD)

A insustentável leveza do ser (1988): "Nos anos 60 em Praga, Tchecoslováquia, Tomas (Daniel Day-Lewis), um médico totalmente apolítico, tem como hobby ter diversas parceiras sexuais, mas evitando sempre um maior envolvimento. Mas duas mulheres: Sabina (Lena Olin), uma artista plástica, e Tereza (Juliette Binoche), uma garçonete que sonha em ser fotógrafa, vão estar muito presentes na vida dele. Mas ao serem atingidos pelos acontecimentos de 1968, conhecido como "A Primavera de Praga", quando tanques soviéticos invadiram a capital tcheca para pôr fim a uma série de protestos, a vida deste triângulo amoroso é afetada, pois seus sonhos foram destruídos e suas vidas mudariam para sempre".

Comentando: uma ótima adaptação para o cinema que consegue transpor, através da direção segura do Philip Kaufman e das ótimas atuações do trio Daniel Day-Lewis, Juliette Binoche e Lena Olin, toda sensualidade e todo contexto histórico e social do livro.

Ran (1985): Kurosawa é um dos meus diretores prediletos. Ele é o deus da pintura cinematográfica, porque é como se ele conseguisse dar dinamismo, movimento a um Van Gogh ou a um Monet. Mas não é só a estética dos seus filmes que é perfeita, Kurosawa é um ótimo contador de histórias com seus contos profundos e reflexivos. Nesse filme, ele adapta o clássico Rei Lear de Shakespeare no Japão feudal. Um envelhecido samurai doa seu reino para seus três filhos. O mais novo dos herdeiros recusa e é deserdado e exilado das terras do samurai. Os dois mais velhos aceitam a herança, mas rejeitam o pai. O filme adapta fielmente a obra de Skapespeare sobre a fragilidade humana em busca do poder e a ganância, a inveja e a insanidade conseqüentes. Uma obra-prima em todos os sentidos. Sensível e reflexivo.

Os Intocáveis (1987): "Na Chicago dos anos 30, o jovem agente Eliot Ness (Kevin Costner) tenta acabar com o reinado de terror e corrupção instaurado pelo gângster Al Capone (Robert De Niro). Para isso, ele recruta um pequeno time de corajosos e incorruptíveis homens, dispostos a levar a tarefa a cabo".

Comentando: a cena clássica das escadas (uma homenagem à mesma cena de O Encouraçado Potenkim do russo Sergei Eisenstein), o elenco excelente e coeso, com destaque para Sean Connery que abocanhou o Oscar de melhor ator coadjuvante, a direção segura de Brian De Palma e a soberba trilha orquestrada pelo mestre Ennio Morricone fazem desse filme um dos melhores filmes sobre a Máfia (obviamente está atrás do Scarface original e dos dois primeiros Poderoso Chefão e do excelente Era Uma Vez na América). Costner tonrou-se um grande astro nos anos 80 e também estrelou o interessante thriller Sem Saída em 1987.

O Nome da Rosa (1986): "Em 1327 William de Baskerville (Sean Connery), um monge franciscano, e Adso von Melk (Christian Slater), um noviço que o acompanha, chegam a um remoto mosteiro no norte da Itália. William de Baskerville pretende participar de um conclave para decidir se a Igreja deve doar parte de suas riquezas, mas a atenção é desviada por vários assassinatos que acontecem no mosteiro. William de Baskerville começa a investigar o caso, que se mostra bastante intrincando, além dos mais religiosos acreditarem que é obra do Demônio. William de Baskerville não partilha desta opinião, mas antes que ele conclua as investigações Bernardo Gui (F. Murray Abraham), o Grão-Inquisidor, chega no local e está pronto para torturar qualquer suspeito de heresia que tenha cometido assassinatos em nome do Diabo. Considerando que ele não gosta de Baskerville, ele é inclinado a colocá-lo no topo da lista dos que são diabolicamente influenciados. Esta batalha, junto com uma guerra ideológica entre franciscanos e dominicanos, é travada enquanto o motivo dos assassinatos é lentamente solucionado".

Comentando: F. Murray Abraham versus Sean Connery. Bom embate, não? Uma boa adaptação do best seller de Humberto Eco, com uma ótima reconstituição da época.

Paris, Texas (1984): como já falei desse filme quando citei os vencedores do Festival de Cannes, vou postar essa crítica da minha quase conterrânea Greice Schneider do ótimo site Claque. Lutti essa é pra você...

"As primeiras cenas de Paris, Texas oferecem de imediato o clima que percorre o filme de Wim Wenders. Um deserto rochoso é mostrado em plano geral sob uma música que remete aos velhos western americanos. Um homem, sozinho, de terno surrado, boné vermelho e semblante grave vagueia no meio do nada. Apesar de não sabermos ainda quem ele é, nem o que faz ali, os minutos iniciais do filme já nos inserem em uma atmosfera de aridez, solidão, desolação.

A descoberta da identidade do peculiar homem errante (Harry Dean Stanton) se dá aos poucos, com a típica e devida parcimônia que Wenders impõe aos seus filmes: sem que o personagem sequer abra a boca, deduzimos que ele não pertence ao deserto, somos informados que ele tem um irmão chamado Walt que mora em Los Angeles, que ele se chama Travis e que está desaparecido há quatro anos. Walt vai buscá-lo e o leva à Los Angeles em uma longa viagem na qual Travis se mantém mudo, disperso e consternado. Apenas a menção a duas pessoas parecem o despertar para o mundo: a de seu filho Hunter (que está sob os cuidados de Walt e sua esposa Anne) e a da mãe dele, Jane (Nastassja Kinski), que também desapareceu.

Paris, Texas conta a trajetória de Travis na tentativa de recuperar seus laços afetivos após ter renunciado à sua vida social e fugido em direção ao deserto por tanto tempo, "perdido, em um país enorme, onde ninguém o conhecesse, num lugar sem língua ou ruas", como o próprio personagem explica. É um filme sobre a incomunicabilidade humana apresentando uma série de encaixes e desencaixes afetivos de maneira econômica, sutil, com poucos diálogos e sem exageros. Gradualmente, investimos nossa simpatia em um personagem praticamente alheio à vida social, que parece ter perdido a memória, que pouco fala, e que abandonou o filho.

Só nos deixamos cativar mesmo por Travis quando ele reencontra Hunter e nos mostra, meio que sem jeito e com a ajuda do garoto, que merece a condição de pai. Seja através de uma furtiva troca de olhares durante a projeção de um antigo filme de família em Super-8, ou quando Travis se esforça em ser um pai ideal, perguntando à empregada hispânica como um pai costuma trajar-se e portar-se, ou ainda na definidora cena em que Hunter finalmente volta da escola caminhando com Travis, um de cada lado da rua. Cheias de lirismo e ternura, são essas cenas que nos fazem gostar de Travis e torcer por ele, a ponto permitirmos sem maiores problemas que o pequeno Hunter o acompanhe em busca de Jane, em uma outra viagem pelas terras americanas.

O encontro entre Jane e Travis, quando este descobre que a mãe do seu filho trabalha em um peep show remonta o passado e reafirma os desencaixes. O lugar escolhido não podia ser mais adequado. Além das circunstâncias perturbadoras em que se dá o reencontro, os limites do espaço proporcionam o funcionamento da cena mais comovente do filme: o vidro da cabine do peep show funciona como barreira, impedindo o contato direto entre os dois. Travis pode ver Jane, mas o contrário não é possível, de modo que ela pense que Travis é apenas mais um cliente. Ela olha para seu próprio reflexo e conversa com um homem cuja voz não identifica e que, com o rumo da conversa, vai descobrindo ser de Travis. O fato de não se verem face à face ressalta a condição irremediável em que o casal se encontra, em uma cena de reconhecimento triste interpretada na medida certa.

O tema da solidão, a contenção dramática e a economia narrativa justificam um filme lento. Os planos longos, com muitos silêncios e pouca ação dão o tempo necessário para absorver as imagens e se envolver com a história. O violão acústico de Ry Cooder (slide guitar blues) se encaixa da mesma forma, entrando no tom do filme (seja com um blues solitário, como quando Travis está no deserto, ou com scores melódicos, quando ele está com Hunter).

As externas em vários lugares dos Estados Unidos configuram um road movie, uma das marcas autorais de Wim Wenders. No percurso de Mojave a Los Angeles e depois a Houston, a paisagem ocupa um espaço privilegiado, com o uso de planos abertos e panorâmicas. Mesmo quando Travis está na casa de seu irmão, é no quintal com vista para a cidade que se passam a maioria das cenas. A andança do protagonista acaba nos mostrando, assim, o olhar de Wenders sobre os Estados Unidos.

O próprio título do filme é também uma menção a um desses lugares. Paris é o lugar no Texas onde Travis foi concebido pelos pais. É o lugar onde Travis comprou um lote, no meio do deserto, e cuja fotografia é uma das únicas lembranças que carrega. O lugar onde tudo começou".

O campo dos sonhos (1989): um filme que usa o baseball como pano de funo para dissecar a relação entre pais e filhos, além de versar sobre a importância que devem ter os sonhos em nossas vidas. Jovem fazendeiro (Costner) recebe mensagem do além para transformar sua plantação em quadra de baseball, onde famoso jogador já morto "Shoeless Joe" (Ray Liotta), maior ídolo do seu falecido pai, deverá retornar para jogar novamente. Enquanto constrói obstinadamente a quadra, encontra várias personalidades já desaparecidas. Atuações impecáveis (também o que esperar de James Earl Jones e o fabuloso Burt Lancaster?), uma bela fotografia e uma trilha comovente (James Horner).

Digno de nota: Um ator que se destacou bastante nos anos 80 foi o sempre eficiente William Hurt. Em Corpos Ardentes (1981) é um advogado medíocre até encontrar a personagem de Kathleen Turner e se envolverem intensamente (putz, as cenas de sexo eram de cair o queixo!). Juntos confabulam matar o marido dela. Um filme tipicamente noir que marca a estréia na direção de Lawrence Kasdan. Além de ganhar o Oscar em O Beijo da Mulher Aranha em 1985 (no qual também atuava com sua namorada na época a atriz brasileira, eterna Gabriela, Sônia Braga e dirigido por Hector Babenco), também foi indicado pelo belo filme Filhos do Silêncio (1986) e pelo ótimo Nos bastidores da Notícia (1987) de James L. Brooks (Laços de Ternura) que aborda muito bem o universo jornalístico.

Termino esse post com a imagem de uma das cenas mais fodas da história do cinema. Paris, Texas, uma obra-prima.

Obs: Agradeço ao site Adoro Cinema pelas sinopses gentilmente roubadas.

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 30)

2005-03-09T20:10:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"An essential characteristic of the superhero mythology is, there's the superhero, and there's the alter ego. Batman is actually Bruce Wayne, Spider-Man is actually Peter Parker. When he wakes up in the morning, he's Peter Parker. He has to put on a costume to become Spider-Man. And it is in that characteristic that Superman stands alone. Superman did not become Superman, Superman was born Superman. When Superman wakes up in the morning, he's Superman. His alter ego is Clark Kent. His outfit with the big red "S", that's the blanket he was wrapped in as a baby when the Kents found him. Those are his clothes. What Kent wears, the glasses, the business suit, that's the costume. That's the costume Superman wears to blend in with us. Clark Kent is how Superman views us. And what are the characteristics of Clark Kent? He's weak, he's unsure of himself... he's a coward. Clark Kent is Superman's critique on the whole human race. Sort of like Beatrix Kiddo and Mrs. Tommy Plympton" (Bill)

Anos 80. Adrenalina na veia. Super-homens sem super poderes, mas com super armas. Os filmes de ação nunca estiveram tão em alta como na década antepassada. Desconhecidos atores tornaram-se ídolos e ícones do gênero. A importância deles é tão grande que ainda hoje procuramos nos The Rock, Vin Diesel da vida um pouco do que foi Schwarzenegger, Stallone, Willis e o maior canastrão do ramo, Steven Seagal (É impressionante a legião de fãs que possui esse homem cafona, com roupas extravagantes, rabinho de cavalo e voz rouca. Odeio suas mesmas caras e bocas e aquela mensagem natureba e politicamente correta irritante dos seus "filmes").

Vocês têm idéia de quantos mortos existem em Comando de Matar? Pra salvar sua filha, Schwarzzie faz de tudo, até mesmo matar um exército de inimigos e nem levar uma balinha de raspão.

Saindo do limbo dos filmes pornôs, Stallone destacou-se em Rocky, vencedor do Oscar de 1976 e até conseguiu sua única (e última) indicação ao prêmio. O herói dos ringues vestiu um calção verde-musgo, virou as costas e amarrou aquela fitinha tão característica (as bibas se arrepiaram, não?). Surgia Rambo: um herói à prova de balas, flechas, lanças, bombas, qualquer coisa...

Não deixando Rambo totalmente de lado, surge Cobra, o mais violento dos seus personagens. Que Robocop que nada, Cobra é o nosso robô favorito, uma máquina de matar. Lembram-se daquela cena clássica da pizza? Cobra rules!

Porém, nessa época surge, ao meu ver, o melhor e mais talentoso ator de filmes de ação. Proveniente do divertido seriado A Gata e o Rato, Bruce Willis mescla em seus filmes um humor altamente cínico com ação de primeira.

Enquanto criávamos uma rivalidade inexistente entre nossos heróis, eles abriam uma lucrativa (e já falida) rede de restaurantes, o Planet Hollywood.

E quem disse que comediantes não podem ser bons atores de ação? É só chamar o antigo integrante do Saturday Night Live, Eddie Murphy. Em 48h, co-protagonizado pelo sempre ótimo Nick Nolte em 1982, ambos vivem dois policiais de personalidades diferentes que têm que unir forças para acabar, pra variar, com a bandidagem (na verdade, Murphy acabou virando tira no filme). Em Um Tira da Pesada de 1984, mescla, muito bem, humor com adrenalina de primeira. E aquela canção-tema do filme grudou em nossas memórias, não?

Agora se vocês me perguntam qual meu favorito de Eddie Murphy, direi sem pestanejar: O Rapto do Garoto Dourado. É aventura de primeira, com artes marciais e todo humor bem Murphy de ser.

Um dos filmes policiais que mais gostei dos anos 80 é Chuva Negra (1989), dirigido por Ridley Scott e protagonizado por Michael Douglas. Aqui Douglas é um detetive da divisão de homicídios da NYPD que prende um poderoso gangster japonês. Juntamente com seu parceiro (Andy Garcia) são chamados para escoltar o tal gangster até o Japão, só que estão indo em direção a uma armadilha da própria máfia japonesa que tenta resgatar o bandido. As cenas de ação e perseguição (Ridley Scott fazendo o que gosta!) são muito boas, assim como (atenção, spoiler!) a morte do personagem de Andy Garcia. O estilo visual do filme é excelente e Douglas torna seu personagem verossímil, cool e um dos mais interessantes do gênero.

Kurt Russel é outro ator que se destaca no gênero ação, mas foi um um filme despretensioso e soberbamente cool - Os aventureiros do bairro proibido de John Carpenten - que o tornou conhecido. Pobre dos que têm olhos verdes. Fosse eu, já estaria a léguas de distância... Sobrou até para a Samantha de Sex and the city!

Falando em Kurt Russel, às vezes ele varia os gêneros dos filmes em que participa. E há um filme que ele co-protagoniza com a Goldie Hawn que é bem bacaninha. O título do filme é "Um Salto para a Felicidade" (1987) e é dirigido por Garry Marshall (Uma Linda Mulher, Amigas para sempre, Noiva em Fuga, Simples como amar etc) e conta a história de uma dondoca (Goldie Hawn) que quer construir um closet no seu iate e contrata um carpinteiro interioriano (Russel). Ela não o deixa olhá-la cara a cara e ainda inventa de se arrumar justamente no momento de entregar o salário para o personagem de Russel que vai embora nada contente. Já no seu segundo dia de trabalho, vê sua patroa cair feio do barco e perder a memória. Pra se vingar da megera e também como uma forma de recuperar sua grana, resolve inventar que ela é sua esposa e mãe dos seus filhos e aí começa o processo de humanização e redenção da personagem e óbvio que eles se apaixonam. Pode até ser bobinho, mas eu gostei bastante. Opa! Empolguei-me... Esse post é sobre filmes de ação, Karinnéa :P...

Retornando aos filmes de ação, se John Woo apareceu nos anos 90 para o cinema mundial e deu uma animada no gênero, até ele já caiu no marasmo... Cadê os grandes filmes de ação? Nem bacaninhas como A Rocha, A outra face existem mais...

Charles Bronson

O velho durão se foi em agosto de 2003. Seu lema era punhos, armas e expressão fechada. Conquistou apelidos como "Il Brutto" e "Le Sacre Monstre". A primeira vez que o vi foi no western Sete homens e um destino. Um homem no seu estado bruto, mas que cativou bastante as crianças daquele vilarejo com sua doçura velada. Fiquei impressionada com aquele homem de poucas palavras, mas de gestos marcantes.

No início de sua carreira, fez muitos tele-filmes, produções B até se destacar em Sete Homens. Nos anos 60, destacou-se em filmes como Os Quatro Heróis do Texas, Fugindo do Inferno e Os Doze Condenados. Foi para Europa, onde fez alguns filmes e consolidou sua carreira após sua participação na obra-prima Era uma vez no Oeste do mestre Sergio Leone. Nos anos 80 fez filmes como Dez Minutos para Morrer (1983), Justiça Selvagem (1984), Murphy’s Law (1986) e Kinjite: Desejos Proibidos (1989). Tornou-se popular no mundo inteiro e ficou mais famoso após o sucesso da franquia Desejo de matar onde interpretava um arquiteto em busca de vingança quando sua mulher é assassinada e sua filha fica em estado gravíssimo após ser estuprada. O primeiro filme é de 1974 e as continuações foram exibidas em 1982, 1985 e 1987. O filme foi muito criticado por fazer apologia à violência, mas se compararmos com as cenas grotescas gratuitas que aparecem nas telas hoje em dia, esse filme é quase para criancinhas. Bons tempos quando o velho durão mandava no pedaço!

48 Horas (1982): "Nick Nolte e Eddie Murphy formam uma das mais incomuns e interessantes duplas de todos os tempos, neste empolgante filme de Walter Hill. Nolte é um tira enfurecido, que está atrás de dois perigosos assassinos de policiais. Mas ele não vai conseguir sem o auxílio do esperto Murphy, que está cumprindo pena pelo roubo de meio milhão de dólares. Essa improvável parceria consegue tantas gargalhadas quanto pancadaria, à medida que cada qual busca atingir seu objetivo: Nolte quer os bandidos e Murphy quer recuperar o dinheiro roubado e também quebrar o jejum de companhia feminina. Preste atenção à hilariante cena do bar típico de faroeste - você vai querer repetir mais de uma vez".

Comentando: o diretor Walter Hill consegue pegar os clichês do gênero e usá-los de uma maneira interessante, fazendo com o que o filme não se torne um mero repeteco.

Duro de matar (1988): "John McClane (Bruce Willis) é um detetive de Nova York que está indo a Los Angeles para se encontrar com sua esposa (Bonnie Bedelia), que trabalha em uma empresa japonesa. Porém, ao chegar no prédio onde ela trabalha, percebe que o edifício está sendo assaltado por um bando de terroristas e decide atrapalhar seus planos para resgatar sua mulher".

Comentando: E não é que John McTiernan conseguiu acertar uma? O filme te prende do começo ao filme, Alan Rickman detona como o vilão e Bruce Willis é muito melhor que o Cobra.

Rambo: A trilogia começou em 1982 em Rambo - Programado Para Matar. O segundo filme, Rambo II - A Missão, foi exibido em 1985 e o último filme Rambo III foi lançado em 1988. Na verdade, os dois últimos filmes mostram Rambo tentando salvar reféns em qualquer canto do mundo e apenas o primeiro soa original. Neste longa, Rambo é um veterano da Guerra do Vietnã que é preso injustamente pelo xerife (Brian Dennehy) de uma cidade, mas consegue fugir e faz uma guerrilha contra a cidade inteira. Já no segundo filme, começa sua tour pelas matas e até o Exército Americano o abandona. A melhor parte é quando a namoradinha dele morre com aquela lança :P. Até virou moda nos filmes de ação a mocinha entrona (na maioria da vezes, entra no meio da história) e que, para salvar o amado, morre (lembram o Rapto do Garoto Dourado?)... Já no terceiro filme, ele sai de um retiro pra salvar seu mentor que está no poder dos soviéticos na época da ocupação dos mesmos no Afeganistão. Resumindo: ação descerebrada para mentes estressadas.

Comando para matar (1985): olha quem me disser que esse filme não é inverossímil, me dá o nome, endereço, que eu interno. Tudo bem, cinema é ficção, não precisa se ater na realidade, um pouco de imaginação sempre é bom e etcetera e tal. Mas não acham que até na mentira tem que haver um pouco de coerência? Aqui Schwarzenegger é "John Matrix, um coronel aposentado, que há dez anos vive para Jenny Matrix (Alyssa Milano :O), sua filha. Repentinamente ela é seqüestrada por Arius (Dan Hedaya), um ex-ditador latino-americano que espera recuperar o poder, e que para isto chantageia Matrix, ordenando-o que mate o presidente Velasquez, o atual mandatário. Mas John foge do avião e tem só 11 horas para resgatar Jenny antes que descubram que escapou e não pretende cometer nenhum assassinato. Na sua tentativa só encontra obstáculos pelo caminho e a única pessoa que fica do seu lado é Cindy (Rae Dawn Chong), uma aeromoça." Agora me lembrei da cena do fuzil que ela solta... Apesar de tudo, é bem assistível.

Comando Delta (1986): "Extremistas políticos tomaram inocentes como reféns... e apenas os super-soldados Chuck Norris e Lee Marvin podem resgatá-los nesta "impressionante mistura de fatos, fantasia e aventura" (Variety). Co-estrelando Martin Balsam e Shelley Winters, Comando Delta apresenta 130 minutos de ação explosiva! Quando um avião norte-americano de passageiros é tomado por seqüestradores e levado para Beirute, o Presidente chama o Comando Delta - uma equipe de ataque comandada pelo Coronel Nick Alexander (Marvin) e o Major Scott McCoy (Norris). Enfrentando todas as adversidades, os homens invadem o esconderijo e - sem levar nenhum prisioneiro - resgatam os reféns. Mas a missão ainda não acabou. Alguns passageiros remanescentes estão sendo "escoltados" a Teerã, o que dá início a uma corrida contra o tempo a medida que Alexander e McCoy tentam salvá-los e vingar a honra da América, antes que seja tarde demais".

Comentando: é um filme que vi há séculos atrás, mas que me lembro de vários detalhes. Só era meio anta psicodélica porque achava o Chuck Norris um bom ator. Na verdade, quem manda ver no filme é o saudoso Lee Marvin. Chuck Norris, por sinal, foi um dos grandes astros do cinema de ação nos anos 80 e sua filmografia é extensa e constam nela filmes como o Lobo Solitário (1983), Invasão USA (1985). Consolidou sua carreira em 1983 através do coronel valentão James Braddock (Braddock - O Super Comando), que ainda apareceu nas continuações Braddock 2 – O Início da Missão (1985) e Braddock 3 – O Resgate (1988). Valia a pena pelas cenas de luta, já que Norris foi discípulo do inigualável Bruce Lee.

Máquina Mortífera: Dos quatro filmes da série, dois foram exibidos nos anos 80. O primeiro foi lançado em 1987 e o segundo em 1989. Richard Donner aqui soube dosar muito bem ação com momentos de humor e a ótima química entre o certinho Danny Glover e o kamikaze Mel Gibson é mais um atrativo dos filmes.

Os aventureiros do bairro proibido (1986): não é lá um filme de ação, já que é mais aventura, contudo tinha que colocar um filme com Kurt Russel que também foi um dos astros dos filmes de ação (Conspiração Tequila, Tango & Cash etc) e como já falei de Fuga de Nova York, esse é meu filme favorito com sua participação. Aqui ele vive um motorista de caminhão que vê a namorada de seu amigo chinês ser seqüestrada. Ele tenta salvá-la e acaba batendo de frente com uma gangue mística que habita os subterrâneos localizados sob o bairro de Chinatown. E nessa confusão com um mago de mais de 2000 anos com fixação por olhos verdes, até sua própria namorada (Kim Cattrall) é seqüestrada pela gangue. Agora ele tem que mandar ver... Na época do seu lançamento, foi criticado de ser um clone de Indiana Jones, o que eu acho totalmente sem noção. É um filme que homenageia de uma forma leve, divertida e despretensiosa a cultura oriental e seus samurais.

Não posso me esquecer de que o Clintão também detonava nos filmes de ação com seu jeitão linda dura e de poucas palavras. Na sua vasta filmografia tanto como ator e diretor nos anos 80 constam: Punhos de Aço - Um lutador de rua (apenas atua) e Bronco Billy (1980), Raposa de fogo e Honkytonk Man (1982), Impacto fulminante (1983), Um agente na corda bamba e Cidade ardente (1984, apenas atua em ambos), O cavaleiro solitário (1985), O destemido senhor da guerra (1986), Bird e Dirty Harry na lista negra (1988, apenas dirigindo e atuando, respectivamente), O cadillac cor-de-rosa (1989). Não posso deixar de falar do quase anos 80 Alcatraz - Fuga impossível (1979, apenas atuando).

E é no fim dos 80 que surgem os platinados medíocres Dolph Lundgren e Van Damme que reinariam durante o início dos anos 90, mas que atualmente (graças a Deus!) estão no maior ostracismo. Ai que saudade dos bons filmes de ação!

PS: Agradeço novamente ao site Adoro cinema por algumas sinposes gentilmente copiadas.

Frase do dia: "Crime is a disease. Meet the cure".

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 29)

2005-03-08T02:55:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"Se tendes o dom de ler as sementes do tempo e dizer quais hão de germinar e quais não, falai" (William Shakespeare).

O texto acima, por si só, se apresenta como um perfeito resumo dos filmes que vou falar. Dois filmes sensacionais e marcantes.

Sociedade dos Poetas Mortos (1989)

Renato Russo citava na sua canção "Pais e Filhos": "... Você me diz que seus pais não entendem... Mas você não entende seus pais... Você culpa seus pais por tudo... E isso é absurdo... São crianças como você... O que você vai ser, quando você crescer?" Será que ele está de todo correto? Indubitavelmente nossos pais não agem de má fé, sempre almejam o melhor para nós, mas será que esse tão declamado "NÓS" também nos pertence? Será que queremos abraçar esse "NÓS" para o resto das nossas vidas? Ou o "NÓS" é mais um epíteto da matrix das nossas vidas? Palmas para a mediocridade do "NÓS"? Por onde anda os "NÓS" pensantes?

Esse é um dos temas abordados por esse soberbo filme dirigido com perfeição e sensibilidade por Peter Weir. Um filme que não precisa de muitos estilismos de câmera, de efeitos especiais, mas de um roteiro simples e sincero e de um elenco visceral e coeso. Assim é Sociedade dos Poetas Mortos.

Um colégio tradicional onde a disciplina é extrema e o estudo é intenso. Primeiro dia do ano letivo, tudo aparentemente normal. Logo percebemos que a tradição aqui é assunto freqüente e a pressão familiar maior ainda. Você é não você, mas mais um membro da família Anderson e você tem que ser tão ou melhor que seus irmãos mais velhos. Uma tradição a seguir! Eis que surge o novo professor de Literatura, ex-aluno do próprio colégio, John Keating (Robin Williams). Entra na sala de aula assobiando e desperta a curiosidade dos alunos. Chama-os para o corredor e os leva até a sala de troféus. Entre os troféus, várias gerações de ex-alunos daquela instituição. Pede-se silêncio e que a atenção de todos volte-se para os rostos de todos aqueles garotos. Keating lança perguntas ao alunos: "O que aconteceu com eles? Para onde foram? O que fizeram de suas vidas? Suas vidas valeram a pena?"

Incompreensão e desconforto dominaram os alunos. O que aquilo tinha a ver com a aula de Literatura? E é a partir deste ponto que Keating começa a semear a capacidade de reflexão daqueles jovens tão dominados pela passividade. Afinal, será que estamos fazendo valer nossa existência? "Carpe Diem", ou seja, aproveitem suas vidas. Ele os mostra que aqueles jovens são tão semelhantes a eles: mesmos ideais, hormônios em embulição, fragilmente invencíveis. O tempo passa em um piscar de olhos: um dia estão em pé diante daquelas fotos, outro dia são os personagens daquelas fotografias esmaecidas e amareladas, ou pior, tornamos-nos comidas de vermes. E aí, valeu a pena? Será que não perdemos a riqueza contida na vida? "But if you listen real close, you can hear them whisper their legacy to you. Go on, lean in. Listen, you hear it? - - Carpe - - hear it? - - Carpe, carpe diem, seize the day boys, make your lives extraordinary".

Durante nossa vida escolar, debatemo-nos com rostos ora amigos, ora simpáticos, ora esquisitos, ora ranzinzas, ora sádicos, toda essa fauna é formada por nossos professores. Uns passam despercebidos e não que sejam maus profissionais, todavia não têm aquele plus que nos fazem apadrinhá-los, que se tornam verdadeiros educadores e mestres, alicerce fundamental para o cidadão que seremos. Keating tenta quebrar a barreira da opressão e do conformismo, usa a poesia como metáfora para nossas vidas. Não há regras, páginas já escritas. Somos poemas sentidos, livros abertos à espera de uma caneta que nos conduza.

Segundo Keating, é importante estudar para que nos tornemos advogados, engenheiros ou médicos, mas o que torna nossas existências válidas tem a ver com o espírito, com o prazer e, a poesia e a literatura são fontes riquíssimas nesses quesitos. O mestre os inspira a abrir uma antiga sociedade da qual o próprio Keating fazia parte na época escolar. Inicialmente uma brincadeira, algo diferente do que estavam acostumados a fazer, mas chega a um ponto em que os poemas penetram suas almas, tornam-se inspiração para deixar de lado a mediocridade de suas vidas e seguir rumo aos seus sonhos. Todos os alunos envolvidos sentem uma verdadeira renovação em suas existências, encontram novos interesses e vocações, tomam coragem de declarar seu amor seja por uma garota ou seja pela arte. Todos parecem ter despertado de um sono profundo, de uma letargia tão envolvente que lhes tragava a juventude sem possibilidades de volta.

Não podemos ser o berço das frustrações de outros, não podemos continuar a viver a vida dos nossos pais por mais bela e agradável que aparenta ser. Precisamos de uma identidade própria e não podemos permanecer sendo cópias xerocadas, onde a perpetuação da espécie vai além do ato de procriar.

Keating não declama um mundo utópico, mas alimenta nossos sonhos, porque eles simplesmente são necessários. Mas nem tudo são flores, a guerra se vence dia após dia, alguns esmoecem, acovardam-se, desistem, mas outros, Oh Captain, my Captain, assimilam sua mensagem com louvor.

Conta comigo (1986)

"O escritor Gordie Lachance (Richard Dreyfuss) recorda quando tinha entre doze e treze anos no verão de 1959, quando vivia em Castle Rock, Oregon, uma localidade com 1281 habitantes que para ele era o mundo inteiro. Gordie tinha três amigos inseparáveis: Chris Chambers (River Phoenix), Teddy Duchamp (Corey Feldman) e Vern Tessio (Jerry O'Connell). Chris era o líder natural deste pequeno grupo, mas a família dele não era boa e todo mundo sabia que ele ia se dar mal na vida, inclusive ele. Teddy era emocionalmente perturbado, pois o pai tinha acessos de loucura e se Gordie era o intelectual do grupo, Vern era o mais infantil, mas foi ele quem veio com a notícia que iria modificar a vida dos quatro. Tentando achar um vidro cheio de moedas que tinha enterrado, Vern ouviu por acaso Billy Tessio (Casey Siemaszko) e Charlie Hogan (Gary Riley) falando onde estava o corpo de Ray Brower, um garoto da idade deles que tinha ido colher amoras há três dias e nunca mais tinha sido visto. Chris e Teddy queriam achar o corpo, pois vislumbravam a possibilidade de se tornarem heróis. Vern, embora indeciso, acabou cedendo, mas Gordie não conseguia se entusiasmar, já que naquele verão tinha se tornado "um menino invisível", pois há quatro meses Denny (John Cusack), seu irmão mais velho, morreu em um acidente de jipe e seus pais ainda não tinham conseguido se recuperar. Cada um deu uma desculpa em casa e partiram para tentar encontrar o corpo. Nenhum deles tinha idéia que esta viagem se transformaria em uma jornada de autodescoberta que os marcaria para sempre.

Eles fumam escondidos, contam casos assustadores e descobrem que precisam ficar unidos e encontrar forças que nem imaginavam possuir. Conta Comigo é um filme raro e especial sobre a amizade e as indeléveis experiências do crescimento. Cheio de humor e suspense, o filme é baseado no romance "The Body", de Stephen King" (Adoro cinema/2001 Vídeo)

"Nunca mais tive amigos como os que tive quando tinha 12 anos" diz, em certo momento, Gordie. Muitos dos meus amigos foram perdidos de tantas formas: distância, casamento, brigas bobas. E essa dor é tão pungente, porque podemos viver sem amores, mas nunca sem amizade. O que fiz de errado? Ou será mesmo conseqüência dos nossos destinos que não se cruzam mais? Rob Reiner (mesmo diretor de Harry & Sally e Sintonia de Amor) dirige impecavelmente esse filme e consegue atuações soberbas dos quatro atores mirins.

O ombro amigo, o companheirismo e a confiança sem limites da amizade... Nostálgico e melancólico! Esse filme é um álbum de fotos antigas que tomam vida nas nossas mentes. Brincadeiras, aventuras, amores não correspondidos, broncas, os uniformes cheios de assinaturas, o braço com gesso que todos autografam, as festinhas americanas... Nas últimas cenas, vemos que eles se separam e que aquela não é uma despedida comum. Eles estão se despedindo, pois sabem que aquela pode ter sido sua última aventura. Eles estão se despedindo pois sabem que a infância acabou, que perderam a inocência e que amadureceram.

Ademais a vida não se resume a uma cidade de 1500 habitantes. O tempo passou para os quatro garotos de Castle Rock. E passa para nós também. Lembrem-se sempre de seus amigos e quando chegar a hora de partir, deixem que partam. Deixem que saiam de suas vidas, mas guardem cuidadosamente os momentos bons. E um conselho: assistam a Conta Comigo outra vez após ter lido esse texto. E se deixem emocionar. Não se espantem se não conseguirem segurar as lágrimas com as lembranças de seus amigos que surgem. Afinal, o filme foi feito pra isso...

Música do dia:

Dá pra imaginar uma música que se encaixa tanto em um filme, mesmo não tendo sido feita para ele? Assim é Stand by me.

When the night has come,
and the land is dark.
And the moon,
is the only light we'll see.

No, I won't, be afraid
Oh I-iiiiii won't
Be afraid
Just as long as you
stand, stand by me.

So darlin', darlin'
stand...by me
Ohhhh stand by me (x2)
Stand by me,
Stand by me.

If the sky -
that we look upon,
Should tumble and fall.
or the mountain,
Should crumble to the sea.

I won't cry, I won't cry.
No I-iiii won't shed a tear.
Just as long
As you stand
Stand by me.

And darlin', darlin'
Stand, by me.
Ohhhh stand by me.
Woahh stand now,
Stand by me.
Stand by me.

(Instrumental Portion)

Darlin', darlin'
Stand, by me.
Ohhh stand, by me.
Stand by me.
Stand by me.

Whenever you're in trouble,
Wont you stand, stand by me.
Stand by me.
Ohhh stand by me.

HASTA!

SAUDADE DOS 80 (parte 28)

2005-03-06T05:06:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"I'm afraid. I'm afraid, Dave. Dave, my mind is going. I can feel it. I can feel it. My mind is going. There is no question about it. I can feel it. I can feel it. I can feel it. I'm a... fraid. Good afternoon, gentlemen. I am a HAL 9000 computer. I became operational at the H.A.L. plant in Urbana, Illinois on the 12th of January 1992. My instructor was Mr. Langley, and he taught me to sing a song. If you'd like to hear it I can sing it for you."

Blade Runner - O Caçador de Andróides (1982)

"I`ve seen things you people wouldn`t believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhauser gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die".

Inicialmente massacrado, tornou-se cult após lançarem a versão uncut do diretor Ridley Scott. Se eu já tinha gostado antes, passei a amar depois.

O ano é 2019 e as cenas iniciais de uma Los Angeles caótica e sombria(méritos para a excelente fotografia) são de impressionar. Deckard (Harrison Ford) é um quase aposentado caçador de andróides que volta à ativa com a missão de capturar ciborgues replicantes que adquiriram emoções. Estes ciborgues roubaram uma nave e aniquiliram toda a tripulação e entraram ilegalmente na Terra.

Dirigido magistralmente por Ridley Scott numa nítida homenagem aos filmes noir, cria um cenário que remete Metrópolis de Fritz Lang, com aqueles corredores estreitos, aquele ar sufocante e o visual futurista estoteante. Atuações impecáveis, diálogos profundos e reflexivos. Vale também destacar a trilha composta por Vangelis que, no mínimo, é soberba.

Os personagens do filme são densos, introspectivos, cheios de significados e simbolismos. A cada encontro entre o Blade Runner e um replicante a trama se torna mais intrincada e complexa mostrando conflitos emocionais interiores e entre os personagens que colocam sob dúvida toda a estrutura da sociedade existente.

O que vai ser do nosso futuro? Por que nos é imbutido que a felicidade vem acoplada à tecnologia? Não sou contra os avanços tecnológicos, mas devemos repensar o motivo pelo qual tanto buscamos a inteligência artificial. E o que acontecerá com os futuros clones? Terão direitos como nós? Ou serão renegados? Receberão nosso olhar preconceituoso e de superiodidade? Se condenávamos a escravidão dos negros e índios, qual o intuito dos ciborgues? Não é uma escravatura velada? Todos temem que um dia a criatura se volte contra seu criador como vemos no filme Exterminador do Futuro, mas alguém teme pelas máquinas? Se você analisar superficialmente, HAL é manipuladora e maquiavélica, entretanto ela não é fruto de nós mesmos e a verdadeira vítima da nossa cobiça?

Além destas questões, em vários momentos do filme Ridley Scott coloca na boca dos replicantes rebelados (HOMEM) em luta com o policial Blade Runner (SISTEMA) questões essenciais para nós: "O criador pode consertar a criação?" Ou ainda: "Que experiência é viver com medo. Isso é ser escravo." Ou "É doloroso viver com medo." São questões que também dizem respeito ao homem contemporâneo que vive em uma sociedade acostumada com a cultura do medo investida por nossos próprios governantes.

Outro ponto também bastante comentado no filme é sobre a imortalidade. Não são só os replicantes que não querem viver apenas quatro anos, nós mesmos avançamos cada vez mais na Medicina numa busca incessante sobre o segredo da imortalidade. A literatura e o cinema refletem bastante essa procura insaciável através de lendas como a Pedra Filosofal, Santo Graal, água da vida etc. Isso me faz lembrar do primeiro Highlander e seu tom melancólico sobre a imortalidade. Vale a pena ver todos que amamos indo embora? Temos que ter maturidade para saber que tudo nessa vida tem um começo e um fim.

O filme também debate sobre a troca do ser pelo ter, o consumismo, a falta de compaixão entre as pessoas, a religião e seu equivalente tecnológico, a televisão, como ferramentas de controle e massificação e as dúvidas interiores de Richard Deckard sobre o sentido de sua própria vida (principalmente quando se apaixona por uma replicante) e de seu trabalho como caçador de andróides culminam em uma pergunta que é patente na obra do mestre da ficção Philip K. Dick: "Se nós humanos não somos mais capazes de sentir compaixão, e a partir do instante em que as máquinas, ou no caso os replicantes, são capazes de desenvolver empatia num grau maior que nós mesmos, o que é então ser realmente um humano, o que é ser real?"

Em uma galáxia muito distante dentro da sua mente, um homem chamado George Lucas criou um universo maravilhoso e excepcional. Nascia a trilogia Guerra das Estrelas, infintitamente superior aos caça-níqueis Ameaça Fantasma e o melhorzinho O Ataque dos Clones. Construiu mundos e línguas diferentes numa clara referência futurista às obras do mestre Tolkien. Apresentou-nos a personagens carismáticos como o anti-herói Han Solo, a destemida Princesa Leia, Luke Skywalker, a voz ofegante e aterrorizante de Darth Vader, o magnífico Yoda, o sábio Obi Wan Kenobi e os adoráveis e às vezes irritantes Chewbacca, C3PO e R2D2. Com uma história simples e efeitos especiais de babar para a época, Star Wars entrou no rol dos grandes clássicos sci-fi da história do cinema. Não tem a profundidade de um Blade Runner, mas arrastou milhões aos cinemas, aumentou nosso consumismo por brinquedos, joguinhos e nos deu ótimos momentos de diversão.

Star Wars: Episódio IV - Uma Nova esperança (1977): "Luke Skywalker (Mark Hammil) sonha ir para a Academia como seus amigos, mas se vê envolvido em uma guerra intergalática quando seu tio compra dois robôs e com eles encontra uma mensagem da princesa Leia Organa (Carrie Fisher) para o jedi Obi-Wan Kenobi (Alec Guiness) sobre os planos da construção da Estrela da Morte, uma gigantesca estação espacial com capacidade para destruir um planeta. Luke então se junta aos cavaleiros jedi e a Han Solo (Harrison Ford), um mercenário, e junto com membros da resistência tentam destruir esta terrível ameaça".

Comentando: Somos apresentados ao universo dos jedis e ao lado negro da Força. Como já disse, os efeitos são fantásticos para o final da década de 70. John Williams cria uma trilha que se tornaria atemporal.

Star Wars: Episódio V - O Império Contra-Ataca (1980): "As forças imperais comandadas por Darth Vader lançam um ataque contra os membros da resistência, que são obrigados a fugir. Enquanto isso Luke Skywalker (Mark Hamill) tenta encontrar o Mestre Yoda, que poderá ensiná-lo a dominar a "Força" e torná-lo um cavaleiro jedi. No entanto, Darth Vader planeja levá-lo para o lado negro da Força".

Comentando: o melhor filme da trilogia. Os personagens interagem melhor, há uma carga dramática maior e os efeitos especiais cada vez melhores.

Star Wars: Episódio VI - O Retorno de Jedi (1983): "O imperador (Ian McDiarmid) está supervisionando a construção de uma nova Estrela da Morte. Enquanto isso Luke Skywalker (Mark Hamill) liberta Han Solo (Harrison Ford) e a Princesa Leia (Carrie Fisher) das mãos de Jaba, o pior bandido das galáxias. Luke só se tornará um cavaleiro jedi quando destruir Darth Vader, que ainda pretende atraí-lo para o lado negro da "Força". No entanto a luta entre os dois vai revelar um inesperado segredo". (OHH... qual será o segredo?:P)

Comentando: o mais fraco da trilogia, mas ainda muito bom. Mas aqueles Eowks (por sinal, eles fizeram um filme solo em 1984 entitulado Caravana de Coragem)... Ninguém merece! Infantilizou demais o filme. Por sinal, a versão para o DVD fez uma mudança no final deste filme que fez muito fã ter convulsões seguidas. Spoiler para uma mente esclerosada: Yoda morre, minha gente... Morre...

Obs: Mais sobre o universo de Star Wars você encontra no blog do meu amigo Daniel, vulgo Conde Dookan... Leiam o especial dele sobre os dois novos filmes. Ele escreve tão bem, que pode enganá-los sobre a qualidade dos filmes :P.

O Exterminador do Futuro (1984): John Connor é o grande herói da humanidade que consegue acabar com o domínio das máquinas. Para destruí-lo, resolvem voltar ao passado antes do seu nascimento a fim de matar Sarah Connor (Linda Hamilton), sua mãe. Contudo um amigo de John (Michael Biehl... Uhh noossa!!) também volta ao passado para proteger Sarah do andróide vivido por Arnold Schwarzenegger. James Cameron cria um filme fascinante e com cenas de ação de tirar o fôlego.

De volta para o futuro: essa deliciosa trilogia começa em 1985. O diretor Robert Zemeckis nos conta a história de Marty McFly (Michael J. Fox) que acaba voltando no tempo acidentalmente, após fugir de carro dos bandidos que mataram seu amigo, o cientista amalucado Doc Brown (Christopher Lloyd) e acaba atrapalhando a história natural dos seus pais. Já a segunda parte foi lançada em 1989 e vemos Marty indo para o futuro resolver um problema com um dos seus filhos. Já a última parte da trilogia (1990), tanto Marty como Doc vão parar no meio do Velho Oeste Americano. Uma trilogia simpática, ágil, divertida, com ótimos atores, bons diálogos e ótimas cenas que abusam dos efeitos especiais.

Superman: O maior filme baseado em quadrinhos. Eu adoro X-men 2 e Homem Aranha 2, mas ainda vai nascer o filme que bata o primeiro Superman. Ainda vai nascer um ator que vista tão bem o uniforme de um super-herói como Christopher Reeve e olha que o Super-Homem não é nem meu personagem favorito. O primeiro dos três filmes foi lançado em 1978. Dirigido com eficiência por Richard Donner, a história começa quando Jor-El (o deus Marlon Brando), um renomado cientista, prevê o fim do seu planeta. Pra salvar seu filho, constrói uma nave para sua fuga. Desse modo, o único sobrevivente da explosão do planeta Kripton chega no planeta Terra e é adotado pelo casal Kent que esconde de todos a verdadeira origem da criança e lhe dão o nome de Clark. À medida que cresce, Clark percebe que tem superpoderes: uma força descomunal, habilidade de voar, uma audição invejável e capacidade de olhar através dos objetos. Já adulto, torna-se jornalista do Planeta Diário e se apaixona pela sua colega Louis Lane (Margot Kidder), mas atrás daquele jornalista tímido de óculos fundo de garrafa, esconde-se um super-herói em busca da paz e do bem-estar entre os homens. Enquanto ele é apaixonado por Louis, ela é apaixonada pela sua identidade secreta. Surge nesse cenário o megalômano Lex Lutor (Gene Hackman) que vê no Super-Homem seu maior empecilho. A consagrada trilha do filme é orquestrada pelo mestre John Williams e a cena mais marcante e uma das mais belas que já vi é aquela do Super-Homem dando voltas no planeta, pra voltar no tempo e salvar Louis. Quem nunca quis fazer isso?

Já o segundo filme foi exibido em 1980 e além do Lex Lutor, nosso herói terá que enfrentar aqueles três bandidos banidos de Krypton por seu pai e que estavam confinados na Zona Fantasma e que, por uma explosão, conseguem escapar. O legal desse filme é quando o Super-Homem desiste de seus poderes pra poder ter uma vida normal com Louis. Aquele castelo de gelo tem um visual fantástico e lembram que a Louis confirma que Clark é o Superman após ele se queimar naquela lareira? E aquela cena do bar? O cara toma maior surra, mas depois quando retoma seus poderes... Terence Stamp como o general Zod está fodaço. Apesar dos inúmeros problemas entre os produtores, a saída de Donner com mais de 80% do filme feito, além do Gene Hackman e Marlon Brando que também pularam fora em apoio ao Donner, ainda assim é um baita filme.

O terceiro foi exibido em 1985 e é bem fraquinho e nem tem a Louis nem o Lex e sim a Lana Lang que todo mundo começou a conhecer melhor depois da ótima série Smallville. Por sinal, a atriz Annete O' Toole que faz a Lana é a mãe do Clark no seriado. E ainda tem o Richard Pryor!? Elemento de humor? Putzz... Aqui o Superman enfrenta um gênio da informática que pretende dominar o mundo. Já o último filme que foi lançado em 1987 é um samba do crioulo doido, sem nexo nenhum, mesmo com a volta de Hackman como Lex Lutor.

Krull (1983): "Uma jornada a um tempo místico e a um lugar que não pertence ao presente ou ao passado, onde existem incríveis criaturas mágicas".

Comentando: aqui acompanhamos a jornada de um príncipe para resgatar sua amada em um planeta cheio de perigos. Receita do filme: 1,3kg de Star Wars + 1,5Kg de Excalibur e 1,6kg de Conan, coloca em forno morno e pronto. E não é que a mistura ainda saiu legal, digo, muito legal! Lembram que se alguém olhasse pra cabeça da medusa virava pedra? Muito massa!

O último guerreiro das estrelas (1984): "Saudações, Guerreiro Estelar! Você foi recrutado pela "Liga Estelar" para defender a "Fronteira" contra XUR e a Aramada Ko-Dan!" Um garoto aficcionado em um determinado jogo de fliperama não faz nem idéia que, após zerar o jogo, abre um portal para um outro universo e que ele é o único que pode salvar a humanidade. O filme também tem bons efeitos de computação gráfica.

Duna (1984): "Em 10.190 D.C., um duque e sua família são mandados pelo Imperador para Arrakis, um árido planeta conhecido como Duna, que tem uma matéria essencial às viagens interplanetárias: a Especiaria. O motivo desta mudança é que o Imperador planeja destruir o duque e sua família, mas seu filho escapa e procura se vingar usando a ecologia deste mundo como uma de suas armas".

Comentando: imaginem uma ficção científica baseada em um livro famoso dirigida sob a perspectiva de David Lynch... Assim é Duna. É um filme tão cheio de detalhes que é necessário rever o filme para captar todas suas nuances. Tem um figurino e uma fotografia incríveis. O roteiro é extremamente inteligente e mescla fantasia com ficção e e mesmo que você não tenha lido nos créditos inciais que é um filme "lynchiano", notará rapidamente seu universo lá. Depois de ver Duna, passei um tempão in love pelo Kyle McLachlan :P...

O mercenário das galáxias (1980): esse filme veio na cola do sucesso de Star Wars, mas tem seu crédito. Aqui sete mercenários do futuro se reúnem para defender uma colônia de fazendeiros de um soberano maquiavélico. Destaque para a ótima trilha de James Horner.

Fuga de Nova York (1981): "Em 1997, Nova York se tornou uma prisão de segurança máxima, onde estão os piores criminosos. Se fugir de lá é impossível, entrar é no mínimo insano, mas quando o avião do Presidente (Donald Pleasence) cai em Manhattan, é oferecida a liberdade a um condenado e herói de guerra (Kurt Russell) para resgatar o mandatário".

Comentando: O que dá nesses diretores e produtores de quererem dar continuidade em produtos que dão certo? Tudo bem, às vezes acertam, mas o que é Fuga de L.A., Mr. Carpenter? Meu camarada Snake não merecia aquela continuação. Snake Plissken simplesmente ruleia!! O filme é um misto de ação e ficção, empolgante, criativo e original. Carpenter aqui faz o que quer com sua câmera e vale também destacar a ótima participação de Ernest Borgnine. Filmaço!

Tron (1982): nesse filme Jeff Bridges vive um programador de computador que literalmente entra no PC (Imagina se eu entrasse na máquina de uns aí? Se entrasse no meu computer, ia fumar um baseadozinho (brincadeirinha!!), porque esse meu bebezinho aqui é tão rápido...). Para voltar ao mundo real, ele tem que superar uma série de desafios produzidos pelo "controle-mestre". Junto com Jogos de Guerra (1983), esse filme marcou a década de 1980 ao contar com computadores como personagens. Além de ser uma importante contribuição para os efeitos especiais gerados por computação gráfica.

Dignos de nota: Não posso deixar de falar que a Entreprise também fez suas viagens na telona dos cinemas nos anos 80:

Star Trek II - The Wrath Of Khan (1982)
Star Trek III - The Search For Spock (1984)
Star Trek IV - The Voyager Home (1986)
Star Trek V - The Final Frontier (1989)

Ainda também devem ser destacados o primeiro filme da trilogia Robocop. Enquanto os dois últimos foram exibidos na década de 90, o longa original é de 1987 e conta a história de um policial que é brutalmente assassinado, mas que é ressuscitado numa forma meio homem meio máquina a fim de ser um combatente infalível contra a marginalidade. A direção coube ao expert em sci-fi Paul Verhoeven. E a trilha é de Basil Pouledoris (yeah!!!).

Por fim, há uma ficção bem bacaninha dirigida por Wolfgang Petersen e estrelada por Dennis Quaid e Louis Gosset Jr que merece breves palavras. Inimigo meu (1985) conta a história de soldados de espécies diferentes em uma guerra interplanetária que acabam isolados em um planeta distante onde terão que resolver suas diferenças para sobreviver. O filme tem boas cenas de ação, mas aqui o que impressiona são os diálogos e a improvável amizade que surge.

PS: Agradeço, pra variar, ao site Adoro cinema pelas sinopses gentilmente "ctrl+c" e "ctrl+v".

HASTA LA VISTA, BABY!

SAUDADE DOS 80 (parte 27)

2005-03-04T02:34:00.000-08:00

HOLA!

THE 80'S MOVIES

"J.M. Barrie: You can visit Neverland anytime you like.
Peter: How?
J.M. Barrie: By believing Peter, Just believe".

Lassie: esse seriado famoso exibido entre 1954 e 1974 nas TV americana, fez muito sucesso aqui no Brasil também. E alguns longas foram produzidos baseados na série. Lassie é uma bela cadela coolie (na verdade, os "atores" eram todos machos) corajosa, leal, inteligente, protetora, grande amiga... e chata. Não suporto a maioria dos filmes com animais e Lassie é um dos exemplos.

Rudolph, a rena do nariz vermelho (1964): é tão fofinho esse filme. Sei que muita gente não curte, mas sabe aqueles filmes que a gente apadrinha? Eis A rena do nariz vermelho, filme freqüente na telinha no final do ano. Realizado em stop-motion, a técnica nos soa amadora e admirável simultaneamente. O filme também desfila uma coleção de canções clássicas como "Silver and Gold", "We Are a Couple of Misfits" e o melancólico conto dos brinquedos rejeitados por crianças mimadas. Mas não é só a isso que se deve o sucesso memorável deste longa-metragem. O tema de Rudolph é também universal. Rudolph sonha em puxar o trenó de Papai Noel, já o duende Hermey não agüenta mais fazer brinquedos e sonha em ser dentista. Todos colegas zoam Rudolph por causa do seu nariz vermelho e a única pessoa que fica do seu lado é a bela Zoey. Magoado e cansado das brincadeiras sem graça, foge para o deserto do Pólo Norte junto com Hermey. Enquanto viajam, eles conhecem Yukon Cornelius, o Abominável Homem das Neves, e uma ilha repleta de brinquedos rejeitados. No processo, eles também descobrem seus verdadeiros valores pessoais. E qual criança – ou adulto – não acaba se identificando com a condição de rejeição que Rudolph? Enquanto isso, Papai Noel está prestes a cancelar a entrega dos presentes na véspera de Natal por causa de uma forte tempestade e não é que os rotulados defeitos ainda podem se tornar qualidade e salvar o Natal?

D.A.R.Y.L. (1985): O Bastian de História sem fim (Barret Oliver) é um garoto que perde a memória após sair de um carro que está sendo perseguido por outros carros e por helicópteros e acaba correndo desesperadamente para dentro de uma mata. Só se lembra do seu nome: Daryl. É adotado por uma família. Torna-se um filho perfeito: nunca reclama, sempre prestativo, muito obediente. Com o tempo, vai descobrindo que é capaz de fazer coisas que não são possíveis para uma criança como ele. Começa a investigar sua verdadeira identidade, quando surge um casal que afirma ser seus pais. Os falsos pais que, na verdade, são cientistas, se arrependem de tirar o garoto dos seus pais adotivos, mas terão que protegê-lo, já que o governo descobriu que o Data Analysing Robot Youth Lifeform está vivo. Um ótimo sci-fi para toda a família.

Benji (1974): junto com K9, é um dos poucos animais assistíveis do cinema. Lembro que, durante anos, guardei o VHS onde estava gravado esse filme. Dirigido pelo seu próprio dono, Joe Camp, o filme conta a história do cachorro Benji, um cão pra lá de esperto e carismático que tenta salvar duas crianças que foram seqüestradas. Não me lembro muito bem do filme, mas recordo que adorava o Benji e que esse longa de 1974 é o melhor da franquia.

História sem fim (1984): Bastian (Barret Oliver) perdeu sua mãe recentemente. Sua relação com o pai é amigável, porém distante. Encontra-se sempre disperso na escola, sem amigos, sem esperança ou sonhos. Ao tentar se esconder de uma gangue de bad boys mirins, entra em uma pequena biblioteca e depara-se com um livro antigo que o intriga. Mesmo sendo avisado que não poderia levar o livro, Bastian o pega emprestado e se depara com uma história hipnotizante e não tão segura como os outros livros que já lera. Entra de cabeça em um mundo de fantasias com lugares mágicos como Pântano da Solidão, Oráculo do Sul e com personagens expressivos, encantadores e surreais omo um caracol de corrida, um morcego planador, um dragão da sorte, elfos, uma Imperatriz Menina, o valente guerreiro Atreyu, Falkor e uma pedra ambulante chamada Come-Pedra. Fantasia está sendo consumida pelo Nada e só um jovem e destemido guerreiro chamado Atreyu (Noah Hathaway) pode salvar o planeta. Entretanto, Bastian não é um mero coadjuvante nessa história mágica. Dirigida com esmero pelo alemão Wolfgang Petersen, História sem fim possui belos figurinos, bons efeitos especiais para a época e uma trilha arrebatadora que nos envolve nessa fantasia cinematográfica. Em suma, essa incrível fábula quer nos mostrar a importância da imaginação e dos sonhos nas nossas vidas.

E.T. (1982): Está em todas! Um dos filmes responsáveis por eu ser tão viciada em cinema.

Viagem ao mundo dos sonhos (Explores,1985): esse filme dirigido por Joe Dante (Gremlins,Viagem Insólita) e com trilha de Jerry Goldsmith conta-nos a história de três amigos aficcionados pelo espaço sideral. Ben (Ethan Hawke) é um garoto fanático por alienígenas que sonha com uma fórmula para construir uma nave espacial. E com a ajuda dos seus amigos Darren e do super cdf Wolfgang (River Phoenix) constróem uma nave a partir de eletrodomésticos velhos. O que acho interessante nesse filme é a frustração quando percebem que o espaço é tão tedioso quanto o lugar de onde vieram e que os extra-terrestres são meras crianças como eles e tão fãs do planeta Terra como eles são pelo universo. Fazendo uma analogia a nossa infância ou mesmo a nossa vida de uma maneira geral, Explorers nos mostra a mania do ser humano de vangloriar tudo aquilo que é dos outros e não achar qualidades no que é seu. Faz-nos valorizar mais a nós mesmos.

A Fantástica Fábrica de Chocolates (1971): clássico infantil atemporal e incontestável. Gene Wilder é o excêntrico Willy Wonka, o recluso dono de uma fábrica de chocolates. Certo dia, resolve sortear cinco bilhetes que darão acesso a cinco crianças para poder visitar sua fábrica e um deles ganhará suprimentos de chocolate Wonka para o resto da vida. O humilde jovem Charlie Bucket almeja bastante esse prêmio e é um dos cinco escolhidos. Cada criança tem que levar um acompanhante e Charlie leva seu avô. As outras crianças são insuportáveis e cada uma tem um mau hábito característico que desenvolveu ao extremo.

A fábrica parece um sonho em cores psicodélicas: um rio de chocolate com cachoeira, flores, cogumelos, inúmeros doces pendurados em árvores como se tivessem brotado de alguma semente, pequeninas xícaras de chá que eram flores feitas de cera, enfim, tudo era comestível. Na sala de invenções, estavam as mais espetaculares criações em matéria de chicletes, doces explosivos, xaropes coloridos, e pastilhas eternas multi-coloridas everlasting gobstoppers. Os ajudantes de Wonka são anões de rosto laranja e cabelo verde chamados de Oompa Loompas.

Gene Wilder fazia um Willie Wonka que inspirava, ao mesmo tempo, terror, raiva e alegria nas crianças. As crianças sentiam-se traídas quando Willie demonstrava sarcasmo e ironia, ou mesmo as transformava em amoras, encolhendo-as, e até mesmo gritando com elas, como fez com Charlie. Mas na verdade, Willie Wonka queria descobrir a honestidade dentro dessas crianças, mesmo que para isso tivesse que ser cruel com elas. Porém as crianças, que nada sabiam, sentiam raiva do personagem e de seu humor incostante. Ora era um doce de pessoa, demonstrando alegria, ternura e compreensão, ora era sarcástico, indiferente, não confiável. Mas quem não queria mesmo assim conhecer aquela fábrica? E toda aquela inconstância do Willy tinha uma bela e honrada finalidade.

Annie (1982): Annie é uma simpática ruivinha que é adotada pelo milionário vivido por Albert Finney apenas para publicidade própria. Só que a órfã consegue conquistar o coração gélido do ricaço e fica muito mais que uma semana. Um lindo e comovente musical.

Querida, encolhi as crianças (1989): Wayne (Rick Moranis) é um cientista maluco cheio de idéias mirabolantes, mas que nunca dão certo. Inventa uma máquina que diminui as coisas de tamanho, só que essa sua invenção não está lá funcionando muito bem, porque ao testar com uma maçã, a pobre coitada foi detonada e não encolhida. Wayne é casado e tem um casal de filhos: Nick, o fofo do garoto alérgico a pólen e Amy, sua irmã mais velha.

Wayne não se dá nada bem com seus vizinhos, cujo chefe de família é um homem bem interioriano, durão e que só pensa em pescar no fim de semana. Seus vizinhos também têm dois filhos: Russ e Ronnie. A verdadeira confusão começa quando Ron quebra, sem querer, a vidraça do sótão da casa dos vizinhos com sua bola de beisebol e tem que ir se desculpar com eles. Só que a bola faz a máquina funcionar. E quando as quatro crianças sobem até o sótão para recuperar a bola e ver o estrago e se deparam com a máquina miniaturizadora subitamente funcionando. Um raio lançado por ela atinge as crianças que viram 4 pontinhos pequenos, de apenas alguns centímetros de altura.

A aventura começa quando Wayne varre as crianças e elas vão parar no quintal dentro de um saco de lixo. Agora eles têm que atravessar aquele quintal que agora mais parece uma floresta. Lembram-se deles dormindo dentro de uma peça de Lego, ou quando pegam carona com uma formiga filhote, ou quando são raptados por uma abelha, ou almoçando uma bolacha Oreo encontrada no caminho ou nadando na piscina de leite?

Um filme despretensioso, divertido, com bons efeitos especiais para a época. Quando fui pra Disney, entrei no brinquedo referente ao filme. Foi incrível!

Deu a louca nos mosntros (Monster Squad, 1987): um grupo de garotos têm que enfrentar toda uma corja de seres do além: múmia, lobisomem, monstro do pântano, Frankenstein, Drácula. Esse filme se encaixa muito bem no rótulo sessão da tarde.

Os heróis não têm idade (Cloak and Dagger, 1984): Henry Thomas (Elliot de E.T.) é um garoto aficcionado por vídeo-games. Em um jogo do ATARI, ele descobre informações ultra-secretas do governo e começa a ser perseguido, mas vai contar com a ajuda de um amigo imaginário (lembram que era o mesmo ator que fazia o pai do garoto?). Filme bem bacaninha e que traz uma mensagem bonitinha: nossos pais são os nossos verdadeiros heróis.

Os Goonies (1985): é o típico filme que vemos uma, duas, três, cinco vezes e nunca cansamos. É aventura, é fantasia, é suspense, é comédia, é drama, é romance. Qual a criança que nunca sonhou participar de uma aventura? E graças a Peter Pan, Ali Babá e Alladin, os piratas, feiticeiros e os tesouros perdidos tornaram-se personagens habituais da nossa imaginação. Com roteiro de Steven Spielberg e Chris Columbus, Richard Donner dirige a história de quatro garotos (Mickey (Sean Astin), Bocão (Corey Feldman), Data (Jonathan Ke Quan) e Bolão (Jeff Cohen)) que vão em busca de um tesouro perdido guardado pelo pirata Willy Caolho. Esse tesouro é a única maneira de evitar que eles se separem, já que um milionário quer transformar o bairro onde vivem em um imenso clube de golfe. Primeiramente, tentam despistar Brand (Josh Brolin), o irmão mais velho de Mickey, amarrando-o em uma cadeira e esvaziando o pneu de sua bicicleta.

Seguindo o mapa, os jovens acabam sendo levados a um antigo restaurante que é usado por uma família de criminosos como esconderijo. Os Fratelli, liderados pela Mama (Anne Ramsey... Eu sempre tive medo dela!) e seus dois filhos songo-mongos. Enquanto isso, encontram no caminho Brandon, acompanhado por sua namorada Andy (Kerri Green) e sua amiga Stef (Martha Plimpton), que está disposto a fazê-los desistir da idéia. Mas depois de muito blá blá blá , Mickey comvence o irmão e todos partem juntos em busca do tesouro. A partir desse ponto, eles partirão terra adentro numa aventura cheia de passagens secretas e armadilhas, plantadas pelos próprios piratas para evitar que seu tesouro seja roubado, mas sempre perseguidos de perto pela família criminosa.

A cena em que os criminosos ameaçam torturar o gordo Chunck se ele não contar tudo o que está escondendo é impagável, como também são as intervenções do monstruoso e deformado "Sloth" (eu amo esse cara!), irmão dos Fratelli que é mantido à parte do mundo exterior pela família, cuja simpatia o gordinho conquista com ajuda do chocolate Babe Ruth.

"Francis Fratelli: "Conte tudo!!! Tudo!!!"

Bolão: "Tá bom! Eu falo! Na terceira série, eu colei na prova de história. Na quarta-série, eu roubei a peruca do meu tio e colei na cara pra fazer o papel de Moisés na peça da escola. Na quinta série, empurrei minha irmã da escada e culpei o cachorro... Quando minha mãe me mandou para o acampamento para gordinhos, na hora do almoço eu cuspi tudo e fui mandado embora... mas a pior coisa que já fiz foi quando misturei vômito falso em casa, levei escondido ao cinema, subi nos camarotes e aí fiz um barulho tipo - blearrrrrgh, bleaaaaaargh - e joguei lá embaixo sobre as pessoas na platéia. Foi horrível, todas as pessoas enjoaram e começaram a vomitar umas em cima das outras... Eu nunca me senti tão mal em toda a minha vida!!!"

Francis Fratelli: "Estou começando a gostar desse garoto".

São tantas cenas memoráveis: o beijo metálico de Mickey na cunhada, a quantidade de joías que cabem na boca de Bocão, as notas musicais do piano, o navio pirata, Sloth Superman, as briguinhas entre Bocão e Stef, as jerigonças de Data, a verborragia de Bocão, o mau-humor da Stef (o que um beijo não faz, né?), a meiguice de Andy... E aquela trilha encabeçada pelo hit Good Enough da Cyndi Lauper? Altamente pop, altamente anos 80...

Em uma das cenas finais, Mike trava um diálogo (ou monólogo?) com Willie:

"Mike (para o esqueleto de Willie Caolho, tirando o tapa-olho): Então... é por isso que te chamam de Willie Caolho... Willie Caolho. (...) Sabe, Willie? Você foi o primeiro Goonie.

(o resto dos Goonies aparece)
Mike: Oi, oi pessoal. Tudo bem? Esse é Willie. Willie Caolho. Diga oi, Willie. Esses são meus amigos, os Goonies".

Qual de nós não queria também ser um Goonie?

Labirinto (1986): Cuidado com o que pedem! Imaginem se tornassem reais todas as asneiras que soltamos pela boca? Mente em embulição é um perigo constante. Sarah (Jennifer Connely) não gosta da sua vida: sua madrasta é má, seu irmão menor é irritante e não tem tempo para curtir a vida. Enquanto cuida do irmão, ela evoca os duendes, personagens do seu livro favorito "Labirinto" e pede que levem o guri. Sarah se arrepende, mas o maquiavélico duende-rei Jareth não liga para suas súplicas. A única maneira de salvá-lo de se tornar um duende para sempre é atravessar e chegar ao castelo no centro do Labirinto em apenas 13 horas. Na sua jornada encontra criaturas tanto do bem como do mal e Jareth (David Bowie) encanta-se por Sarah. Um lindo filme, com visual fantástico, figurinos perfeitos e uma trilha encabeçada pelo mestre David Bowie.

História sem fim (1984): Falkor, o destemido dragão da sorte. Coloquei essa fotita dele porque era meu personagem favorito, junto com o Come Pedra e o Nada.

O Pequeno Príncipe (1974): baseado na obra homônima de Saint Exupéry, o mestre Stanley Donen traz para as telas a fábula de um garoto, príncipe do planeta Asteroid B612. A fábula tem início com um piloto de avião que, durante a 2ª Guerra Mundial, se vê obrigado a fazer um pouso forçado em pleno deserto do Saara. Certa manhã é acordado por um garoto, o Pequeno Príncipe, que lhe pede: "Desenha-me um carneiro"? É aí que começa o relato das fantasias de uma criança que questiona as coisas mais simples da vida com pureza e ingenuidade. O principezinho havia deixado seu pequeno planeta, onde vivia apenas com uma rosa vaidosa e orgulhosa. Em suas andanças pela Galáxia, conheceu uma série de personagens inusitados: um rei que pensava que todos eram seus súditos, apesar de não haver ninguém por perto. Um homem de negócios se dizia muito sério e ocupado, mas não tinha tempo para sonhar. Um bêbado que bebia para esquecer a vergonha que sentia por beber. Um geógrafo que se achava muito sábio, porém não entendia bulhufas da geografia do seu próprio país.

Através de papos cabeça com uma cobra, com uma raposa (Gene Wilder) e o próprio piloto, o menino aprende a importância da vida e do amor, que pode ser traduzida por uma frase dita pela raposa: "Só se vê bem com o coração. O essencial é invisível aos olhos". Donen captou completamente o espírito de Exupéry e a prova é esse belo filme.

A pequena sereia (1989): Sabe aquela sensação de alívio que temos ao emergir à superfície, após o sofrimento da sensação iminente de afogamento? Acho que os executivos da Disney experimentaram bem na pele essa sensação depois do sucesso dessa animação. Ariel é uma sereia adolescente e filha do Rei dos mares. E, como todos aborrecentes, não se sente encaixada no seu lar e prefere catar quinquilharias entre as ruínas de velhos navios nafraugados com seu amigo Linguado e uma gavoita atrapalhada. Percebendo que sua filha anda com a cabeça na lua, o Rei coloca o fiel caranguejo Sebastian para vigiá-la. Em uma das suas visitas à superfície terrestre, Ariel salva um rapaz quando o seu navio naufraga por causa de uma violenta tempestade. Nesse exato momento, ela se apaixona pelo garoto, ou melhor, o príncipe Eric. Deprimida, resolve fazer um pacto com a maquiavélica feiticeira Ursula que sugere um acordo: ela dá pernas a Ariel, mas esta lhe daria sua voz. Entretanto, se Ariel não conseguisse beijar o príncipe em três dias transformar-se-ia para sempre em um patético pólipo que Ursula mantém na sua toca. Personagens carismáticos, cenários belíssimos, números musicais espirituosos fizeram desse filme um sucesso de crítica e bilheteria.

Akira (1988): apesar de incluí-lo aqui, Akira foge do padrão infantil. É um filme para adultos, para refletirmos melhor as conseqüências dos nossos atos.

Akira tornou-se referência máxima da animação japonesa com seu trabalho de animação e grafismo espetaculares, além de uma história complexa e personagens surpreendentes. É um filme sombrio e poeticamente reflexivo.

"Tudo tem início quando uma explosão sem origem conhecida destruíra a cidade de Tóquio. Em um futuro próximo, surge a cidade de Neo-Tóquio, construída sobre as cinzas da anterior. Nesse mundo cyberpunk, gangues de motoqueiros travam batalhas campais nas ruas, enquanto manifestantes protestam contra o governo, e o exército faz experiências secretas para usar jovens com poderes sobrenaturais como armas de um novo exército. Kaneda e Tetsuo, dois amigos de infância, se metem num redemoinho complexo de paranóia, tramas sinistras e muita alucinação, e sua amizade é colocada à prova quando Tetsuo é transformado em uma das cobaias do exército. Tudo isso com muitos flashbacks, sangue, morte, poderes sobrenaturais, guerras intercontinentais, o Novo Império, o Poder e o Fluxo".

Akira é um marco na história cinematográfica, que transcende o universo das animações. Uma obra-prima, um verdadeiro clássico.

HASTA!